Arca - Sculpture - Wikipedia

Daripada Wikipedia, Ensiklopedia Percuma

Pin
Send
Share
Send

Gaul yang Mati, atau Capitoline Gaul[1] salinan marmar Rom a Hellenistik karya akhir abad ke-3 SM Muzium Capitoline, Rom
Assyrian lamassu penjaga pintu dari Khorsabad, sekitar 800–721 SM
Michelangelos Musa, (sekitar 1513–1515), San Pietro di Vincoli, Rom, untuk makam Paus Julius II
Netsuke harimau betina dengan dua anak, Jepun abad pertengahan abad ke-19, gading dengan tempurung tempurung

Arca adalah cabang dari seni visual yang beroperasi di tiga dimensi. Ia adalah salah satu seni plastik. Proses arca yang tahan lama mula digunakan ukiran (penyingkiran bahan) dan pemodelan (penambahan bahan, sebagai tanah liat), di batu, logam, seramik, kayu dan bahan lain tetapi, sejak Modenisme, terdapat kebebasan bahan dan proses yang hampir lengkap. Pelbagai jenis bahan dapat dikerjakan dengan cara penyingkiran seperti ukiran, yang dipasang oleh kimpalan atau pemodelan, atau dibentuk atau pelakon.

Arca di batu bertahan jauh lebih baik daripada karya seni dari bahan yang mudah rosak, dan sering mewakili sebahagian besar karya yang masih hidup (selain tembikar) dari budaya kuno, walaupun tradisi patung di kayu mungkin telah lenyap hampir keseluruhannya. Walau bagaimanapun, kebanyakan arca kuno dilukis dengan terang, dan ini telah hilang.[2]

Patung telah menjadi pusat pemujaan agama dalam banyak budaya, dan hingga beberapa abad kebelakangan ini, patung-patung besar, terlalu mahal untuk dibuat oleh individu, biasanya merupakan ungkapan agama atau politik. Budaya-budaya yang patung-patungnya telah bertahan dalam jumlahnya termasuk budaya Mediterania kuno, India dan China, serta banyak di Amerika Tengah dan Selatan dan Afrika.

The Barat tradisi arca bermula pada Yunani purba, dan Yunani secara meluas dilihat sebagai menghasilkan karya hebat di klasik tempoh. Semasa Pertengahan umur, Gothik patung mewakili penderitaan dan hasrat agama Kristian. Kebangkitan semula model klasik di Renaissance menghasilkan arca terkenal seperti Michelangelos Daud. Arca modernis menjauh dari proses tradisional dan penekanan pada penggambaran tubuh manusia, dengan pembuatannya arca yang dibina, dan pembentangan mengenai benda yang dijumpai sebagai karya seni siap.

Jenis-Jenis

Perbezaan asas antara arca dalam bentuk bulat, patung berdiri bebas, seperti patung, tidak melekat (kecuali mungkin di dasar) ke permukaan lain, dan pelbagai jenis kelegaan, yang sekurang-kurangnya dipasang pada permukaan latar belakang. Pelepasan sering dikelaskan berdasarkan tahap unjuran dari dinding ke tahap rendah atau lega, kelegaan tinggi, dan kadang kala menjadi perantaraan pertolongan pertengahan. Meringankan cahaya matahari adalah teknik yang terhad kepada Mesir kuno. Lega adalah medium arca biasa untuk kumpulan tokoh besar dan subjek naratif, yang sukar dicapai dalam pusingan, dan merupakan teknik khas yang digunakan untuk arca seni bina, yang melekat pada bangunan, dan untuk patung skala kecil yang menghiasi benda-benda lain, seperti pada banyak tembikar, kerja logam dan barang kemas. Patung relief juga boleh menghiasi stes, papak tegak, biasanya dari batu, sering juga mengandungi prasasti.

Perbezaan asas lain adalah antara teknik ukiran subtraktif, yang mengeluarkan bahan dari bongkah atau gumpalan yang ada, misalnya batu atau kayu, dan teknik pemodelan yang membentuk atau membangun karya dari bahan tersebut. Teknik seperti pemutus, mencetak dan mencetak menggunakan matriks perantaraan yang mengandungi reka bentuk untuk menghasilkan karya; banyak di antaranya membenarkan pengeluaran beberapa salinan.

Buddha terbuka relief batu dekat Longmen Grottoes, China

Istilah "patung" sering digunakan terutamanya untuk menggambarkan karya besar, yang kadang-kadang disebut arca monumental, bermaksud salah satu atau kedua-dua patung yang besar, atau yang terpasang pada bangunan. Tetapi istilah dengan betul merangkumi banyak jenis karya kecil dalam tiga dimensi menggunakan teknik yang sama, termasuk duit syiling dan pingat, ukiran batu keras, istilah untuk ukiran kecil di batu yang dapat mengambil kerja terperinci.

Patung yang sangat besar atau "kolosal" itu telah menarik sejak dulu zaman kuno; yang terbesar dalam rekod pada 182 m (597 kaki) adalah India 2018 Patung Perpaduan. Satu lagi bentuk arca potret yang hebat adalah patung berkuda penunggang kuda, yang jarang berlaku dalam beberapa dekad kebelakangan ini. Bentuk terkecil patung potret ukuran hidup adalah "kepala", yang menunjukkan hanya itu, atau yang awek, perwakilan seseorang dari dada ke atas. Bentuk patung kecil termasuk patung, biasanya patung yang tidak lebih dari 18 inci (46 cm), dan untuk lekukan plak, pingat atau duit syiling.

Seni moden dan kontemporari telah menambah sebilangan bentuk arca bukan tradisional, termasuk patung bunyi, patung ringan, seni alam sekitar, arca persekitaran, arca seni jalanan, arca kinetik (melibatkan aspek pergerakan fizikal), seni tanah, dan seni khusus laman web. Arca adalah bentuk penting dari seni awam. Koleksi patung di latar taman dapat disebut a taman arca.

Tujuan dan mata pelajaran

Moai dari Pulau Paskah, di mana penumpuan sumber pada patung besar mungkin mempunyai kesan politik yang serius.

Salah satu tujuan patung yang paling umum adalah dalam bentuk pergaulan dengan agama. Gambar kultus adalah perkara biasa dalam banyak budaya, walaupun mereka sering bukan patung dewa kolosal yang menjadi ciri seni Yunani kuno, seperti Patung Zeus di Olympia. Imej kultus sebenar di tempat perlindungan paling dalam di Kuil-kuil Mesir, yang tidak ada yang bertahan, ternyata agak kecil, bahkan di kuil-kuil terbesar. Perkara yang sama sering berlaku di Agama Hindu, di mana bentuk yang sangat sederhana dan kuno lingam adalah yang paling biasa. Agama Buddha membawa patung tokoh agama ke Asia Timur, di mana nampaknya tidak ada tradisi yang setara sebelumnya, walaupun bentuknya yang sederhana seperti bi dan cong mungkin mempunyai kepentingan agama.

Arca kecil sebagai barang peribadi kembali ke seni prasejarah terawal, dan penggunaan patung yang sangat besar sebagai seni awam, terutamanya untuk menarik perhatian penonton dengan kekuatan pembaris, kembali sekurang-kurangnya ke Sphinx Hebat kira-kira 4,500 tahun yang lalu. Dalam arkeologi dan sejarah seni rupa, dan kadang-kadang hilangnya, arca besar atau monumental dalam budaya dianggap sangat penting, walaupun menelusuri kemunculan sering rumit oleh anggapan adanya arca di kayu dan bahan-bahan lain yang mudah rosak yang tidak ada catatan;[3]

The tiang totem adalah contoh tradisi arca monumental dalam kayu yang tidak akan meninggalkan jejak arkeologi. Keupayaan untuk mengumpulkan sumber daya untuk membuat patung monumental, dengan mengangkut bahan yang biasanya sangat berat dan mengatur pembayaran apa yang biasanya dianggap sebagai pemahat sepenuh masa, dianggap sebagai tanda budaya yang agak maju dari segi organisasi sosial. Penemuan baru-baru ini mengenai penemuan orang Cina kuno Zaman Gangsa angka di Sanxingdui, lebih dari dua kali ganda ukuran manusia, telah mengganggu banyak idea yang dimiliki mengenai peradaban China awal, kerana hanya perunggu yang lebih kecil yang diketahui sebelumnya.[4]

Beberapa budaya yang sudah pasti maju, seperti Tamadun Lembah Indus, nampaknya sama sekali tidak memiliki patung monumental, walaupun menghasilkan patung dan meterai yang sangat canggih. The Budaya Mississippian sepertinya telah maju ke arah penggunaannya, dengan angka batu kecil, ketika runtuh. Budaya lain, seperti Mesir kuno dan Budaya Pulau Paskah, nampaknya telah menumpukan sumber daya yang sangat besar untuk patung monumental berskala besar dari peringkat awal.

Pingat John VIII Palaeologus, c. 1435, oleh Pisanello, pingat potret pertama, medium yang pada dasarnya dibuat untuk mengumpulkan.

Pengumpulan patung, termasuk pada masa-masa sebelumnya, berlangsung sekitar 2.000 tahun di Yunani, China dan Mesoamerica, dan banyak koleksi tersedia di pameran separa awam jauh sebelum moden muzium telah direkacipta. Dari abad ke-20 julat subjek yang agak terhad yang terdapat di arca besar berkembang dengan banyaknya, dengan subjek abstrak dan penggunaan atau perwakilan jenis subjek apa pun kini sudah biasa. Kini banyak patung dibuat untuk paparan sekejap di galeri dan muzium, dan kemampuan untuk mengangkut dan menyimpan karya yang semakin besar menjadi faktor dalam pembinaannya. Hiasan kecil patung-patung, paling kerap dalam seramik, seperti yang popular sekarang ini (walaupun anehnya diabaikan oleh moden dan Seni kontemporari) semasa mereka berada di Rococo, atau di Yunani kuno ketika Patung-patung Tanagra merupakan industri utama, atau di Asia Timur dan Seni pra-Columbia. Kelengkapan ukiran kecil untuk perabot dan benda-benda lain kembali ke zaman kuno, seperti di Gading Nimrud, Gading Begram dan penemuan dari makam Tutankhamun.

