Masih hidup - Still life

Daripada Wikipedia, Ensiklopedia Percuma

Pin
Send
Share
Send

Jan Brueghel Penatua (1568–1625), Sejambak (1599). Beberapa contoh awal kehidupan yang masih hidup adalah lukisan bunga oleh pelukis Netherlandish Renaissance. Lukisan masih hidup (termasuk vanitas, sebagai genre tertentu, mencapai kepentingan terbesarnya di Zaman Emas Seni Belanda (sekitar 1500 -1600-an).
Juan Sánchez Cotán, Masih Hidup dengan Ayam Permainan, Sayuran dan Buah (1602), Museo del Prado Madrid

A masih hidup (majmuk: masih hidup) ialah karya seni menggambarkan sebahagian besarnya tidak bernyawa isi pokok, objek biasa yang sama ada semula jadi (makanan, bunga, haiwan mati, tumbuhan, batu, cengkerang, dll.) atau buatan manusia (gelas minum, buku, pasu, perhiasan, duit syiling, paip, dll.).[1]

Dengan asal usul di Pertengahan umur dan Kuno Yunani-Rom seni, lukisan masih hidup muncul sebagai genre yang berbeza dan pengkhususan profesional dalam Lukisan Barat menjelang akhir abad ke-16, dan kekal penting sejak itu. Salah satu kelebihan bentuk seni yang masih hidup adalah bahawa ia memberi kebebasan kepada seniman untuk bereksperimen dengan susunan elemen dalam komposisi lukisan. Masih hidup, sebagai genre tertentu, bermula dengan Lukisan Belanda abad ke-16 dan ke-17, dan istilah Inggeris masih hidup berasal dari perkataan Belanda stilleven. Lukisan-lukisan awal yang masih hidup, terutama sebelum tahun 1700, sering memuat simbolisme keagamaan dan kiasan yang berkaitan dengan objek yang digambarkan. Kemudian karya hidup dihasilkan dengan pelbagai media dan teknologi, seperti objek yang dijumpai, fotografi, grafik komputer, serta video dan suara.

Istilah ini merangkumi lukisan haiwan mati, terutamanya permainan. Yang hidup dipertimbangkan seni haiwan, walaupun dalam praktiknya mereka sering dilukis dari model mati. Kerana penggunaan tumbuhan dan haiwan sebagai subjek, kategori hidup-mati juga mempunyai persamaan dengan zoologi dan terutamanya ilustrasi botani. Namun, dengan seni visual atau seni rupa, karya itu tidak bertujuan hanya untuk menggambarkan subjek dengan betul.

Masih hidup menempati tangga terendah di hierarki genre, tetapi sangat popular dengan pembeli. Serta subjek hidup-bebas yang bebas, lukisan hidup-mati merangkumi jenis lukisan lain dengan unsur-unsur hidup-yang menonjol, biasanya simbolik, dan "gambar yang bergantung pada banyak elemen hidup-mati yang kelihatannya dapat menghasilkan semula 'potongan hidup'".[2] The trompe-l'œil lukisan, yang bertujuan untuk menipu penonton untuk menganggap pemandangan itu nyata, adalah jenis hidup yang khusus, biasanya menunjukkan benda mati dan relatif rata.[3]

Anteseden dan perkembangan

Masih hidup pada mosaik abad ke-2, dengan ikan, unggas, kurma dan sayur-sayuran dari Vatican muzium
Mangkuk kaca buah dan pasu. Rom lukisan dinding di Pompeii (sekitar 70 AD), Muzium Arkeologi Nasional Naples, Napoli, Itali

Lukisan yang masih hidup sering menghiasi bahagian dalam Mesir kuno kubur. Dipercayai bahawa benda-benda makanan dan barang-barang lain yang digambarkan di sana, di akhirat, akan menjadi nyata dan tersedia untuk digunakan oleh si mati. Lukisan pasu Yunani kuno juga menunjukkan keahlian besar dalam menggambarkan objek dan haiwan sehari-hari. Peiraikos disebut oleh Pliny the Elder sebagai pelukis panel subjek "rendah", seperti bertahan di mozek versi dan lukisan dinding wilayah di Pompeii: "kedai gunting rambut, gerai tukang gunting, keldai, makanan dan subjek yang serupa".[4]

Kehidupan yang serupa, lebih ringkas hiasan dalam maksud, tetapi dengan perspektif yang realistik, juga terdapat di Rom lukisan dinding dan mozek lantai digali di Pompeii, Herculaneum dan juga Villa Boscoreale, termasuk motif mangkuk gelas buah yang dikenali kemudian. Mosaik hiasan yang disebut "emblema", yang terdapat di rumah orang Rom yang kaya, memperlihatkan berbagai makanan yang dinikmati oleh golongan atasan, dan juga berfungsi sebagai tanda keramahan dan sebagai perayaan musim dan kehidupan.[5]

Menjelang abad ke-16, makanan dan bunga akan muncul lagi sebagai simbol musim dan lima pancaindera. Juga bermula pada zaman Rom adalah tradisi penggunaan tengkorak dalam lukisan sebagai simbol kematian dan tinggalan duniawi, selalunya dengan frasa yang menyertainya Omnia mors aequat (Kematian menjadikan semua sama).[6] Ini vanitas gambar telah ditafsirkan semula melalui sejarah seni 400 tahun terakhir, bermula dengan pelukis Belanda sekitar tahun 1600.[7]

Penghayatan popular mengenai realisme lukisan hidup masih ada dalam Yunani kuno legenda Zeuxis dan Parrhasius, yang dikatakan pernah bersaing untuk membuat benda yang paling hidup, deskripsi terawal sejarah trompe-l'œil melukis.[8] Sebagai Pliny the Elder dirakam pada zaman Rom kuno, seniman Yunani berabad-abad sebelumnya sudah maju dalam seni lukis lukisan potret, lukisan genre dan masih hidup. Dia bersuara Peiraikos, "yang keseniannya diungguli oleh sangat sedikit ... Dia melukis gerai tukang gunting rambut dan tukang kasut, keldai, sayur-sayuran, dan semacamnya, dan untuk alasan itu disebut 'pelukis subjek vulgar'; namun karya-karya ini sama sekali menggembirakan, dan mereka dijual dengan harga lebih tinggi daripada [lukisan] terhebat dari banyak artis lain. "[9]

Zaman Pertengahan dan Zaman Renaissance Awal

Hans Memling (1430–1494), Pasu Bunga (1480), Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid. Menurut beberapa sarjana yang Pasu Bunga dipenuhi dengan perlambangan agama.[10]

Menjelang 1300, bermula dengan Giotto dan murid-muridnya, lukisan hidup-hidup dihidupkan kembali dalam bentuk ceruk fiksyen pada lukisan dinding keagamaan yang menggambarkan benda-benda sehari-hari.[11] Melalui Pertengahan umur dan juga Zaman Renaissance, masih hidup dalam seni Barat terutama sebagai tambahan kepada subjek agama Kristian, dan membawa makna agama dan kiasan. Ini berlaku terutama dalam karya para seniman Eropah Utara, yang memikat dengan realisme optik dan simbolisme yang sangat terperinci menyebabkan mereka memberikan perhatian besar pada keseluruhan mesej lukisan mereka.[12] Pelukis suka Jan van Eyck unsur hidup yang sering digunakan sebagai sebahagian daripada ikonografi program.