Arca potret bermula di Mesir, di mana Palet Narmer menunjukkan seorang penguasa abad ke-32 SM, dan Mesopotamia, di mana kita mempunyai 27 yang masih hidup patung Gudea, yang memerintah Lagash c. 2144-2124 SM. Di Yunani kuno dan Rom, pemasangan patung potret di tempat awam hampir merupakan tanda kehormatan tertinggi, dan cita-cita golongan elit, yang mungkin juga digambarkan dengan duit syiling.[5] Dalam budaya lain seperti Mesir dan patung-patung masyarakat Timur Dekat hampir secara eksklusif adalah tempat penguasa, dengan orang-orang kaya lain hanya digambarkan di kubur mereka. Raja-raja biasanya satu-satunya orang yang diberi potret dalam budaya Pra-Columbia, bermula dengan Kepala kolosal Olmec kira-kira 3,000 tahun yang lalu. Patung potret Asia Timur sepenuhnya beragama, dengan para paderi terkemuka diperingati dengan patung-patung, terutama pengasas biara, tetapi bukan penguasa, atau nenek moyang. Tradisi Mediterranean dihidupkan kembali, pada mulanya hanya untuk patung makam dan duit syiling, pada Abad Pertengahan, tetapi berkembang dengan pesat di zaman Renaissance, yang mencipta bentuk baru seperti potret peribadi pingat.

Haiwan adalah, dengan sosok manusia, subjek terawal untuk patung, dan selalu menjadi raksasa yang popular, kadang-kadang realistik, tetapi sering khayalan; di China haiwan dan raksasa merupakan satu-satunya subjek tradisional untuk patung batu di luar makam dan kuil. Kerajaan tumbuh-tumbuhan hanya penting dalam perhiasan dan hiasan, tetapi ini membentuk hampir semua patung besar Seni Byzantine dan Seni Islam, dan sangat penting dalam kebanyakan tradisi Eurasia, di mana motif seperti tapak tangan dan gulungan anggur telah melintasi timur dan barat selama lebih dari dua milenia.

Salah satu bentuk patung yang terdapat di banyak budaya prasejarah di seluruh dunia adalah versi alat, senjata atau kapal biasa yang diperbesarkan khas yang dibuat dalam bahan berharga yang tidak praktikal, baik untuk beberapa bentuk penggunaan atau pameran upacara atau sebagai persembahan. Jade atau jenis lain dari batu hijau digunakan di China, Olmec Mexico, dan Eropah Neolitik, dan pada awal Mesopotamia bentuk tembikar besar dihasilkan dalam bentuk batu. Gangsa digunakan di Eropah dan China untuk kapak dan bilah besar, seperti Oxborough Dirk.

Bahan dan teknik

Sumeria penyembah lelaki, alabaster dengan mata cengkerang, 2750−2600 SM

Bahan yang digunakan dalam arca adalah pelbagai, berubah sepanjang sejarah. Bahan klasik, dengan ketahanan yang luar biasa, adalah logam gangsa, batu dan tembikar, dengan kayu, tulang dan tanduk pilihan yang kurang tahan lama tetapi lebih murah. Bahan berharga seperti emas, perak, jed, dan gading sering digunakan untuk karya-karya mewah kecil, dan kadang-kadang pada yang lebih besar, seperti di chryselephantine patung. Bahan yang lebih biasa dan lebih murah digunakan untuk arca untuk penggunaan yang lebih luas, termasuk kayu keras (seperti ek, kotak / kayu kotak, dan limau nipis / linden); terakota dan lain-lain seramik, lilin (bahan yang sangat umum untuk model pemutus, dan menerima kesan dari meterai silinder dan permata yang terukir), dan logam cor seperti timah dan zink (spelter). Tetapi sebilangan besar bahan lain telah digunakan sebagai bagian dari patung, dalam karya etnografi dan kuno seperti yang moden.

Patung sering dicat, tetapi biasanya kehilangan cat pada masa, atau pemulih. Banyak teknik melukis yang berbeza telah digunakan dalam pembuatan patung, termasuk tempera, lukisan minyak, penyepuhan, cat rumah, aerosol, enamel dan sandblasting.[2][6]

Banyak pengukir mencari cara dan bahan baru untuk membuat seni. Satu daripada Pablo PicassoPatung yang paling terkenal termasuk basikal bahagian. Alexander Calder dan modernis lain menggunakan cat yang luar biasa keluli. Sejak tahun 1960-an, akrilik dan plastik lain juga telah digunakan. Andy Goldsworthy membuat patung-patungnya yang tidak biasa dari bahan-bahan semula jadi yang hampir sepenuhnya dalam keadaan semula jadi. Sebilangan patung, seperti arca ais, arca pasir, dan arca gas, sengaja berumur pendek. Pengukir baru-baru ini telah menggunakan kaca berwarna, alat, bahagian mesin, perkakasan dan pembungkusan pengguna untuk membuat reka bentuk karya mereka. Pemahat kadang-kadang menggunakan benda yang dijumpai, dan Batu cendekiawan cina telah dihargai selama berabad-abad.

Batu

Pembinaan semula moden penampilan asli dari lukisan marmar Yunani Akhir Zaman kuno dari Kuil Aphaea, berdasarkan analisis jejak pigmen,[7] c. 500 SM

Arca batu adalah aktiviti kuno di mana kepingan semula jadi kasar batu dibentuk oleh penyingkiran batu terkawal. Oleh kerana kekekalan bahan tersebut, bukti dapat ditemukan bahawa bahkan masyarakat terawal yang terlibat dalam beberapa bentuk pekerjaan batu, walaupun tidak semua daerah di dunia memiliki banyak batu yang bagus untuk ukiran seperti Mesir, Yunani, India dan kebanyakan Eropah . Petroglif (juga disebut ukiran batu) mungkin bentuk paling awal: gambar yang dibuat dengan membuang sebahagian permukaan batu yang masih tinggal in situ, dengan menorehkan, mematuk, mengukir, dan mengikis. Arca monumental merangkumi karya besar, dan arca seni bina, yang melekat pada bangunan. Ukiran batu keras adalah ukiran untuk tujuan seni separa berharga batu seperti jed, batu akik, onyx, kristal batu, sard atau carnelian, dan istilah umum untuk objek yang dibuat dengan cara ini. Alabaster atau mineral gipsum adalah mineral lembut yang senang diukir untuk karya yang lebih kecil dan masih relatif tahan lama. Permata terukir adalah permata kecil yang diukir, termasuk komedo, asalnya digunakan sebagai cincin meterai.

Penyalinan patung asli dalam batu, yang sangat penting bagi patung Yunani kuno, yang hampir semua diketahui dari salinan, secara tradisional dicapai oleh "menunjuk", bersama dengan kaedah yang lebih bebas. Menunjuk melibatkan penyusunan grid kotak tali pada bingkai kayu yang mengelilingi aslinya, dan kemudian mengukur kedudukan di grid dan jarak antara grid dan patung serangkaian titik individu, dan kemudian menggunakan maklumat ini untuk mengukir blok dari mana salinan itu dibuat.[8]

Logam

Ludwig Gies, besi tuang plak, 8 x 9.8 cm, Pelarian, 1915

Gangsa dan berkaitan aloi tembaga adalah logam tertua dan masih paling popular untuk pelakon logam patung; pelakon arca gangsa sering disebut sebagai "gangsa". Aloi gangsa biasa mempunyai sifat yang tidak biasa dan diinginkan untuk mengembang sedikit sebelum ia dipasang, sehingga mengisi perincian terbaik dari acuan. Kekuatan dan kekurangan kerapuhan mereka (kemuluran) adalah kelebihan ketika tokoh dalam aksi hendak dibuat, terutama jika dibandingkan dengan berbagai seramik atau bahan batu (lihat arca marmar untuk beberapa contoh). Emas adalah logam yang paling lembut dan paling berharga, dan sangat penting dalam barang kemas; dengan perak ia cukup lembut untuk dikerjakan dengan palu dan alat lain serta cor; balas dan mengejar adalah antara teknik yang digunakan dalam emas dan pembuatan perak.

Pemutus adalah sekumpulan proses pembuatan di mana bahan cair (gangsa, tembaga, kaca, aluminium, besi) (biasanya) dituangkan ke dalam acuan, yang mengandungi rongga berongga dari bentuk yang diinginkan, dan kemudian dibiarkan padat. Pemutus pepejal kemudian dikeluarkan atau dipecahkan untuk menyelesaikan prosesnya,[9] walaupun peringkat akhir "kerja sejuk" mungkin mengikuti pemeran siap. Pemutus boleh digunakan untuk membentuk logam cair panas atau pelbagai bahan yang set sejuk setelah mencampurkan komponen (seperti epoksi, konkrit, plaster dan tanah liat). Casting paling sering digunakan untuk membuat bentuk yang rumit yang sukar atau tidak ekonomik untuk dibuat dengan kaedah lain. Pemutus tertua yang masih hidup adalah katak Mesopotamia tembaga dari 3200 SM.[10] Teknik khusus merangkumi pemutus lilin hilang, pemutus acuan plaster dan pemutus pasir.

Kimpalan adalah proses di mana kepingan logam yang berlainan disatukan untuk menghasilkan bentuk dan reka bentuk yang berbeza. Terdapat banyak bentuk kimpalan yang berbeza, seperti Kimpalan bahan api oksigen, Kimpalan tongkat, Kimpalan MIG, dan Kimpalan TIG. Bahan api oksigen mungkin merupakan kaedah pengelasan yang paling biasa ketika membuat patung keluli kerana yang paling mudah digunakan untuk membentuk keluli serta membuat penyambungan besi yang bersih dan kurang ketara. Kunci untuk pengelasan bahan bakar Oxy adalah memanaskan setiap kepingan logam untuk disatukan sehingga semua berwarna merah dan bersinar pada mereka. Setelah kilauan itu ada di setiap bahagian, kilauan itu akan segera menjadi 'kolam' di mana logam itu dicairkan dan tukang las mesti membuat kolam bergabung, menyatu logam. Setelah disejukkan, lokasi di mana kolam bergabung kini menjadi satu kepingan logam yang berterusan. Juga digunakan dalam pembuatan patung bahan bakar Oxy adalah penempaan. Penempaan adalah proses pemanasan logam ke titik tertentu untuk melembutkannya sehingga dapat dibentuk menjadi bentuk yang berbeza. Salah satu contoh yang sangat biasa ialah memanaskan hujung batang keluli dan memukul hujung merah yang dipanaskan dengan tukul ketika berada di landasan untuk membentuk titik. Di antara ayunan tukul, pemalsu memutar batang dan secara beransur-ansur membentuk titik tajam dari hujung batang besi yang tumpul.