Pada akhir Zaman Pertengahan, unsur-unsur hidup, kebanyakannya bunga tetapi juga haiwan dan kadang-kadang benda mati, dicat dengan peningkatan realisme di sempadan manuskrip yang diterangi, mengembangkan model dan kemajuan teknik yang digunakan oleh pelukis gambar yang lebih besar. Terdapat pertindihan yang cukup besar antara para seniman yang membuat miniatur untuk manuskrip dan panel lukisan tersebut, terutama di Lukisan Belanda awal. The Jam Catherine of Cleves, mungkin dibuat dalam Utrecht sekitar tahun 1440, adalah salah satu contoh tren yang luar biasa ini, dengan sempadan yang menampilkan rangkaian objek yang luar biasa, termasuk syiling dan jaring ikan, yang dipilih untuk melengkapkan teks atau gambar utama pada titik tersebut. Bengkel-bengkel Flemish pada abad ini semakin jauh dengan unsur naturalisme unsur sempadan. Gothik millefleur permaidani adalah satu lagi contoh peningkatan minat umum terhadap penggambaran tumbuhan dan haiwan yang tepat. Kumpulan The Lady dan Unicorn adalah contoh yang paling terkenal, direka di Paris sekitar tahun 1500 dan kemudian ditenun di Flanders.

Pembangunan bagi lukisan minyak teknik dengan Jan van Eyck dan seniman Eropah Utara yang lain memungkinkan untuk melukis objek sehari-hari dengan cara yang sangat realistik, kerana pengeringan, pencampuran, dan kualiti lapisan minyak yang perlahan.[13] Antara yang pertama membebaskan makna agama adalah Leonardo da Vinci, yang mencipta cat air kajian buah-buahan (sekitar tahun 1495) sebagai bagian dari pemeriksaan sifatnya yang gelisah, dan Albrecht Dürer yang juga membuat gambar berwarna flora dan fauna yang tepat.[14]

Petrus Christus'potret pengantin lelaki yang menziarahi tukang emas adalah contoh khas dari kehidupan diam peralihan yang menggambarkan kandungan agama dan sekular. Walaupun kebanyakannya bersifat kiasan, pesan pasangan itu realistik dan objek yang ditunjukkan (duit syiling, kapal, dll.) Dilukis dengan tepat tetapi tukang emas itu sebenarnya adalah gambaran St Eligius dan objek-objek itu sangat simbolik. Jenis lukisan lain yang serupa adalah potret keluarga yang menggabungkan tokoh dengan meja makanan yang disusun dengan baik, yang melambangkan ketakwaan subjek manusia dan terima kasih atas limpah kurnia Tuhan.[15] Pada masa ini, gambaran hidup-mati yang sederhana yang bercerai dengan tokoh-tokoh (tetapi bukan makna kiasan) mula dilukis di bahagian luar penutup lukisan kebaktian peribadi.[9] Langkah lain menuju kehidupan yang masih mandiri adalah lukisan bunga simbolik dalam pasu di belakang potret sekular sekitar tahun 1475.[16] Jacopo de 'Barbari melangkah lebih jauh dengan miliknya Masih Hidup dengan Partridge dan Gauntlets (1504), antara yang paling awal ditandatangani dan bertarikh trompe-l'œil lukisan yang masih hidup, yang mengandungi kandungan agama yang minimum.[17]

Renaissance Kemudian

Joachim Beuckelaer (1533–1575), Tempat kejadian dapur, dengan Yesus di rumah Martha dan Maria di latar belakang (1566), 171 × 250 cm (67.3 × 98.4 inci).

Abad keenam belas

Walaupun kebanyakan kehidupan yang masih hidup setelah tahun 1600 adalah lukisan yang agak kecil, tahap penting dalam pengembangan genre adalah tradisi, yang kebanyakannya berpusat pada Antwerp, dari "hidup mati yang monumental", yang merupakan lukisan besar yang merangkumi penyebaran besar bahan hidup yang masih hidup dengan angka dan sering haiwan. Ini adalah perkembangan oleh Pieter Aertsen, yang Gerai Daging dengan Keluarga Kudus Sedekah (1551, sekarang Uppsala) memperkenalkan jenis dengan lukisan yang masih mengejutkan. Contoh lain ialah "The Butcher Shop" oleh anak saudara Aertsen Joachim Beuckelaer (1568), dengan gambaran realistik daging mentah yang mendominasi latar depan, sementara latar belakang latar menyampaikan bahaya mabuk dan lendir. Jenis pemandangan dapur atau pasar yang sangat besar yang dikembangkan oleh Pieter Aertsen dan anak saudaranya Joachim Beuckelaer biasanya menggambarkan banyak makanan dengan peralatan dapur yang masih hidup dan pembantu rumah dapur Flemish. Adegan keagamaan kecil sering dibuat di kejauhan, atau tema seperti Empat musim ditambahkan untuk mengangkat subjek. Kehidupan skala besar semacam ini terus berkembang dalam lukisan Flemish setelah pemisahan Utara dan Selatan, tetapi jarang terdapat dalam lukisan Belanda, walaupun karya lain dalam tradisi ini menjangkakan "syarikat riang" jenis lukisan genre.[18]

Secara beransur-ansur, kandungan keagamaan semakin berkurang dan penempatan dalam lukisan jenis ini, walaupun pelajaran moral diteruskan sebagai sub-konteks.[19] Salah satu karya Itali yang agak gaya, Annibale Carraccirawatan subjek yang sama pada tahun 1583, Kedai daging, mula membuang pesan-pesan moral, seperti juga lukisan-lukisan hidup "dapur dan pasar" lain pada masa ini.[20] Vincenzo Campi mungkin memperkenalkan gaya Antwerp ke Itali pada tahun 1570an. Tradisi ini berlanjutan hingga abad berikutnya, dengan beberapa karya oleh Ruben, yang kebanyakannya menyuburkan unsur hidup dan haiwan kepada tuan pakar seperti Frans Snyders dan anak muridnya Jan Fyt. Menjelang separuh kedua abad ke-16, kehidupan mati yang autonomi berkembang.[21]

Michelangelo Merisi da Caravaggio, Bakul buah (1595–96), minyak pada kanvas, 31 x 47 cm

Abad ke-16 menyaksikan ledakan minat di dunia semula jadi dan penciptaan ensiklopedia botani yang mewah yang merakam penemuan Dunia Baru dan Asia. Ini juga mendorong permulaan ilustrasi ilmiah dan klasifikasi spesimen. Objek semula jadi mula dihargai sebagai objek kajian individu selain dari mana-mana persatuan agama atau mitologi. Ilmu awal ubat herba bermula pada masa ini juga, yang merupakan pengembangan praktikal dari pengetahuan baru ini. Di samping itu, pelanggan yang kaya mula menanggung koleksi spesimen haiwan dan mineral, menjadikannya luas kabinet rasa ingin tahu. Spesimen ini berfungsi sebagai model bagi pelukis yang mencari realisme dan kebaruan. Kerang, serangga, buah dan bunga eksotik mula dikumpulkan dan diperdagangkan, dan tanaman baru seperti bunga tulip (diimport ke Eropah dari Turki), dirayakan dalam lukisan yang masih hidup.[22]

Letupan hortikultur menarik minat ramai di Eropah dan artis memanfaatkannya untuk menghasilkan ribuan lukisan yang masih hidup. Beberapa wilayah dan mahkamah mempunyai kepentingan tertentu. Contohnya, gambaran sitrus adalah keghairahan tertentu Medici mahkamah di Florence, Itali.[23] Penyebaran spesimen semula jadi yang besar ini dan minat yang meluas dalam ilustrasi semula jadi di seluruh Eropah, menghasilkan penciptaan lukisan hidup moden yang hampir serentak sekitar tahun 1600.[24][25]

Pada pergantian abad pelukis Sepanyol Juan Sánchez Cotán mempelopori kehidupan orang Sepanyol dengan lukisan sayur-sayuran yang tenang, sebelum memasuki sebuah biara pada empat puluhan tahun 1603, setelah itu dia melukis subjek agama.

Lukisan abad keenam belas

Abad ke tujuh belas

Jacopo da Empoli (Jacopo Chimenti), Masih hidup (sekitar 1625)

Ahli Akademik terkemuka abad ke-17, seperti Andrea Sacchi, merasakan bahawa genre dan lukisan yang masih hidup tidak membawa "gravitas" yang layak agar lukisan dianggap hebat. Rumusan berpengaruh tahun 1667 oleh André Félibien, sejarawan, arkitek dan ahli teori klasikisme Perancis menjadi pernyataan klasik teori hierarki genre untuk abad ke-18:

Celui qui fait parfaitement des païsages est au-dessus d'un autre qui ne fait que des fruit, des fleurs ou des coquilles. Celui qui peint des animaux vivants est plus que ceux qui ne représentent que des choses mortes & sans pencapaian; & comme la figur de l'homme est le plus parfait ouvrage de Dieu sur la Terre, sejenis aussi que celui qui se rend l'imitateur de Dieu en peignant des figur humaines, est beaucoup plus que tous les autres ...[26]

Dia yang menghasilkan landskap yang sempurna adalah di atas orang lain yang hanya menghasilkan buah, bunga atau makanan laut. Dia yang melukis binatang hidup lebih dapat diperkirakan daripada mereka yang hanya mewakili benda mati tanpa gerakan, dan sebagai manusia adalah karya Tuhan yang paling sempurna di bumi, juga pasti bahawa dia yang menjadi peniru Tuhan dalam mewakili sosok manusia, adalah jauh lebih hebat daripada yang lain ... ".

Lukisan Belanda dan Flemish

Willem Kalf (1619–1693), minyak di atas kanvas, Muzium J. Paul Getty
Pieter Claesz (1597–1660), Masih hidup dengan Alat Muzik (1623)

Masih hidup berkembang sebagai kategori yang terpisah di Negara Rendah pada suku terakhir abad ke-16.[27] Istilah Inggeris masih hidup berasal dari Belanda perkataan stilleven sementara bahasa Romantik (serta bahasa Yunani, Poland, Rusia dan Turki) cenderung menggunakan istilah makna alam mati. Abad ke-15 Lukisan Belanda awal telah mengembangkan teknik yang sangat ilusi dalam kedua-duanya lukisan panel dan manuskrip yang diterangi, di mana perbatasan sering menampilkan paparan bunga, serangga dan, dalam karya seperti itu Jam Catherine of Cleves, pelbagai jenis objek. Ketika naskah yang diterangi digantikan oleh buku bercetak, kemahiran yang sama kemudian digunakan dalam ilustrasi botani ilmiah; Negara-negara Rendah memimpin Eropah di kedua-duanya botani dan penggambarannya dalam seni. Artis Flemish Joris Hoefnagel (1542-1601) dibuat cat air dan sakit perut lukisan bunga dan mata pelajaran hidup yang lain untuk Maharaja Rudolf II, dan terdapat banyak ilustrasi terukir untuk buku (selalunya berwarna tangan), seperti Hans Collaerts Florilegium, diterbitkan oleh Plantin pada tahun 1600.[28]

Sekitar 1600 lukisan bunga dalam minyak menjadi sesuatu yang menggila; Karel van Mander melukis beberapa karya sendiri, dan mencatat yang lain Mannerist Utara seniman seperti Cornelis van Haarlem juga berbuat demikian. Tidak ada potongan bunga yang masih ada yang diketahui, tetapi banyak yang bertahan oleh pakar terkemuka, Jan Brueghel Penatua dan Ambrosius Bosschaert, kedua-duanya aktif di Belanda Selatan.[29]

Walaupun para seniman di Utara mendapati peluang terhad untuk menghasilkan ikonografi agama yang telah lama menjadi pokok mereka - gambar subjek agama dilarang di Gereja Protestan Reformed Belanda- Tradisi Utara yang terus menerus mengenai realisme terperinci dan simbol tersembunyi menarik bagi kelas menengah Belanda yang sedang berkembang, yang menggantikan Gereja dan Negara sebagai pelindung seni utama di Belanda. Ditambah dengan ini adalah mania Belanda untuk hortikultura, terutama bunga tulip. Kedua-dua pandangan bunga ini - sebagai objek estetik dan sebagai simbol keagamaan - bergabung untuk mewujudkan pasaran yang sangat kuat untuk jenis kehidupan yang tenang ini.[30] Masih hidup, seperti kebanyakan karya seni Belanda, umumnya dijual di pasar terbuka atau oleh peniaga, atau oleh seniman di studio mereka, dan jarang ditugaskan; oleh itu, seniman biasanya memilih perkara dan susunannya.[31] Begitu popular adalah jenis lukisan hidup-mati ini, sehingga banyak teknik lukisan bunga Belanda dikodifikasikan pada risalah 1740 Groot Schilderboeck oleh Gerard de Lairesse, yang memberikan nasihat yang luas mengenai warna, susunan, kerja berus, penyediaan spesimen, harmoni, komposisi, perspektif, dll.[32]