Kaca

Kaca boleh digunakan untuk arca melalui pelbagai teknik kerja, walaupun penggunaannya untuk karya besar adalah perkembangan baru-baru ini. Ia boleh diukir, dengan kesukaran yang besar; orang Rom Piala Lycurgus semuanya unik.[11] Penuangan panas boleh dilakukan dengan memasukkan kaca cair ke dalam acuan yang telah dibuat dengan memasukkan bentuk ke pasir, grafit berukir atau acuan plaster / silika terperinci. Kaca tuang kiln melibatkan pemanasan potongan kaca dalam tanur sehingga cair dan mengalir ke dalam acuan menunggu di bawahnya di dalam tanur. Kaca juga boleh ditiup dan / atau panas diukir dengan alat tangan sama ada sebagai jisim padat atau sebagai bahagian objek yang ditiup. Teknik yang lebih baru melibatkan kaca pahat dan ikatan dengan silikat polimer dan cahaya UV.[12]

Kayu yang diukir Bodhisattva dari China Dinasti lagu 960–1279, Muzium Shanghai

Tembikar

Tembikar adalah salah satu bahan tertua untuk arca, dan juga tanah liat menjadi medium di mana banyak arca yang dilemparkan dalam logam pada asalnya dimodelkan untuk pemutus. Pemahat sering membina karya awal kecil yang disebut maket bahan sementara seperti plaster of Paris, lilin, tanah liat tanpa pucuk, atau plastik.[13] Banyak budaya menghasilkan tembikar yang menggabungkan fungsi sebagai kapal dengan bentuk patung, dan kecil patung-patung sering popular seperti budaya Barat moden. Setem dan cetakan digunakan oleh kebanyakan peradaban kuno, dari Rom kuno dan Mesopotamia ke China.[14]

Ukiran kayu

Perincian Penyaliban Yesus Kristus, Sepanyol, kayu dan polikrom, 1793.

Ukiran kayu telah dipraktikkan secara meluas, tetapi bertahan jauh lebih baik daripada bahan utama yang lain, rentan terhadap kerusakan, kerosakan serangga, dan kebakaran. Oleh itu, ia membentuk elemen tersembunyi penting dalam sejarah seni banyak budaya.[3] Arca kayu luaran tidak bertahan lama di sebahagian besar dunia, sehingga kita tidak tahu bagaimana tiang totem tradisi berkembang. Sebilangan besar patung terpenting China dan Jepun khususnya terdapat di kayu, dan sebahagian besarnya adalah Arca Afrika dan itu Oceania dan kawasan lain.

Kayu ringan, sangat sesuai untuk topeng dan patung lain yang dimaksudkan untuk dibawa, dan dapat memberikan perincian yang sangat baik. Ia juga lebih mudah untuk bekerja daripada batu. Ia sering dilukis setelah diukir, tetapi catnya kurang baik daripada kayu, dan seringkali hilang dalam bentuk potongan. Kayu yang dicat sering secara teknikal digambarkan sebagai "kayu dan polikrom"Biasanya lapisan gesso atau plaster diaplikasikan pada kayu, dan kemudian cat digunakan pada kayu itu.

Status sosial pengukir

Nuremberg pengukir Adam Kraft, potret diri dari Gereja St Lorenz, 1490-an.

Di seluruh dunia, pemahat biasanya merupakan pedagang yang karyanya tidak ditandatangani; dalam beberapa tradisi, misalnya China, di mana patung tidak berkongsi prestij lukisan literati, ini telah mempengaruhi status arca itu sendiri.[15] Walaupun di Yunani purba, di mana pemahat seperti Phidias menjadi terkenal, mereka nampaknya memiliki status sosial yang hampir sama dengan pengrajin lain, dan mungkin ganjaran kewangan yang jauh lebih besar, walaupun ada yang menandatangani karya mereka.[16] Di dalam Pertengahan umur seniman seperti abad ke-12 Gislebertus kadang-kadang menandatangani karya mereka, dan dicari oleh pelbagai bandar, terutama dari Trecento dan seterusnya di Itali, dengan tokoh seperti Arnolfo di Cambio, dan Nicola Pisano dan anaknya Giovanni. Tukang emas dan tukang emas, berurusan dengan bahan berharga dan sering berganda sebagai bankir, tergolong dalam yang berkuasa persatuan dan mempunyai status yang cukup besar, sering memegang jawatan sivik. Banyak pengukir juga berlatih dalam seni lain; Andrea del Verrocchio juga dicat, dan Giovanni Pisano, Michelangelo, dan Jacopo Sansovino adalah arkitek. Beberapa pengukir mengekalkan bengkel besar. Walaupun pada zaman Renaissance, sifat fizikal karya itu dianggap oleh Leonardo da Vinci dan yang lain sebagai menurunkan status seni ukir, walaupun reputasi Michelangelo mungkin meletakkan gagasan lama ini.

Daripada Renaissance Tinggi artis seperti Michelangelo, Leone Leoni dan Giambologna bisa menjadi kaya raya, dan dimuliakan, dan memasuki lingkaran para pangeran, setelah beberapa waktu bertengkar mengenai status relatif patung dan lukisan.[17] Banyak patung hiasan di bangunan tetap menjadi perdagangan, tetapi pemahat yang menghasilkan kepingan individu dikenali di tingkat yang sama dengan pelukis. Dari abad ke-18 atau patung sebelumnya juga menarik minat pelajar kelas menengah, walaupun lebih lambat melakukannya daripada melukis. Pemahat wanita mengambil masa lebih lama untuk tampil daripada pelukis wanita, dan kurang menonjol hingga abad ke-20.

Pergerakan anti-arca

Aniconisme tetap terhad kepada Agama Yahudi, yang tidak menerima arca kiasan hingga abad ke-19,[18] sebelum berkembang ke Kristian Awal, yang pada awalnya menerima patung besar. Dalam agama Kristian dan Buddha, patung menjadi sangat ketara. Kristian Ortodoksi Timur tidak pernah menerima patung monumental, dan Islam secara konsisten telah menolak hampir semua patung kiasan, kecuali patung-patung yang sangat kecil dan beberapa tokoh haiwan yang memenuhi fungsi yang berguna, seperti singa terkenal yang menyokong air pancut di Alhambra. Banyak bentuk Protestantisme juga tidak menyetujui patung agama. Terdapat banyak perkara ikonoklasma patung dari motif keagamaan, dari orang Kristian Awal, Ribut Beelden daripada Reformasi Protestan hingga kemusnahan 2001 Buddha dari Bamyan oleh Taliban.

Sejarah

Zaman Prasejarah

Eropah

Venus of Hohle Fels (juga dikenali sebagai Venus dari Schelklingen; adalah Paleolitik Atas Patung Venus dipahat dari gading daripada a raksasa gading dijumpai pada tahun 2008 berhampiran Schelklingen, Jerman. Ia bertarikh antara 35,000 hingga 40,000 tahun yang lalu, milik awal Orang Aurignacian, pada awal permulaan Paleolitik Atas, yang dikaitkan dengan kehadiran awal yang dianggap Homo sapiens dalam Eropah (Cro-Magnon). Bersama dengan Löwenmensch, ini adalah contoh tertua yang tidak dipertikaikan Seni Paleolitik Atas dan kiasan seni prasejarah secara umum.

Contoh patung paling awal yang tidak dipertikaikan adalah milik patung tersebut Budaya Aurignacian, yang terletak di Eropah dan Asia barat daya dan aktif pada awal Paleolitik Atas. Serta menghasilkan beberapa yang paling awal diketahui seni gua, orang-orang dari budaya ini mengembangkan alat-alat batu yang dibuat dengan halus, loket pembuatan, gelang, manik-manik gading, dan seruling tulang, serta patung-patung tiga dimensi.[19][20]

Tingginya 30 cm Löwenmensch yang terdapat di kawasan Hohlenstein Stadel Jerman adalah sebuah antropomorfik Tokoh singa-manusia yang diukir dari mammoth berbulu gading. Tarikh ini sekitar 35-40.000 BP, membuatnya, bersama dengan Venus of Hohle Fels, contoh seni figuratif tertua yang paling lama tidak diketahui.[21]

Banyak bertahan seni prasejarah adalah patung mudah alih kecil, dengan sekumpulan kecil wanita Patung-patung Venus seperti Venus dari Willendorf (24–26,000 BP) dijumpai di seluruh Eropah tengah.[22] The Rusa Renang kira-kira 13,000 tahun yang lalu adalah salah satu yang terbaik dari sebilangan besar Magdalenia ukiran pada tulang atau tanduk haiwan di seni Paleolitik Atas, walaupun jumlahnya lebih banyak oleh potongan terukir, yang kadang-kadang diklasifikasikan sebagai patung.[23] Dua patung prasejarah terbesar boleh didapati di Gua Tuc d'Audobert di Perancis, di mana sekitar 12-17.000 tahun yang lalu seorang pemahat yang mahir menggunakan alat dan jari-jari batu spatula untuk memodelkan sepasang bison besar di tanah liat dengan batu kapur.[24]

Dengan permulaan Mesolitik di Eropah arca kiasan sangat berkurang,[25] dan tetap menjadi unsur seni yang kurang umum daripada hiasan lekapan dari objek praktikal hingga zaman Rom, walaupun terdapat beberapa karya seperti Kuali Gundestrup daripada Zaman Besi Eropah dan Zaman Gangsa Kereta kuda Trundholm.[26]

Timur Dekat Kuno

Daripada Timur Dekat kuno, batu bersaiz seumur hidup Lelaki Urfa dari moden Turki berasal dari sekitar 9,000 SM, dan 'Patung Ain Ghazal dari sekitar 7200 dan 6500 SM. Ini dari moden Jordan, diperbuat daripada plaster kapur dan alang-alang, dan kira-kira separuh hayatnya; terdapat 15 patung, beberapa dengan dua kepala berdampingan, dan 15 patung. Tokoh-tokoh manusia dan haiwan tanah liat kecil dijumpai di banyak lokasi di seberang Timur Dekat dari Neolitik Pra Tembikar, dan mewakili permulaan tradisi yang lebih kurang berterusan di rantau ini.

Timur Dekat Kuno

Meterai silinder dengan kesannya pada tanah liat; serpopard dan helang, Zaman Uruk, 4100–3000 SM

The Tempoh protoliterasi dalam Mesopotamia, dikuasai oleh Uruk, menyaksikan penghasilan karya canggih seperti Pasu Warka dan meterai silinder. The Singa betina Guennol adalah kecil yang luar biasa Batu kapur angka dari Elam kira-kira 3000–2800 SM, sebahagian manusia dan singa bahagian.[27] Beberapa saat kemudian terdapat sejumlah tokoh imam dan pemuja bermata besar, kebanyakan di alabaster dan setinggi satu kaki, yang menghadiri kuil gambar kultus dari dewa, tetapi sangat sedikit yang selamat.[28] Arca dari Sumeria dan Akkadian umumnya mempunyai mata yang besar, menatap, dan janggut panjang pada lelaki. Banyak karya juga ditemui di Tanah Perkuburan Diraja di Ur (sekitar 2650 SM), termasuk dua tokoh a Ram dalam Belukar, Lembu Tembaga dan kepala lembu di salah satu Lyres of Ur.[29]

Dari banyak masa berikutnya sebelum kenaikan Empayar Neo-Asyur pada abad ke-10 SM Mesopotamia seni bertahan dalam beberapa bentuk: meterai silinder, angka-angka yang relatif kecil dalam bentuk bulat, dan lekapan dari berbagai ukuran, termasuk plak tembikar yang murah untuk kediaman, beberapa keagamaan dan beberapa nampaknya tidak.[30] The Bantuan Burney adalah sangat rumit dan agak besar (20 x 15 inci, 50 x 37 cm) terakota plak dewi bersayap telanjang dengan kaki burung buas, dan burung hantu dan singa. Ia berasal dari abad ke-18 atau ke-19 SM, dan mungkin juga dibentuk.[31] Batu stelae, persembahan undi, atau yang mungkin memperingati kemenangan dan menunjukkan perayaan, juga dijumpai dari kuil, yang tidak seperti yang rasmi yang tidak mempunyai prasasti yang akan menjelaskannya;[32] serpihan Stele of the Vultures adalah contoh awal jenis bertulis,[33] dan orang Asiria Obelisk Hitam Shalmaneser III yang lewat dan besar.[34]

Penaklukan seluruh Mesopotamia dan banyak wilayah sekitarnya oleh orang-orang Asiria mewujudkan sebuah negara yang lebih besar dan lebih kaya daripada wilayah yang pernah diketahui sebelumnya, dan seni yang sangat megah di istana dan tempat awam, tidak diragukan lagi sebahagiannya bertujuan untuk menandingi kehebatan seni negara jiran Mesir. Tidak seperti negeri-negeri sebelumnya, orang-orang Asyur dapat menggunakan batu yang diukir dengan mudah dari utara Iraq, dan melakukannya dengan banyaknya. Orang Asiria mengembangkan gaya yang sangat hebat skema besar naratif rendah yang sangat terperinci di batu untuk istana, dengan pemandangan perang atau perburuan; yang Muzium British mempunyai koleksi yang luar biasa, termasuk Pemburu Singa dari Ashurbanipal dan juga Lega lega menunjukkan kempen. Mereka menghasilkan patung yang sangat sedikit dalam bentuk bulat, kecuali patung-patung penjaga kolosal yang berkepala manusia lamassu, yang diukir dengan lekukan tinggi pada dua sisi blok segi empat, dengan kepala berkesan dalam bulat (dan juga lima kaki, sehingga kedua-dua pandangan kelihatan lengkap). Bahkan sebelum menguasai wilayah ini, mereka meneruskan tradisi meterai silinder dengan reka bentuk yang sering sangat bertenaga dan halus.[35]

Mesir Purba

The arca monumental Mesir kuno terkenal di dunia, tetapi karya-karya kecil yang halus dan halus terdapat dalam jumlah yang jauh lebih besar. Orang Mesir menggunakan teknik khas lega tenggelam, sangat sesuai untuk cahaya matahari yang sangat terang. Angka-angka utama dalam lekukan mematuhi konvensi angka yang sama seperti pada lukisan, dengan kaki yang terpisah (di mana tidak duduk) dan kepala ditunjukkan dari sisi, tetapi batang tubuh dari depan, dan satu set perkadaran standard yang membentuk angka itu, menggunakan 18 "penumbuk" untuk pergi dari tanah ke garis rambut di dahi.[36] Ini muncul seawal Palet Narmer dari Dinasti I. Walau bagaimanapun, di tempat lain konvensyen ini tidak digunakan untuk tokoh-tokoh kecil yang ditunjukkan terlibat dalam beberapa aktiviti, seperti tawanan dan mayat.[37] Konvensyen lain menjadikan patung-patung lelaki lebih gelap daripada patung-patung wanita. Patung potret yang sangat konvensional muncul sejak awal Dinasti II, sebelum tahun 2,780 SM,[38] dan dengan pengecualian seni zaman Amarna daripada Ahkenaten,[39] dan beberapa tempoh lain seperti Dinasti XII, ciri-ciri penguasa yang ideal, seperti konvensyen seni Mesir yang lain, berubah sedikit sehingga selepas penaklukan Yunani.[40]

Orang Mesir firaun selalu dianggap sebagai dewa, tetapi dewa-dewa lain lebih jarang terdapat di patung-patung besar, kecuali ketika mereka mewakili firaun sebagai dewa lain; namun dewa-dewa lain sering ditunjukkan dalam lukisan dan relief. Baris empat patung kolosal yang terkenal di luar kuil utama di Abu Simbel setiap persembahan Rameses II, skema khas, walaupun di sini sangat besar.[41] Tokoh-tokoh dewa kecil, atau keperibadian haiwan mereka, sangat biasa, dan terdapat dalam bahan-bahan popular seperti tembikar. Sebilangan besar arca yang lebih besar dapat bertahan Kuil-kuil Mesir atau kubur; oleh Dinasti IV (2680–2565 SM) paling lambat idea mengenai Patung Ka telah kukuh. Mereka dimasukkan ke dalam kubur sebagai tempat peristirahatan untuk ka bahagian jiwa, dan oleh itu kami mempunyai sebilangan besar patung yang kurang konvensional dari pentadbir kaya dan isteri mereka, banyak di kayu kerana Mesir adalah salah satu dari beberapa tempat di dunia di mana iklim memungkinkan kayu bertahan lebih dari ribuan tahun. Yang dipanggil ketua simpanan, kepala tanpa rambut polos, sangat naturalistik. Makam awal juga mengandungi model kecil budak, binatang, bangunan dan benda-benda seperti perahu yang diperlukan untuk si mati untuk meneruskan gaya hidupnya di akhirat, dan kemudian Ushabti angka.[42]

Eropah

Yunani purba

Charioteer of Delphi, Yunani kuno arca gangsa, Abad ke-5 SM, tutup perincian kepala

Gaya khas pertama dari arca kuno Yunani berkembang pada Zaman Gangsa Awal Cycladic tempoh (milenium ke-3 SM), di mana angka marmar, biasanya perempuan dan kecil, diwakili dengan gaya geometri yang disederhanakan dengan elegan. Yang paling tipikal adalah pose berdiri dengan lengan disilangkan di depan, tetapi angka lain ditunjukkan dalam pose yang berbeza, termasuk sosok pelik yang rumit yang duduk di atas kerusi.[43]

Yang seterusnya Minoan dan Mycenaean budaya mengembangkan arca lebih jauh, di bawah pengaruh dari Syria dan di tempat lain, tetapi ia kemudiannya Zaman purba dari sekitar 650 SM bahawa kouros maju. Ini adalah patung besar pemuda telanjang, yang terdapat di kuil dan makam, dengan korea sebagai pakaian wanita yang setara, dengan rambut yang berpakaian kemas; kedua-duanya mempunyai "senyuman kunoMereka nampaknya telah melayani sejumlah fungsi, mungkin kadang-kadang mewakili dewa-dewa dan kadang-kadang orang yang dikuburkan di kubur, seperti Kroisos Kouros. Mereka jelas dipengaruhi oleh gaya Mesir dan Syria, tetapi para seniman Yunani lebih bersedia untuk bereksperimen dalam gaya tersebut.