Simbolisme bunga telah berkembang sejak zaman Kristian awal. Bunga yang paling biasa dan makna simboliknya termasuk: bunga mawar (Perawan Maria, transience, Venus, cinta); lily (Perawan Maria, keperawanan, payudara wanita, kesucian akal atau keadilan); tulip (kesopanan, bangsawan); bunga matahari (kesetiaan, cinta ilahi, pengabdian); ungu (kesopanan, kesopanan, kerendahan hati); kolumbin (melankolis); poppy (kuasa, tidur, kematian). Adapun serangga, rama-rama mewakili transformasi dan kebangkitan sementara capung melambangkan transience dan semut kerja keras dan perhatian terhadap penuaian.[33]

Artis Flemish dan Belanda juga bercabang dan menghidupkan semula tradisi hidup Yunani kuno trompe-l'œil, terutamanya tiruan alam atau mimesis, yang mereka sebut bedriegertje ("penipuan kecil").[8] Sebagai tambahan kepada jenis kehidupan yang masih hidup ini, seniman Belanda mengenal pasti dan mengembangkan lukisan "dapur dan pasar" secara berasingan, sarapan pagi dan meja makan, lukisan vanitas, dan koleksi koleksi kiasan.[34]

Dalam Katolik Belanda Selatan genre lukisan garland dikembangkan. Sekitar 1607-1608, seniman Antwerp Jan Brueghel Penatua dan Hendrick van Balen mula membuat gambar-gambar ini yang terdiri daripada gambar (biasanya kebaktian) yang dikelilingi oleh karangan bunga yang masih hidup. Lukisan-lukisan itu adalah kolaborasi antara dua pakar: seorang pegun dan pelukis sosok. Daniel Seghers mengembangkan genre dengan lebih jauh. Mula-mula melayani fungsi kebaktian, lukisan karangan bunga menjadi sangat popular dan banyak digunakan sebagai hiasan rumah.[35]

Genre hidup yang istimewa adalah apa yang disebut pronkstilleven (Bahasa Belanda untuk 'hidup diam yang mewah'). Gaya lukisan hidup hias ini dikembangkan pada tahun 1640-an di Antwerp oleh artis Flemish seperti Frans Snyders dan Adriaen van Utrecht. Mereka melukis gaya hidup yang menekankan kelimpahan dengan menggambarkan kepelbagaian objek, buah, bunga dan permainan mati, sering bersama-sama dengan orang dan haiwan yang masih hidup. Gaya ini segera diadopsi oleh seniman dari Republik Belanda.[36]

Terutama popular pada zaman ini adalah vanitas lukisan, di mana susunan buah dan bunga yang mewah, buku, patung, pasu, duit syiling, perhiasan, lukisan, alat muzik dan ilmiah, lambang ketenteraan, perak dan kristal halus, disertai dengan peringatan simbolik tentang ketidakkekalan hidup. Selain itu, tengkorak, an jam pasir atau jam poket, lilin yang menyala atau buku dengan halaman berpusing, akan berfungsi sebagai pesan moral mengenai keseronokan deria. Selalunya sebilangan buah dan bunga itu sendiri kelihatan mula merosakkan atau pudar untuk menekankan perkara yang sama.

Jenis lain yang masih hidup, dikenali sebagai ontbijtjes atau "lukisan sarapan pagi", mewakili persembahan sajian harfiah yang mungkin dinikmati oleh golongan atasan dan peringatan keagamaan untuk mengelakkan kegelisahan.[37] Sekitar 1650 Samuel van Hoogstraten melukis salah satu gambar rak dinding pertama, trompe-l'œil Lukisan yang masih hidup yang menampilkan objek yang diikat, ditempelkan atau dilekatkan dengan cara lain pada papan dinding, sejenis hidupan yang sangat popular di Amerika Syarikat pada abad ke-19.[38] Variasi lain adalah trompe-l'œil masih hidup menggambarkan benda-benda yang berkaitan dengan profesion tertentu, seperti lukisan Cornelis Norbertus Gysbrecht "Painter's Easel with Fruit Piece", yang memaparkan semua alat kerajinan pelukis.[39] Juga terkenal pada separuh pertama abad ke-17 adalah lukisan pelbagai spesimen dalam bentuk kiasan, seperti "lima deria", "empat benua", atau "empat musim", yang menunjukkan seorang dewi atau tokoh kiasan dikelilingi oleh objek semula jadi dan buatan manusia yang sesuai.[40] Populariti lukisan vanitas, dan bentuk lain yang masih hidup, segera tersebar dari Belanda ke Flanders dan Jerman, dan juga ke Sepanyol[41] dan Perancis.

Penghasilan nyawa Belanda adalah sangat besar, dan mereka dieksport secara meluas, terutama ke Eropah utara; Britain hampir tidak menghasilkan sendiri. Kehidupan Jerman masih mengikuti model Belanda; Georg Flegel adalah pelopor dalam kehidupan diam yang murni tanpa angka dan mencipta inovasi komposisi meletakkan objek terperinci di dalam kabinet, almari, dan casing, dan menghasilkan pelbagai pandangan serentak.[42]

Lukisan Belanda, Flemish, Jerman dan Perancis

Eropah Selatan

Diego Velázquez, Telur Goreng Wanita Tua (1618), (Galeri Nasional Scotland, adalah salah satu contoh awal bodegón.[43]

Dalam Seni Sepanyol, a bodegón adalah lukisan hidup yang menggambarkan barang-barang pantri, seperti minuman, permainan, dan minuman, yang sering disusun di atas papak batu sederhana, dan juga lukisan dengan satu atau lebih angka, tetapi unsur-unsur hidup yang ketara, biasanya dipasang di dapur atau kedai makan. Bermula di Barok tempoh, lukisan seperti itu menjadi popular di Sepanyol pada suku kedua abad ke-17. Tradisi lukisan hidup masih nampaknya bermula dan jauh lebih popular pada masa kini Negara Rendah, hari ini Belgium dan Belanda (ketika itu seniman Flemish dan Belanda), daripada sebelumnya di Eropah selatan. Utara masih hidup mempunyai banyak subgenre; yang sekeping sarapan ditambah oleh trompe-l'œil, sejambak bunga, dan juga vanitas.

Di Sepanyol terdapat lebih sedikit pelanggan untuk perkara seperti ini, tetapi jenis sekeping sarapan menjadi popular, menampilkan beberapa objek makanan dan pinggan mangkuk yang diletakkan di atas meja. Lukisan masih hidup di Sepanyol, juga disebut bodegon, adalah keras. Ia berbeza dengan kehidupan Belanda, yang sering berisi jamuan makan yang kaya dengan kain atau kaca yang berhias dan mewah. Permainan dalam lukisan Sepanyol sering merupakan haiwan mati biasa yang masih menunggu untuk dikuliti. Buah-buahan dan sayur-sayuran tidak dimasak. Latar belakangnya adalah blok geometri kayu yang suram atau polos, yang sering menimbulkan udara surealis. Walaupun kedua-duanya masih hidup Belanda dan Sepanyol sering mempunyai tujuan moral yang tertanam, penghematan, yang menurutnya sebilangan suram dari beberapa dataran tinggi Sepanyol, nampaknya menolak kenikmatan sensual, kesenangan, dan kemewahan lukisan hidup Belanda.[44]

Francisco de Zurbarán, Bodegón atau Masih Hidup dengan Balang Tembikar (1636), Museo del Prado, Madrid
Josefa de Ayala (Josefa de Óbidos), Masih hidup (sekitar 1679), Santarém, Perpustakaan Perbandaran

Walaupun lukisan hidup masih Itali (dalam bahasa Itali disebut sebagai natura morta, "sifat mati") semakin popular, ia tetap tidak dihormati secara historis daripada lukisan "gaya agung" subjek sejarah, agama, dan mitos. Sebaliknya, seniman hidup masih Itali yang berjaya mendapat perlindungan yang cukup pada zaman mereka.[45] Tambahan pula, pelukis wanita, sebilangan kecilnya, biasanya memilih atau dibatasi untuk melukis hidup masih; Giovanna Garzoni, Laura Bernasconi, Maria Theresa van Thielen, dan Fede Galizia adalah contoh yang terkenal.

Banyak seniman Itali terkemuka dalam genre lain, juga menghasilkan beberapa lukisan yang masih hidup. Khususnya, Caravaggio menerapkan bentuk naturalisme yang berpengaruh pada kehidupan diam. Dia Bakul Buah (c. 1595–1600) adalah salah satu contoh pertama kehidupan pegun, yang diberikan dengan tepat dan setinggi mata.[46] Walaupun tidak secara simbolik, lukisan ini dimiliki oleh Cardinal Federico Borromeo dan mungkin dihargai kerana alasan agama dan estetik. Jan Bruegel melukisnya Bouquet Milan Besar (1606) untuk kardinal, juga, mendakwa bahawa dia melukisnya 'fatta tutti del natturel' (dibuat semua dari alam semula jadi) dan dia mengenakan biaya tambahan untuk usaha ekstra.[47] Ini adalah antara banyak lukisan hidup dalam koleksi kardinal, selain koleksi penasarannya yang besar. Antara hidup masih Itali yang lain, Bernardo Strozzis Tukang Masak adalah "pemandangan dapur" dalam bahasa Belanda, yang merupakan potret terperinci seorang tukang masak dan burung permainan yang sedang disiapkannya.[48] Dengan cara yang serupa, salah satu lukisan hidup masih langka Rembrandt, Gadis Kecil dengan Merak Mati menggabungkan potret wanita simpatik yang serupa dengan gambar burung permainan.[49]

Di Katolik Itali dan Sepanyol, lukisan vanitas tulen jarang berlaku, dan terdapat lebih sedikit pakar yang masih hidup. Di Eropah Selatan terdapat lebih banyak penggunaan naturalisme lembut Caravaggio dan kurang menekankan hiper-realisme berbanding dengan gaya Eropah Utara.[50] Di Perancis, pelukis yang masih hidup (alam semula jadi) dipengaruhi oleh kedua-dua sekolah Utara dan Selatan, meminjam dari lukisan vanitas Belanda dan pengaturan ganti dari Sepanyol.[51]

Galeri Itali

Abad kelapan belas

Luis Meléndez (1716–1780), Masih Hidup dengan Epal, Anggur, Melon, Roti, Jug dan Botol

Abad ke-18 secara besar-besaran terus menyempurnakan formula abad ke-17, dan tahap pengeluaran menurun. Di dalam Rococo hiasan bunga gaya menjadi lebih biasa pada porselin, kertas dinding, fabrik dan perabot kayu berukir, sehingga pembeli lebih suka lukisan mereka mempunyai bentuk yang berbeza. Satu perubahan adalah semangat baru di kalangan pelukis Perancis, yang kini membentuk sebilangan besar seniman yang paling terkenal, sementara orang Inggeris tetap senang mengimport. Jean-Baptiste Chardin melukis kumpulan makanan dan objek kecil dan sederhana dengan gaya yang paling halus yang kedua-duanya dibina di atas tuan Zaman Emas Belanda, dan sangat berpengaruh pada komposisi abad ke-19. Subjek permainan mati terus menjadi popular, terutama untuk tempat memburu pondok; kebanyakan pakar juga melukis subjek haiwan hidup. Jean-Baptiste Oudry menggabungkan tekstur bulu dan bulu yang luar biasa dengan latar belakang yang sederhana, seringkali putih polos dari dinding bidara yang dibasuh dengan kapur, yang menunjukkan kelebihan mereka.

Menjelang abad ke-18, dalam banyak kes, konotasi keagamaan dan kiasan lukisan-lukisan yang masih hidup dan lukisan meja dapur berkembang menjadi gambaran yang dihitung dari berbagai warna dan bentuk, menampilkan makanan sehari-hari. Golongan bangsawan Perancis mempekerjakan para seniman untuk melukis lukisan subjek hidup yang mewah dan mewah yang menghiasi meja makan mereka, juga tanpa pesan vanitas moralistik pendahulunya dari Belanda. The Rococo kecintaan terhadap artifis menyebabkan peningkatan penghargaan di Perancis untuk trompe-l'œil (Perancis: "tipu mata") lukisan. Jean-Baptiste ChardinLukisan hidup masih menggunakan pelbagai teknik dari realisme gaya Belanda hingga harmoni yang lebih lembut.[52]