Pada abad ke-6 patung Yunani berkembang pesat, menjadi lebih naturalistik, dan dengan pose sosok yang jauh lebih aktif dan bervariasi dalam adegan naratif, walaupun masih dalam konvensi ideal. Diukir pedimen telah ditambahkan ke kuil, termasuk Parthenon di Athena, di mana sisa-sisa pedimen sekitar 520 menggunakan angka dalam pusingan itu dengan baik digunakan sebagai pengisian bangunan baru setelah karung Parsi pada tahun 480 SM, dan pulih dari tahun 1880-an dalam keadaan segar tanpa cuaca. Tinggalan arca seni bina yang lain berasal Paestum di Itali, Corfu, Delphi dan juga Kuil Aphaea dalam Aegina (sekarang dalam Munich).[44] Sebilangan besar patung Yunani pada asalnya merangkumi sekurang-kurangnya beberapa warna; yang Muzium Ny Carlsberg Glyptotek di Copenhagen, Denmark, telah melakukan penyelidikan dan rekreasi warna yang asli.[45][46]

Klasik
Pelepasan klasik yang tinggi dari Guli Elgin, yang pada asalnya menghiasi Parthenon, c. 447–433 SM

Terdapat sedikit peninggalan asli dari fasa pertama zaman Klasik, yang sering disebut sebagai Gaya yang teruk; patung-patung yang berdiri bebas sekarang kebanyakannya dibuat dari gangsa, yang selalu bernilai sekerap. Gaya yang teruk berlangsung dari sekitar 500 relief, dan segera setelah 480 patung, menjadi sekitar 450. Pose sosok yang agak kaku santai, dan posisi berpusing yang tidak simetri dan pandangan serong menjadi umum, dan sengaja dicari. Ini digabungkan dengan pemahaman yang lebih baik mengenai anatomi dan struktur harmoni dari patung-patung, dan mengejar representasi naturalistik sebagai tujuan, yang belum pernah ada sebelumnya. Penggalian di Kuil Zeus, Olympia sejak tahun 1829 telah mendedahkan kumpulan mayat terbesar, dari sekitar 460, yang banyak di antaranya adalah Louvre.[47]

Periode "High Classical" hanya berlangsung selama beberapa dekad dari sekitar 450 hingga 400, tetapi memiliki pengaruh besar pada seni, dan mempertahankan prestij istimewa, walaupun jumlah orang asli yang sangat terhad. Karya yang paling terkenal adalah Guli Parthenon, secara tradisional (sejak Plutarch) dilaksanakan oleh pasukan yang diketuai oleh pemahat Yunani kuno yang paling terkenal Phidias, aktif dari sekitar 465-425, yang pada zamannya lebih terkenal dengan kolosalnya chryselephantine Patung Zeus di Olympia (c. 432), salah satu Tujuh Keajaiban Dunia Purba, miliknya Athena Parthenos (438), imej kultus dari Parthenon, dan Athena Promachos, tokoh gangsa kolosal yang berdiri di sebelah Parthenon; semua ini hilang tetapi diketahui dari banyak perwakilan. Dia juga dikreditkan sebagai pencipta beberapa patung gangsa seukuran yang hanya diketahui dari salinan kemudian yang pengenalannya kontroversial, termasuk Ludovisi Hermes.[48]

Gaya Klasik Tinggi terus mengembangkan realisme dan kecanggihan pada sosok manusia, dan meningkatkan penggambaran kain kantung (pakaian), menggunakannya untuk menambah kesan pose aktif. Ekspresi wajah biasanya sangat terkendali, bahkan dalam adegan pertempuran. Komposisi kumpulan tokoh dalam relief dan pediments menggabungkan kerumitan dan harmoni dengan cara yang mempunyai pengaruh tetap pada seni Barat. Kelegaan memang sangat tinggi, seperti dalam ilustrasi Parthenon di bawah, di mana sebahagian besar kaki pejuang itu sepenuhnya terlepas dari latar belakang, seperti juga bahagian yang hilang; relief this high made sculptures more subject to damage.[49] The Late Classical style developed the free-standing female nude statue, supposedly an innovation of Praxiteles, and developed increasingly complex and subtle poses that were interesting when viewed from a number of angles, as well as more expressive faces; both trends were to be taken much further in the Hellenistic period.[50]

Hellenistik
The Pergamene style of the Hellenistic period, from the Altar Pergamon, early 2nd century

The Zaman Hellenistik is conventionally dated from the death of Alexander yang Agung in 323 BCE, and ending either with the final conquest of the Greek heartlands by Rom in 146 BCE or with the final defeat of the last remaining successor-state to Alexander's empire after the Pertempuran Actium in 31 BCE, which also marks the end of Rom Republik.[51] It is thus much longer than the previous periods, and includes at least two major phases: a "Pergamene" style of experimentation, exuberance and some sentimentality and vulgarity, and in the 2nd century BCE a classicising return to a more austere simplicity and elegance; beyond such generalizations dating is typically very uncertain, especially when only later copies are known, as is usually the case. The initial Pergamene style was not especially associated with Pergamon, from which it takes its name, but the very wealthy kings of that state were among the first to collect and also copy Classical sculpture, and also commissioned much new work, including the famous Altar Pergamon whose sculpture is now mostly in Berlin and which exemplifies the new style, as do the Makam di Halicarnassus (another of the Seven Wonders), the famous Laocoön dan Anak-Anaknya di dalam Muzium Vatikan, a late example, and the bronze original of Gaul yang Mati (illustrated at top), which we know was part of a group actually commissioned for Pergamon in about 228 BCE, from which the Ludovisi Gaul was also a copy. The group called the Lembu Farnese, possibly a 2nd-century marble original, is still larger and more complex,[52]

Kecil Patung-patung terakota Yunani were very popular as ornaments in the home

Hellenistic sculpture greatly expanded the range of subjects represented, partly as a result of greater general prosperity, and the emergence of a very wealthy class who had large houses decorated with sculpture, although we know that some examples of subjects that seem best suited to the home, such as children with animals, were in fact placed in temples or other public places. For a much more popular home decoration market there were Patung-patung Tanagra, and those from other centres where small pottery figures were produced on an industrial scale, some religious but others showing animals and elegantly dressed ladies. Sculptors became more technically skilled in representing facial expressions conveying a wide variety of emotions and the portraiture of individuals, as well representing different ages and races. The reliefs from the Mausoleum are rather atypical in that respect; most work was free-standing, and group compositions with several figures to be seen in the round, like the Laocoon and the Pergamon group celebrating victory over the Gauls became popular, having been rare before. The Faun Barberini, menunjukkan a satyr sprawled asleep, presumably after drink, is an example of the moral relaxation of the period, and the readiness to create large and expensive sculptures of subjects that fall short of the heroic.[53]

After the conquests of Alexander Budaya Hellenistik was dominant in the courts of most of the Near East, and some of Asia Tengah, and increasingly being adopted by European elites, especially in Italy, where Tanah jajahan Yunani initially controlled most of the South. Hellenistic art, and artists, spread very widely, and was especially influential in the expanding Roman Republic and when it encountered Buddhism in the easternmost extensions of the Hellenistic area. The massive so-called Alexander Sarcophagus dijumpai di Sidon in modern Lebanon, was probably made there at the start of the period by expatriate Greek artists for a Hellenized Persian governor.[54] The wealth of the period led to a greatly increased production of luxury forms of small sculpture, including permata terukir and cameos, jewellery, and gold and silverware.

Europe after the Greeks

Arca Rom
Bahagian Tiang Trajan, CE 113, with scenes from the Perang Dacian

Early Roman art was influenced by the art of Greece and that of the neighbouring Etruscans, themselves greatly influenced by their Greek trading partners. An Etruscan speciality was near life size tomb effigies in terakota, usually lying on top of a sarkofagus lid propped up on one elbow in the pose of a diner in that period. As the expanding Republik Rom began to conquer Greek territory, at first in Southern Italy and then the entire Hellenistic world except for the Parthian far east, official and pengasuh sculpture became largely an extension of the Hellenistic style, from which specifically Roman elements are hard to disentangle, especially as so much Greek sculpture survives only in copies of the Roman period.[55] By the 2nd century BCE, "most of the sculptors working at Rome" were Greek,[56] often enslaved in conquests such as that of Korintus (146 BCE), and sculptors continued to be mostly Greeks, often slaves, whose names are very rarely recorded. Vast numbers of Greek statues were imported to Rome, whether as booty or the result of extortion or commerce, and temples were often decorated with re-used Greek works.[57]

A native Italian style can be seen in the tomb monuments, which very often featured portrait busts, of prosperous middle-class Romans, and potret is arguably the main strength of Roman sculpture. There are no survivals from the tradition of masks of ancestors that were worn in processions at the funerals of the great families and otherwise displayed in the home, but many of the busts that survive must represent ancestral figures, perhaps from the large family tombs like the Makam Scipios or the later mausolea outside the city. The famous bronze head supposedly of Lucius Junius Brutus is very variously dated, but taken as a very rare survival of Italic style under the Republic, in the preferred medium of bronze.[58] Similarly stern and forceful heads are seen on coins of the Late Republic, and in the Imperial period coins as well as busts sent around the Empire to be placed in the basilika of provincial cities were the main visual form of imperial propaganda; sekata Londinium had a near-colossal statue of Nero, though far smaller than the 30-metre-high Kolose Nero in Rome, now lost.[59]

Augustan state Greco-Roman style on the Ara Pacis, 13 BCE

The Romans did not generally attempt to compete with free-standing Greek works of heroic exploits from history or mythology, but from early on produced historical works in relief, culminating in the great Tiang kemenangan Rom with continuous narrative reliefs winding around them, of which those commemorating Trajan (CE 113) and Marcus Aurelius (by 193) survive in Rome, where the Ara Pacis ("Altar of Peace", 13 BCE) represents the official Greco-Roman style at its most classical and refined. Among other major examples are the earlier re-used reliefs on the Gerbang Constantine dan pangkalan Tiang Antoninus Pius (161),[60] Lega Campana were cheaper pottery versions of marble reliefs and the taste for relief was from the imperial period expanded to the sarcophagus. All forms of luxury small sculpture continued to be patronized, and quality could be extremely high, as in the silver Piala Warren, kaca Piala Lycurgus, and large cameos like the Gemma Augustea, Gonzaga Cameo dan juga "Cameo Besar Perancis".[61] For a much wider section of the population, moulded relief decoration of kapal tembikar and small figurines were produced in great quantity and often considerable quality.[62]

After moving through a late 2nd-century "baroque" phase,[63] in the 3rd century, Roman art largely abandoned, or simply became unable to produce, sculpture in the classical tradition, a change whose causes remain much discussed. Even the most important imperial monuments now showed stumpy, large-eyed figures in a harsh frontal style, in simple compositions emphasizing power at the expense of grace. The contrast is famously illustrated in the Gerbang Constantine of 315 in Rome, which combines sections in the new style with pusingan in the earlier full Greco-Roman style taken from elsewhere, and the Four Tetrarchs (c. 305) from the new capital of Konstantinopel, now in Venice. Ernst Kitzinger found in both monuments the same "stubby proportions, angular movements, an ordering of parts through symmetry and repetition and a rendering of features and drapery folds through incisions rather than modelling... The hallmark of the style wherever it appears consists of an emphatic hardness, heaviness and angularity—in short, an almost complete rejection of the classical tradition".[64]

This revolution in style shortly preceded the period in which Agama Kristian was adopted by the Roman state and the great majority of the people, leading to the end of large religious sculpture, with large statues now only used for emperors. However, rich Christians continued to commission reliefs for sarcophagi, as in the Sarkofagus Junius Bassus, and very small sculpture, especially in ivory, was continued by Christians, building on the style of the diptych konsular.[65]

Early Medieval and Byzantine
Silver monster on a chape, Scottish or Anglo-Saxon, Harta Karun St Ninian's Isle, c. 800?
The Gero Salib, c. 965–970, Cologne, Germany. The first great example of the revival of large sculpture

The Orang Kristian awal were opposed to monumental religious sculpture, though continuing Roman traditions in portrait busts and sarkofagus reliefs, as well as smaller objects such as the consular diptych. Such objects, often in valuable materials, were also the main sculptural traditions (as far as is known) of the barbaric civilizations daripada Tempoh penghijrahan, as seen in the objects found in the 6th-century burial treasure at Sutton Hoo, and the jewellery of Seni Scythian and the hybrid Christian and gaya haiwan pengeluaran dari Seni keperibadian. Following the continuing Byzantine tradition, Seni Carolingian revived ivory carving, often in panels for the pengikatan harta of grand manuskrip yang diterangi, begitu juga crozier heads and other small fittings.