Sebilangan besar Anne Vallayer-CosterKarya ini dikhaskan untuk bahasa hidup yang masih hidup seperti yang telah dikembangkan selama abad ketujuh belas dan kelapan belas.[53] Selama berabad-abad ini, genre kehidupan pegun diletakkan paling rendah di tangga hierarki. Vallayer-Coster mempunyai cara mengenai lukisannya yang menghasilkan daya tarikan mereka. Itu adalah "garis hiasan yang garang dari komposisinya, kekayaan warna dan teksturnya yang disimulasikan, dan prestasi ilusi yang dia capai dalam menggambarkan pelbagai objek, baik yang semula jadi dan buatan"[53] yang menarik perhatian Royal Académie dan banyak pengumpul yang membeli lukisannya. Interaksi antara seni dan alam ini memang biasa berlaku Belanda, Flemish dan Perancis masih hidup.[53] Karyanya menunjukkan pengaruh yang jelas dari Jean-Baptiste-Siméon Chardin, juga tuan Belanda abad ke-17, yang karyanya jauh lebih dihargai, tetapi apa yang menjadikan gaya Vallayer-Coster menonjol terhadap pelukis yang masih hidup adalah cara uniknya untuk menyatukan ilusi representasi dengan struktur komposisi hiasan.[53][54]

Akhir abad kelapan belas dan kejatuhan Pemerintahan beraja Perancis menutup pintu pada 'era' masih hidup Vallayer-Coster dan membukanya dengan gaya bunga barunya.[55] Telah dikatakan bahawa ini adalah puncak kerjayanya dan apa yang paling terkenal. Namun, juga dikatakan bahawa lukisan bunga itu sia-sia untuk kariernya. Walaupun begitu, koleksi ini mengandungi kajian bunga pada minyak, cat air dan sakit perut.[55]

Abad kesembilan belas

Dengan kebangkitan Akademi Eropah, terutamanya Académie française yang memegang peranan penting dalam Seni akademik, masih hidup mulai jatuh dari nikmat. Akademi mengajarkan doktrin "Hierarki genre"(atau" Hierarki Mata Pelajaran "), yang menyatakan bahawa lukisan itu merit seni didasarkan terutamanya pada subjeknya. Dalam sistem Akademik, bentuk lukisan tertinggi terdiri daripada gambar bersejarah, Kepentingan alkitabiah atau mitologi, dengan subjek yang masih hidup diturunkan ke tahap pengiktirafan artistik yang paling rendah. Daripada menggunakan hidup diam untuk memuliakan alam, beberapa seniman, seperti Konstabel John dan Camille Corot, memilih landskap untuk memenuhi tujuan itu.

Bila Neoklasikisme mula merosot pada tahun 1830-an, genre dan lukisan potret menjadi tumpuan untuk revolusi seni Realis dan Romantik. Sebilangan besar seniman hebat pada masa itu memasukkan nyawa dalam badan pekerjaan mereka. Lukisan masih hidup dari Francisco Goya, Gustave Courbet, dan Eugène Delacroix menyampaikan arus emosi yang kuat, dan kurang mementingkan ketepatan dan lebih berminat dengan mood.[56] Walaupun berpola pada subjek masih hidup sebelumnya dari Chardin, Manet ÉdouardLukisan-lukisan hidup masih kuat dan jelas menuju Impresionisme. Henri Fantin-Latour, menggunakan teknik yang lebih tradisional, terkenal dengan lukisan bunga yang indah dan menjadikan hidupnya hampir secara eksklusif melukis gambar hidup untuk pengumpul.[57]

Namun, tidak sampai penurunan akhir hierarki Akademik di Eropah, dan kebangkitan Impresionis dan Pasca-Impresionis pelukis, teknik dan keharmonisan warna itu berjaya mengatasi masalah pokok, dan kehidupan yang masih hidup ini diamalkan sekali lagi oleh para seniman. Dalam kehidupannya yang masih awal, Claude Monet menunjukkan pengaruh Fantin-Latour, tetapi merupakan salah satu yang pertama memecahkan tradisi latar belakang gelap, yang Pierre-Auguste Renoir juga membuang di Masih Hidup dengan Bouquet dan Kipas (1871), dengan latar orennya yang terang. Dengan kehidupan Impresionis yang masih hidup, kandungan kiasan dan mitologi sama sekali tidak ada, seperti kerja-kerja sikat terperinci yang teliti. Impresionis sebaliknya memfokuskan pada eksperimen secara meluas, sapuan kuas, nilai nada, dan penempatan warna. Impresionis dan Pasca-Impresionis terinspirasi oleh skema warna alam tetapi menafsirkan semula alam semula jadi dengan harmoni warna mereka sendiri, yang kadang-kadang terbukti sangat tidak wajar. Seperti yang dinyatakan oleh Gauguin, "Warna mempunyai makna tersendiri."[58] Variasi dalam perspektif juga dicoba, seperti menggunakan pemotongan ketat dan sudut tinggi, seperti halnya Buah Dipamerkan di Dudukan oleh Gustave Caillebotte, sebuah lukisan yang diejek pada waktu itu sebagai "paparan buah dalam pandangan burung."[59]

Vincent van GoghLukisan "Bunga Matahari" adalah beberapa lukisan hidup masih abad ke-19 yang terkenal. Van Gogh menggunakan nada warna kuning dan agak rata untuk memberikan sumbangan yang tidak dapat dilupakan dalam sejarah hidup yang masih hidup. Dia Masih Hidup dengan Papan Lukisan (1889) adalah potret diri dalam bentuk yang masih hidup, dengan Van Gogh yang menggambarkan banyak barang kehidupan peribadinya, termasuk pipanya, makanan sederhana (bawang), sebuah buku inspirasi, dan surat dari saudaranya, semuanya disusun di atas mejanya, tanpa gambarnya sendiri. Dia juga melukis versi vanitas sendiri Masih Hidup dengan Alkitab Terbuka, Lilin, dan Buku (1885).[58]

Di Amerika Syarikat pada masa Revolusi, seniman Amerika yang dilatih di luar negara menerapkan gaya Eropah pada lukisan potret Amerika dan kehidupan yang masih hidup. Charles Willson Peale mengasaskan keluarga pelukis terkenal Amerika, dan sebagai pemimpin utama dalam komuniti seni Amerika, juga mendirikan sebuah masyarakat untuk latihan seniman dan juga muzium keingintahuan semula jadi yang terkenal. Anaknya Raphaelle Peale adalah salah satu kumpulan seniman masih hidup Amerika awal, yang juga termasuk John F. Francis, Raja Burung Charles, dan John Johnston.[60] Menjelang separuh kedua abad ke-19, Martin Johnson Heade memperkenalkan versi habitat atau gambar biotope Amerika, yang menempatkan bunga dan burung di persekitaran luar yang disimulasikan.[61] Orang Amerika trompe-l'œil lukisan juga berkembang dalam tempoh ini, diciptakan oleh John Haberle, William Michael Harnett, dan John Frederick Peto. Peto mengkhususkan diri dalam lukisan rak dinding nostalgia sementara Harnett mencapai tahap hiper-realisme tertinggi dalam perayaan bergambar kehidupannya Amerika melalui objek yang dikenali.[62]

Lukisan abad kesembilan belas

Abad kedua puluh

Jean Metzinger, Buah dan kendi di atas meja (1916), minyak dan pasir di atas kanvas, 115,9 x 81 cm, Muzium Seni Halus, Boston

Empat dekad pertama abad ke-20 membentuk tempoh penapaian dan revolusi artistik yang luar biasa. Pergerakan avant-garde dengan cepat berkembang dan bertindih dalam perarakan ke arah abstraksi total yang tidak figuratif. The still life, as well as other representational art, continued to evolve and adjust until mid-century when total abstraction, as exemplified by Jackson Pollock's drip paintings, eliminated all recognizable content.