Seni Byzantine, though producing superb ivory reliefs and architectural decorative carving, never returned to monumental sculpture, or even much small sculpture in the round.[66] However, in the West during the Carolingian dan Ottonian periods there was the beginnings of a production of monumental statues, in courts and major churches. This gradually spread; by the late 10th and 11th century there are records of several apparently life-size sculptures in Anglo-Saxon churches, probably of precious metal around a wooden frame, like the Madonna Emas dari Essen. No Anglo-Saxon example has survived,[67] and survivals of large non-architectural sculpture from before 1,000 are exceptionally rare. Much the finest is the Gero Salib, of 965–970, which is a salib, which was evidently the commonest type of sculpture; Charlemagne had set one up in the Kapel Palatine di Aachen around 800. These continued to grow in popularity, especially in Germany and Italy. The batu rune daripada Nordik dunia, yang Batu bergambar of Scotland and possibly the salib tinggi reliefs of Christian Great Britain, were northern sculptural traditions that bridged the period of Christianization.

Romanesque
The Singa Brunswick, 1166, the first large hollow casting of a figure since antiquity, 1.78 metres tall and 2.79 metres long

From about 1000 there was a general rebirth of artistic production in all Europe, led by general economic growth in production and commerce, and the new style of Seni Romanesque was the first medieval style to be used in the whole of Western Europe. The new cathedrals and pilgrim's churches were increasingly decorated with architectural stone reliefs, and new focuses for sculpture developed, such as the timpani over church doors in the 12th century, and the inhabited modal with figures and often narrative scenes. Outstanding abbey churches with sculpture include in France Vézelay dan Moissac dan di Sepanyol Silo.[68]

Romanesque art was characterised by a very vigorous style in both sculpture and painting. The capitals of columns were never more exciting than in this period, when they were often carved with complete scenes with several figures.[69] The large wooden salib was a German innovation right at the start of the period, as were free-standing statues of the enthroned Madonna, but the kelegaan tinggi was above all the sculptural mode of the period. Compositions usually had little depth, and needed to be flexible to squeeze themselves into the shapes of capitals, and church typanums; the tension between a tightly enclosing frame, from which the composition sometimes escapes, is a recurrent theme in Romanesque art. Figures still often varied in size in relation to their importance portraiture hardly existed.

Objects in precious materials such as ivory and metal had a very high status in the period, much more so than monumental sculpture — we know the names of more makers of these than painters, illuminators or architect-masons. Kerja logam, termasuk hiasan di enamel, menjadi sangat canggih, dan banyak kuil spektakuler yang dibuat untuk menyimpan peninggalan masih ada, yang mana yang paling terkenal adalah Kuil Tiga Raja di Katedral Cologne oleh Nicholas dari Verdun. Gangsa Gloucester candlestick dan juga brass font of 1108–17 now in Liège are superb examples, very different in style, of metal casting, the former highly intricate and energetic, drawing on manuscript painting, while the font shows the Mosan style at its most classical and majestic. The bronze doors, a triumphal column and other fittings at Katedral Hildesheim, Pintu Gniezno, and the doors of the Basilika di San Zeno dalam Verona are other substantial survivals. The akuarium, a container for water to wash with, appears to have been introduced to Europe in the 11th century, and often took fantastic zumorfik borang; surviving examples are mostly in brass. Many wax impressions from impressive seals survive on charters and documents, although Romanesque coins are generally not of great aesthetic interest.[70]

The Palang Cloisters is an unusually large gading salib, with complex carving including many figures of nabi and others, which has been attributed to one of the relatively few artists whose name is known, Tuan Hugo, who also illuminated manuscripts. Like many pieces it was originally partly coloured. The Catur Lewis are well-preserved examples of small ivories, of which many pieces or fragments remain from croziers, plaques, salib pektoral and similar objects.

Gothik
French ivory Virgin and Child, end of 13th century, 25 cm high, curving to fit the shape of the ivory tusk

The Gothic period is essentially defined by Senibina Gothic, and does not entirely fit with the development of style in sculpture in either its start or finish. The facades of large churches, especially around doors, continued to have large typanums, but also rows of sculpted figures spreading around them. The statues on the Western (Royal) Portal at Katedral Chartres (c. 1145) show an elegant but exaggerated columnar elongation, but those on the south transept portal, from 1215 to 1220, show a more naturalistic style and increasing detachment from the wall behind, and some awareness of the classical tradition. These trends were continued in the west portal at Katedral Reims of a few years later, where the figures are almost in the round, as became usual as Gothic spread across Europe.[71]

Di Itali Nicola Pisano (1258–1278) and his son Giovanni developed a style that is often called Proto-Renaissance, with unmistakable influence from Roman sarcophagi and sophisticated and crowded compositions, including a sympathetic handling of nudity, in relief panels on their pulpit of Siena Cathedral (1265–68), Fontana Maggiore dalam Perugia, and Giovanni's pulpit in Pistoia of 1301.[72] Another revival of classical style is seen in the Gothic Antarabangsa kerja dari Claus Sluter dan pengikutnya di Burgundy dan Flanders around 1400.[73] Late Gothic sculpture continued in the North, with a fashion for very large wooden sculpted altarpieces with increasingly virtuoso carving and large numbers agitated expressive figures; most surviving examples are in Germany, after much iconoclasm elsewhere. Tilman Riemenschneider, Veit Stoss and others continued the style well into the 16th century, gradually absorbing Italian Renaissance influences.[74]

Life-size tomb effigies in stone or alabaster became popular for the wealthy, and grand multi-level tombs evolved, with the Scaliger Tombs daripada Verona so large they had to be moved outside the church. By the 15th century there was an industry exporting Nottingham alabaster altar reliefs in groups of panels over much of Europe for economical parishes who could not afford stone retables.[75] Small carvings, for a mainly lay and often female market, became a considerable industry in Paris and some other centres. Types of ivories included small devotional polyptychs, single figures, especially of the Virgin, mirror-cases, combs, and elaborate caskets with scenes from Romances, used as engagement presents.[76] The very wealthy collected extravagantly elaborate jewelled and enamelled metalwork, both secular and religious, like the Duc de Berrys Penerimaan Holy Thorn, until they ran short of money, when they were melted down again for cash.[77]

Renaissance

Michelangelo, The Makam Paus Julius II, c. 1545, with statues of Rachel dan Leah on the left and right of his Musa

Renaissance sculpture proper is often taken to begin with the famous competition for the doors of the Florence Baptistry in 1403, from which the trial models submitted by the winner, Lorenzo Ghiberti, dan Filippo Brunelleschi bertahan. Ghiberti's doors are still in place, but were undoubtedly eclipsed by his second pair for the other entrance, the so-called Pintu Syurga, which took him from 1425 to 1452, and are dazzlingly confident classicizing compositions with varied depths of relief allowing extensive backgrounds.[78] The intervening years had seen Ghiberti's early assistant Donatello develop with seminal statues including his Davids in marble (1408–09) and bronze (1440s), and his Patung berkuda Gattamelata, as well as reliefs.[79] A leading figure in the later period was Andrea del Verrocchio, terkenal dengan miliknya patung berkuda daripada Bartolomeo Colleoni di Venice;[80] anak muridnya Leonardo da Vinci designed an equine sculpture in 1482 Kuda untuk Milan-but only succeeded in making a 24-foot (7.3 m) clay model which was destroyed by French archers in 1499, and his other ambitious sculptural plans were never completed.[81]

The period was marked by a great increase in patronage of sculpture by the state for public art and by the wealthy for their homes; especially in Italy, public sculpture remains a crucial element in the appearance of historic city centres. Church sculpture mostly moved inside just as outside public monuments became common. Portrait sculpture, usually in busts, became popular in Italy around 1450, with the Neapolitan Francesco Laurana specializing in young women in meditative poses, while Antonio Rossellino and others more often depicted knobbly-faced men of affairs, but also young children.[82] Potret pingat dicipta oleh Pisanello also often depicted women; kelegaan plak were another new small form of sculpture in cast metal.

Michelangelo was an active sculptor from about 1500 to 1520, and his great masterpieces including his Daud, Pietà, Musa, and pieces for the Makam Paus Julius II dan Kapel Medici could not be ignored by subsequent sculptors. His iconic David (1504) has a kontrapposto pose, borrowed from classical sculpture. It differs from previous representations of the subject in that David is depicted before his battle with Goliath and not after the giant's defeat. Instead of being shown victorious, as Donatello and Verocchio had done, David looks tense and battle ready.[83]

Mannerist

Adriaen de Vries, Mercury dan Psyche Mannerist Utara life-size bronze, made in 1593 for Rudolf II, Maharaja Rom Suci.

As in painting, early Italian Mannerist sculpture was very largely an attempt to find an original style that would top the achievement of the Renaissance Tinggi, which in sculpture essentially meant Michelangelo, and much of the struggle to achieve this was played out in commissions to fill other places in the Piazza della Signoria in Florence, next to Michelangelo's Daud. Baccio Bandinelli took over the project of Hercules dan Cacus from the master himself, but it was little more popular than it is now, and maliciously compared by Benvenuto Cellini to "a sack of melons", though it had a long-lasting effect in apparently introducing relief panels on the alas kaki of statues. Like other works of his and other Mannerists it removes far more of the original block than Michelangelo would have done.[84] Cellini's bronze Perseus with the head of Medusa is certainly a masterpiece, designed with eight angles of view, another Mannerist characteristic, but is indeed mannered compared to the Dauds of Michelangelo and Donatello.[85] Originally a goldsmith, his famous gold and enamel Garam bawah tanah (1543) was his first sculpture, and shows his talent at its best.[86] As these examples show, the period extended the range of secular subjects for large works beyond portraits, with mythological figures especially favoured; previously these had mostly been found in small works.

Small bronze figures for collector's kabinet, often mythological subjects with nudes, were a popular Renaissance form at which Giambologna, pada asalnya Flemish but based in Florence, excelled in the later part of the century, also creating life-size sculptures, of which two joined the collection in the Piazza della Signoria. He and his followers devised elegant elongated examples of the figura serpentinata, often of two intertwined figures, that were interesting from all angles.[87]

Barok dan Rococo

In Baroque sculpture, groups of figures assumed new importance, and there was a dynamic movement and energy of human forms— they spiralled around an empty central vortex, or reached outwards into the surrounding space. Arca Barok sering mempunyai banyak sudut pandang yang ideal, dan mencerminkan kesinambungan umum Renaissance menjauhkan diri dari relief ke patung yang dibuat dalam pusingan, dan dirancang untuk ditempatkan di tengah-tengah ruang yang besar - air mancur yang rumit seperti Bernini Fontana dei Quattro Fiumi (Rom, 1651), atau mereka yang berada di Taman Versailles adalah keistimewaan Barok. The Barok gaya sangat sesuai untuk patung, dengan Gian Lorenzo Bernini tokoh dominan zaman dalam karya seperti Ekstasi St Theresa (1647–1652).[88] Banyak arca Baroque menambahkan unsur tambahan patung, misalnya, pencahayaan tersembunyi, atau air pancut, atau patung dan seni bina yang menyatu untuk mewujudkan pengalaman transformatif bagi penonton. Artis melihat diri mereka seperti dalam tradisi klasik, tetapi dikagumi Hellenistik dan kemudian patung Rom, bukan pada zaman yang lebih "Klasik" seperti yang dilihat sekarang.[89]

The Reformasi Protestan brought an almost total stop to religious sculpture in much of Northern Europe, and though secular sculpture, especially for portrait busts and tugu kubur, bersambung, yang Zaman Emas Belanda tidak mempunyai komponen arca yang signifikan di luar pertukangan emas.[90] Sebahagiannya dalam reaksi langsung, patung itu sangat menonjol di Katolik Rom seperti pada Zaman Pertengahan akhir. Patung penguasa dan bangsawan menjadi semakin popular. Pada abad ke-18 banyak patung diteruskan di barok Barok Air Mancur Trevi was only completed in 1762. Rococo style was better suited to smaller works, and arguably found its ideal sculptural form in early European porcelain, and interior decorative schemes in wood or plaster such as those in French domestic interiors and Austrian and Bavarian pilgrimage churches.[91]

Neo-Klasik

The Gaya neoklasik that arrived in the late 18th century gave great emphasis to sculpture. Jean-Antoine Houdon exemplifies the penetrating portrait sculpture the style could produce, and Antonio Canova's nudes the idealist aspect of the movement. The Neoclassical period was one of the great ages of public sculpture, though its "classical" prototypes were more likely to be Roman copies of Hellenistic sculptures. In sculpture, the most familiar representatives are the Italian Antonio Canova, orang Inggeris John Flaxman dan Dane Bertel Thorvaldsen. The European neoclassical manner also took hold in the United States, where its pinnacle occurred somewhat later and is exemplified in the sculptures of Kuasa Hiram.

Asia

Greco-Buddhist sculpture and Asia

One of the first representations daripada Buddha, 1st–2nd century CE, Gandhara

Seni Yunani-Buddha is the artistic manifestation of Greco-Buddhisme, budaya sinkretisme antara Yunani klasik budaya dan Agama Buddha, which developed over a period of close to 1000 years in Central Asia, between the penaklukan Alexander the Great in the 4th century BCE, and the Islamic conquests of the 7th century CE. Greco-Buddhist art is characterized by the strong idealistic realism of Hellenistic art and the first representations of the Buddha in human form, which have helped define the artistic (and particularly, sculptural) canon for Buddhist art throughout the Asian continent up to the present. Though dating is uncertain, it appears that strongly Hellenistic styles lingered in the East for several centuries after they had declined around the Mediterranean, as late as the 5th century CE. Some aspects of Greek art were adopted while others did not spread beyond the Greco-Buddhist area; in particular the standing figure, often with a relaxed pose and one leg flexed, and the flying cupids or victories, who became popular across Asia as apsaras. Greek foliage decoration was also influential, with Indian versions of the Ibu negara Korintus muncul.[92]

The origins of Greco-Buddhist art are to be found in the Hellenistic Kerajaan Greco-Bactrian (250–130 BCE), located in today's Afghanistan, from which Hellenistic culture radiated into the Benua kecil India with the establishment of the small Kerajaan Indo-Yunani (180–10 BCE). Di bawah Indo-Yunani dan kemudian Kushans, the interaction of Greek and Buddhist culture flourished in the area of Gandhara, in today's northern Pakistan, before spreading further into India, influencing the art of Mathura, dan kemudian Hindu seni Empayar Gupta, which was to extend to the rest of South-East Asia. The influence of Greco-Buddhist art also spread northward towards Asia Tengah, strongly affecting the art of the Lembangan Tarim dan juga Gua Dunhuang, and ultimately the sculpted figure in China, Korea, and Japan.[93]

China

Duduk Bodhisattva Guanyin, kayu dan pigmen, abad ke-11, Dinasti Song Utara.

Gangsa ritual Cina daripada Shang dan Dinasti Zhou Barat berasal dari jangka masa lebih dari seribu tahun dari c. 1500 SM, dan telah terus mempengaruhi Seni cina. Mereka dilemparkan dengan corak kompleks dan zumorfik hiasan, tetapi hindari sosok manusia, tidak seperti tokoh besar yang baru ditemui di Sanxingdui.[94] Yang luar biasa Tentera Darat Terakota dikumpulkan untuk kubur Qin Shi Huang, maharaja pertama dari China yang bersatu dari tahun 221 hingga 210 SM, sebagai tokoh imperialis dari tokoh-tokoh yang lama ditempatkan di kubur untuk membolehkan si mati menikmati gaya hidup yang sama di akhirat seperti ketika masih hidup, menggantikan pengorbanan sebenarnya pada masa-masa awal. Tokoh-tokoh yang lebih kecil di tembikar atau kayu ditempatkan di kubur selama berabad-abad kemudian, mencapai puncak kualiti di Tokoh makam dinasti Tang.[95] Tradisi tokoh tembikar yang luar biasa besar berlanjutan di China, melalui Tang sancai patung-patung makam kepada patung-patung Buddha kemudiannya seperti set ukuran hampir seukuran Luohans tembikar kaca Yixian dan kemudian angka untuk kuil dan makam. Ini datang untuk menggantikan kayu yang setara sebelumnya.

Agama Cina asli biasanya tidak menggunakan gambar kultus dewa, atau bahkan mewakili mereka, dan arca keagamaan besar hampir semua Buddha, berasal dari abad ke-4 hingga ke-14, dan pada mulanya menggunakan model-model Yunani-Buddha yang tiba melalui Laluan Sutera. Buddhisme juga merupakan konteks semua patung potret besar; sama sekali berbeza dengan beberapa kawasan lain, di China abad pertengahan malah gambar maharaja yang dilukis dianggap sebagai peribadi. Makam kekaisaran memiliki jalan pendekatan yang spektakuler yang dilapisi binatang nyata dan mitologi pada skala yang sesuai dengan Mesir, dan versi yang lebih kecil menghiasi kuil dan istana.[96]

Tokoh dan kumpulan Buddha kecil dihasilkan dengan kualitas yang sangat tinggi dalam pelbagai media,[97] seperti hiasan lekapan dari semua jenis benda, terutama pada logam dan jed.[98] Pada masa-masa sebelumnya, sejumlah besar patung dipotong dari batu hidup di kompleks gua ziarah, dan seperti di luar relief batu. Ini kebanyakannya dilukis pada asalnya. Berbeza dengan literati pelukis, pengukir dari pelbagai jenis dianggap sebagai tukang dan sangat sedikit nama yang dicatatkan.[99] Daripada Dinasti Ming dan seterusnya, patung-patung tokoh agama dan sekular dihasilkan di Porselin cina dan media lain, yang menjadi eksport penting.

Jepun

Menjelang akhir yang panjang Neolitik Tempoh Jōmon, beberapa kapal tembikar "dilekatkan api" dengan peluasan yang berlebihan ke pelek yang hanya dapat disebut patung,[102] dan tembikar yang sangat bergaya dogū gambar dihasilkan, banyak yang mempunyai ciri "salji kacamata". Dalam tempoh Kofun abad ke-3 hingga ke-6 Masihi, haniwa Tokoh terakota manusia dan haiwan dengan gaya sederhana didirikan di luar makam penting. Kedatangan agama Buddha pada abad ke-6 membawa tradisi canggih dalam seni arca, gaya Cina dimediasi melalui Korea. Abad ke-7 Hōryū-ji dan kandungannya bertahan lebih utuh daripada kuil Buddha Asia Timur pada zamannya, dengan karya-karya termasuk Triniti Shaka dari 623 dalam gangsa, menunjukkan Buddha bersejarah diapit oleh dua bodhisattva dan juga Raja-raja Penjaga Empat Arah.[103]

Imej kayu (abad ke-9) Shakyamuni, Buddha "bersejarah", diabadikan di sebuah bangunan sekunder di Murō-ji, khas dari awal Heian patung, dengan badannya yang penuh perhatian, ditutupi lipatan kain tirai tebal yang diukir dengan gaya hompa-shiki (gelombang bergulir), dan ekspresi wajahnya yang menarik. The Sekolah Kei pengukir, terutamanya Unkei, mencipta gaya patung baru yang lebih realistik.