The century began with several trends taking hold in art. Pada tahun 1901, Paul Gauguin dicat Still Life with Sunflowers, his homage to his friend Van Gogh who had died eleven years earlier. Kumpulan yang dikenali sebagai Les Nabis, termasuk Pierre Bonnard dan Édouard Vuillard, took up Gauguin's harmonic theories and added elements inspired by Japanese woodcuts to their still-life paintings. Artis Perancis Odilon Redon also painted notable still life during this period, especially flowers.[63]

Henri Matisse reduced the rendering of still-life objects even further to little more than bold, flat outlines filled with bright colours. He also simplified perspective and introducing multi-colour backgrounds.[64] In some of his still-life paintings, such as Still Life with Eggplants, his table of objects is nearly lost amidst the other colourful patterns filling the rest of the room.[65] Eksponen lain dari Fauvism, seperti Maurice de Vlaminck dan André Derain, further explored pure colour and abstraction in their still life.

Paul Cézanne found in still life the perfect vehicle for his revolutionary explorations in geometric spatial organization. For Cézanne, still life was a primary means of taking painting away from an illustrative or mimetic function to one demonstrating independently the elements of colour, form, and line, a major step towards Seni abstrak. Additionally, Cézanne's experiments can be seen as leading directly to the development of Kubis still life in the early 20th century.[66]

Adapting Cézanne's shifting of planes and axes, the Cubists subdued the colour palette of the Fauves and focused instead on deconstructing objects into pure geometrical forms and planes. Between 1910 and 1920, Cubist artists like Pablo Picasso, Georges Braque, dan Juan Gris painted many still-life compositions, often including musical instruments, bringing still life to the forefront of artistic innovation, almost for the first time. Still life was also the subject matter in the first Synthetic Cubist kolaj works, such as Picasso's oval "Still Life with Chair Caning" (1912). In these works, still-life objects overlap and intermingle barely maintaining identifiable two-dimensional forms, losing individual surface texture, and merging into the background—achieving goals nearly opposite to those of traditional still life.[67] Fernand Léger's still life introduced the use of abundant white space and coloured, sharply defined, overlapping geometrical shapes to produce a more mechanical effect.[68]

Rejecting the flattening of space by Cubists, Marcel Duchamp dan anggota lain dari Dada movement, went in a radically different direction, creating 3-D "ready-made" still-life sculptures. As part of restoring some symbolic meaning to still life, the Futuris dan juga Ahli surealis placed recognizable still-life objects in their dreamscapes. Dalam Joan Miró's still-life paintings, objects appear weightless and float in lightly suggested two-dimensional space, and even mountains are drawn as simple lines.[66] In Italy during this time, Giorgio Morandi was the foremost still-life painter, exploring a wide variety of approaches to depicting everyday bottles and kitchen implements.[69] Artis Belanda M. C. Escher, best known for his detailed yet ambiguous graphics, created Still life and Street (1937), his updated version of the traditional Dutch table still life.[70] Di England Eliot Hodgkin menggunakan tempera for his highly detailed still-life paintings.

When 20th-century American artists became aware of European Modenisme, they began to interpret still-life subjects with a combination of Realisme Amerika and Cubist-derived abstraction. Typical of the American still-life works of this period are the paintings of Georgia O'Keeffe, Stuart Davis, dan Marsden Hartley, and the photographs of Edward Weston. O'Keeffe's ultra-closeup flower paintings reveal both the physical structure and the emotional subtext of petals and leaves in an unprecedented manner.

In Mexico, starting in the 1930s, Frida Kahlo and other artists created their own brand of Surrealism, featuring native foods and cultural motifs in their still-life paintings.[71]

Bermula pada tahun 1930-an, ekspresionisme abstrak severely reduced still life to raw depictions of form and colour, until by the 1950s, total abstraction dominated the art world. Walau bagaimanapun, seni pop in the 1960s and 1970s reversed the trend and created a new form of still life. Much pop art (such as Andy Warhol's "Campbell's Soup Cans") is based on still life, but its true subject is most often the commodified image of the commercial product represented rather than the physical still-life object itself. Roy Lichtensteins Masih Hidup dengan Mangkuk Ikan Mas (1972) combines the pure colours of Matisse with the pop iconography of Warhol. Wayne Thiebauds Lunch Table (1964) portrays not a single family's lunch but an assembly line of standardized American foods.[72]

The Neo-dada movement, including Jasper Johns, returned to Duchamp's three-dimensional representation of everyday household objects to create their own brand of still-life work, as in Johns' Gangsa yang dicat (1960) dan Fool's House (1962).[73] Avigdor Arikha, yang bermula sebagai abstractionist, integrated the lessons of Piet Mondrian into his still lifes as into his other work; while reconnecting to old master traditions, he achieved a moden formalisme, working in one session and in natural light, through which the subject-matter often emerged in a surprising perspective.

A significant contribution to the development of still-life painting in the 20th century was made by Russian artists, among them Sergei Ocipov, Victor Teterin, Evgenia Antipova, Gevork Kotiantz, Sergei Zakharov, Taisia ​​Afonina, Maya Kopitseva, dan lain lain.[74]

By contrast, the rise of Fotorealisme in the 1970s reasserted illusionistic representation, while retaining some of Pop's message of the fusion of object, image, and commercial product. Typical in this regard are the paintings of Don Eddy dan Ralph Goings.

Twentieth-century paintings

abad ke-21

A completely synthetic, komputer dihasilkan still life, 2006 (by Gilles Tran)

During the 20th and 21st centuries, the notion of the still life has been extended beyond the traditional two dimensional art forms of painting into video art and three dimensional art forms such as sculpture, performance and installation. Some mixed media still-life works employ found objects, photography, video, and sound, and even spill out from ceiling to floor and fill an entire room in a gallery. Through video, still-life artists have incorporated the viewer into their work. Mengikuti dari zaman komputer dengan seni komputer dan seni digital, the notion of the still life has also included digital technology. Computer-generated graphics have potentially increased the techniques available to still-life artists. Grafik komputer 3D dan Grafik komputer 2D dengan 3D fotorealistik effects are used to generate sintetik still life images. Sebagai contoh, perisian seni grafik includes filters that can be applied to 2D vector graphics or 2D raster graphics on transparent layers. Artis visual have copied or visualised 3D effects to manually render photorealistic effects without the use of filters.

Lihat juga

Catatan

  1. ^ Langmuir, 6
  2. ^ Langmuir, 13–14
  3. ^ Langmuir, 13–14 and preceding pages
  4. ^ Tempah XXXV.112 dari Sejarah semulajadi
  5. ^ Ebert-Schifferer, hlm. 19
  6. ^ Ebert-Schifferer, p.22
  7. ^ Ebert-Schifferer, p.137
  8. ^ a b Ebert-Schifferer, hlm. 16
  9. ^ a b Ebert-Schifferer, hlm. 15
  10. ^ Memlings Portraits exhibition review, Frick Collection, NYC. Diakses pada 15 Mac 2010.
  11. ^ Ebert-Schifferer, p.25
  12. ^ Ebert-Schifferer, hlm. 27
  13. ^ Ebert-Schifferer, hlm. 26
  14. ^ Ebert-Schifferer, hlm. 39, 53
  15. ^ Ebert-Schifferer, hlm. 41
  16. ^ Ebert-Schifferer, hlm. 31
  17. ^ Ebert-Schifferer, hlm. 34
  18. ^ Slive, 275; Vlieghe, 211–216
  19. ^ Ebert-Schifferer, hlm. 45
  20. ^ Ebert-Schifferer, hlm. 47
  21. ^ Ebert-Schifferer, p.38
  22. ^ Ebert-Schifferer, pp. 54–56
  23. ^ Ebert-Schifferer, hlm. 64
  24. ^ Ebert-Schifferer, hlm. 75
  25. ^ Metropolitan Museum of Art Timeline, Still-life painting 1600–1800. Diakses pada 14 Mac 2010.
  26. ^ Books.google.co.uk, terjemahan
  27. ^ Slive 277–279
  28. ^ Vlieghe, 207
  29. ^ Slive, 279, Vlieghe, 206-7
  30. ^ Paul Taylor, Dutch Flower Painting 1600–1720, Yale University Press, New Haven, 1995, p. 77, ISBN 0-300-05390-8
  31. ^ Taylor, hlm. 129
  32. ^ Taylor, hlm. 197
  33. ^ Taylor, pp. 56–76
  34. ^ Ebert-Schifferer, hlm. 93
  35. ^ Susan Merriam, Seventeenth-century Flemish Garland Paintings: Still Life, Vision, and the Devotional Image, Ashgate Publishing, Ltd., 2012
  36. ^ Istilah Seni Kamus Oxford: Pronkstilleven
  37. ^ Ebert-Schifferer, hlm. 90
  38. ^ Ebert-Schifferer, hlm. 164
  39. ^ Ebert-Schifferer, hlm. 170
  40. ^ Ebert-Schifferer, pp. 180–181
  41. ^ Lihat Juan van der Hamen.
  42. ^ Zuffi, p. 260
  43. ^ Lucie-Smith, Edward (1984). The Thames and Hudson Dictionary of Art Terms. London: Thames dan Hudson. hlm.32. LCCN 83-51331
  44. ^ Ebert-Schifferer, hlm. 71
  45. ^ La natura morta in Italia edited by Francesco Porzio and directed by Federico Zeri; Review author: John T. Spike. Majalah Burlington (1991) Volume 133 (1055) page 124–125.
  46. ^ Ebert-Schifferer, hlm. 82
  47. ^ Ebert-Schifferer, hlm. 84
  48. ^ Stefano Zuffi, Ed., Lukisan Barok, Barron's Educational Series, Hauppauge, New York, 1999, p. 96, ISBN 0-7641-5214-9
  49. ^ Zuffi, p. 175
  50. ^ Ebert-Schifferer, hlm. 173
  51. ^ Ebert-Schifferer, hlm. 229
  52. ^ Zuffi, p. 288, 298
  53. ^ a b c d Michel 1960, p. i
  54. ^ Berman 2003
  55. ^ a b Michel 1960, p. ii
  56. ^ Ebert-Schifferer, hlm. 287
  57. ^ Ebert-Schifferer, hlm. 299
  58. ^ a b Ebert-Schifferer, hlm. 318
  59. ^ Ebert-Schifferer, hlm. 310
  60. ^ Ebert-Schifferer, hlm. 260
  61. ^ Ebert-Schifferer, hlm. 267
  62. ^ Ebert-Schifferer, hlm. 272
  63. ^ Ebert-Schifferer, hlm. 321
  64. ^ Ebert-Schifferer, pp. 323–4
  65. ^ Stefano Zuffi, Ed., Lukisan Moden, Barron's Educational Series, Hauppauge, New York, 1998, p. 273, ISBN 0-7641-5119-3
  66. ^ a b Ebert-Schifferer, hlm. 311
  67. ^ Ebert-Schifferer, hlm. 338
  68. ^ David Piper, Perpustakaan Seni Ilustrasi, Portland House, New York, 1986, p. 643, ISBN 0-517-62336-6
  69. ^ David Piper, hlm. 635
  70. ^ Piper, hlm. 639
  71. ^ Ebert-Schifferer, hlm. 387
  72. ^ Ebert-Schifferer, pp. 382–3
  73. ^ Ebert-Schifferer, hlm. 384-6
  74. ^ Sergei V. Ivanov, Unknown Socialist Realism. Sekolah Leningrad. – Saint Petersburg: NP-Print Edition, 2007. – 448 p. ISBN 5-901724-21-6, ISBN 978-5-901724-21-7.

Rujukan

  • Berman, Greta. “Focus on Art”. The Juilliard Journal Online 18:6 (March 2003)
  • Ebert-Schifferer, Sybille. Kehidupan Masih: Sejarah, Harry N. Abrams, New York, 1998, ISBN 0-8109-4190-2
  • Langmuir, Erica, Masih Hidup, 2001, National Gallery (London), ISBN 1857099613
  • Michel, Marianne Roland. "Tapestries on Designs by Anne Vallayer-Coster." The Burlington Magazine 102: 692 (November 1960): i-ii
  • Slive, Seymour, Lukisan Belanda, 1600-1800, Yale University Press, 1995, ISBN 0-300-07451-4
  • Vlieghe, Hans (1998). Seni dan Seni Bina Flemish, 1585–1700. Yale University Press Pelican sejarah seni. New Haven: Yale University Press. ISBN 0-300-07038-1

Pautan luaran

Pin
Send
Share
Send