Hampir semua patung besar yang besar di Jepun adalah Buddha, dengan beberapa Shinto setara, dan setelah Buddhisme merosot di Jepun pada abad ke-15, arca monumental menjadi hiasan seni bina sebahagian besarnya dan kurang ketara.[104] Walau bagaimanapun, karya seni seni hiasan dikembangkan ke tahap pencapaian teknikal dan penyempurnaan yang luar biasa dalam objek kecil seperti inro dan netsuke dalam banyak bahan, dan logam tosogu atau Pemasangan pedang Jepun. Pada abad ke-19 terdapat industri eksport patung-patung gangsa kecil yang sangat bernilai, patung gading dan porselin, dan jenis patung kecil lain, yang semakin menekankan pencapaian teknikal.

India

Hindu Gupta terakota lega, abad ke-5 M, dari Krishna Membunuh Iblis Kuda Keshi

Yang pertama dikenali arca di benua kecil India adalah dari Tamadun Lembah Indus (3300-1700 SM), terdapat di laman web di Mohenjo-daro dan Harappa pada zaman moden Pakistan. Ini termasuk penari wanita gangsa kecil yang terkenal. Walau bagaimanapun, patung-patung seperti itu dalam gangsa dan batu jarang ditemui dan jumlahnya lebih banyak oleh patung-patung tembikar dan anjing laut, yang sering digambarkan oleh haiwan atau dewa. Selepas keruntuhan peradaban Lembah Indus terdapat sedikit catatan patung hingga era Buddha, selain dari timbunan tembaga tokoh (agak kontroversial) c. 1500 SM dari Daimabad.[105] Oleh itu, tradisi besar arca monumental India di batu mulai, relatif dengan budaya lain, dan perkembangan peradaban India, agak lewat, dengan pemerintahan Asoka dari 270 hingga 232 SM, dan Tiang Ashoka ia didirikan di sekitar India, membawa perintahnya dan dihiasi oleh patung-patung binatang terkenal, kebanyakan singa, di mana enam daripadanya masih hidup.[106] Sebilangan besar arca kiasan, yang kebanyakannya melegakan, terselamat dari stupa ziarah Buddha awal, yang terpenting Sanchi; ini mungkin berkembang dari tradisi menggunakan kayu yang juga dipeluk Agama Hindu.[107]

Hindu batu pasir merah jambu, Jain dan patung Buddha dari Mathura dari abad ke-1 hingga ke-3 CE mencerminkan kedua-dua tradisi asli India dan pengaruh Barat yang diterima melalui seni Gandhara-Buddha Buddha, dan secara berkesan menjadi asas bagi arca keagamaan India berikutnya.[107] Gaya ini dikembangkan dan disebarkan ke seluruh India di bawah Empayar Gupta (c. 320–550) yang tetap menjadi masa "klasik" untuk patung India, yang meliputi yang sebelumnya Gua Ellora,[108] walaupun Gua Elephanta mungkin sedikit kemudian.[109] Kemudian arca berskala besar tetap hampir secara eksklusif beragama, dan umumnya agak konservatif, sering beralih kepada pose berdiri depan yang sederhana untuk dewa, walaupun roh yang hadir seperti apsaras dan yakshi selalunya mempunyai pose melengkung secara sensual. Ukiran selalunya sangat terperinci, dengan sokongan yang rumit di belakang tokoh utama yang lega. Gangsa yang diraikan Chola dinasti (sekitar 850–1250) dari India selatan, banyak dirancang untuk dibawa dalam perarakan, termasuk bentuk ikonik Siwa sebagai Nataraja,[110] dengan ukiran granit besar Mahabalipuram bertarikh dari sebelumnya Pallava dinasti.[111]

Asia Tenggara

Khmer abad ke-9 lintel

Patung di daerah ini cenderung ditandai dengan hiasan yang tinggi, seperti yang terlihat di monumen besar Hindu dan Buddha Arca Khmer (Abad ke-9 hingga ke-13) di Angkor Wat dan di tempat lain, kompleks Buddha abad ke-9 yang sangat besar di Borobudur dalam Jawa, dan monumen Hindu di Bali.[112] Kedua-duanya merangkumi banyak kelegaan serta angka dalam pusingan; Borobudur mempunyai 2.672 panel pelindung, 504 patung Buddha, kebanyakannya separuh tersembunyi di kawasan terbuka stupa, dan banyak tokoh penjaga besar.

Di Thailand dan Laos, arca adalah terutamanya Gambar Buddha, sering disepuh, baik untuk kuil dan biara, dan patung kecil untuk rumah persendirian. Arca tradisional di Myanmar muncul sebelum Zaman Bagan. Seperti di tempat lain di rantau ini, sebahagian besar patung kayu pada zaman Bagan dan Ava telah hilang.

Tradisional Anitist patung-patung dari Filipina didominasi oleh reka bentuk Anitist yang menggambarkan medium yang digunakan dan budaya yang terlibat, sambil diserlahkan oleh persekitaran di mana patung-patung tersebut biasanya diletakkan. Arca Kristian dan Islam dari Filipina mempunyai motif yang berbeza berbanding dengan patung Kristian dan Islam yang lain di tempat lain. Pada masa-masa kemudian pengaruh Cina didominasi di Vietnam, Laos dan Kemboja, dan lebih banyak patung kayu bertahan dari seberang wilayah.

Islam

Gading dengan jejak cat, abad ke-11-12, Mesir

Islam adalah terkenal dengan anikonik, jadi sebahagian besar arca adalah arabesque hiasan dalam bentuk lega atau terbuka, berdasarkan motif sayur, tetapi cenderung kepada bentuk abstrak geometri. Pada peringkat awal Mshatta Fasad (740-an), sekarang kebanyakannya di Berlin, terdapat haiwan di dalam arabesque yang lebat, dan angka haiwan dan lelaki dengan lekapan yang rendah dijumpai bersama dengan hiasan pada banyak potongan kemudian dalam pelbagai bahan, termasuk logam, gading dan seramik.[113]

Angka-angka haiwan dalam pusingan sering diterima untuk karya yang digunakan dalam konteks peribadi jika objek itu jelas praktikal, sehingga seni Islam abad pertengahan mengandung banyak haiwan logam yang akuarium, kemenyan pembakar atau penyokong air pancut, seperti di singa batu yang menyokong yang terkenal di Alhambra, memuncak pada tokoh haiwan Islam abad pertengahan terbesar yang dikenali, Pisa Griffin. Dengan cara yang sama, kemewahan ukiran batu keras seperti belati dan cawan boleh dibentuk sebagai haiwan, terutamanya di Seni Mughal. Tahap penerimaan kelonggaran peraturan Islam yang ketat ini berbeza antara jangka waktu dan wilayah, dengan Islam Sepanyol, Parsi dan India sering membawa kelonggaran, dan biasanya paling tinggi dalam konteks kesopanan.[114]

Afrika

Topeng dari Gabon
Dua Chiwara c. akhir abad ke-19 awal abad ke-20, Institut Seni Chicago. Gaya menegak wanita (kiri) dan lelaki

Dari segi sejarah, dengan pengecualian beberapa patung Mesir yang monumental, kebanyakan arca Afrika dihasilkan dari kayu dan bahan organik lain yang tidak bertahan dari awal beberapa abad yang lalu; tokoh tembikar yang lebih tua dijumpai dari sebilangan kawasan. Topeng adalah elemen penting dalam seni banyak orang, bersama dengan tokoh manusia, sering bergaya. Terdapat banyak gaya, sering bervariasi dalam konteks asal yang sama bergantung pada penggunaan objek, tetapi kecenderungan wilayah yang luas terlihat; arca adalah yang paling biasa di kalangan kumpulan penanam yang menetap di kawasan yang dikeringkan oleh Niger dan Sungai Congo"di Afrika Barat.[115] Gambaran langsung dewa agak jarang, tetapi topeng khususnya atau sering dibuat untuk upacara keagamaan; hari ini banyak dibuat untuk pelancong sebagai "seni lapangan terbang".[116] Topeng Afrika mempengaruhi orang Eropah Modenis seni, yang diilhamkan oleh kurangnya perhatian mereka terhadap penggambaran naturalistik.

The Nubian Kerajaan Kush di Sudan moden menjalin hubungan dekat dan sering bermusuhan dengan Mesir, dan menghasilkan patung monumental yang kebanyakannya berasal dari gaya ke utara. Di Afrika Barat, arca yang paling awal diketahui berasal dari Budaya Nok yang berkembang antara 500 SM dan 500 CE di Nigeria moden, dengan bentuk tanah liat biasanya dengan badan memanjang dan bentuk sudut. Kemudian budaya Afrika Barat mengembangkan pemutus gangsa untuk hiasan untuk menghiasi istana seperti yang terkenal Benin Gangsa, dan kepala kerajaan naturalistik yang sangat baik dari sekitar Yoruba bandar Sekiranya di terakota dan logam dari abad ke-12 hingga ke-14. Akan naik emas adalah bentuk patung logam kecil yang dihasilkan selama 1400-1900, beberapa nampaknya mewakili peribahasa dan begitu juga dengan unsur naratif yang jarang terdapat pada patung Afrika, dan kerajaan diraja merangkumi elemen ukiran emas yang mengagumkan.[117]

Banyak tokoh Afrika Barat digunakan dalam upacara keagamaan dan sering dilapisi dengan bahan-bahan yang diletakkan di atasnya untuk upacara persembahan. The Mande-bercakap di kawasan yang sama membuat kepingan kayu dengan permukaan yang luas dan rata serta lengan dan kaki berbentuk seperti silinder. Namun, di Afrika Tengah, ciri-ciri utama yang membezakan termasuk wajah berbentuk hati yang melengkung ke dalam dan memperlihatkan corak bulatan dan titik.

Penduduk di Tasik Besar Afrika tidak terkenal dengan patung mereka.[115] Namun, salah satu gaya dari wilayah ini adalah patung tiang, diukir dalam bentuk manusia dan dihiasi dengan bentuk geometri, sementara bagian atasnya diukir dengan gambar binatang, manusia, dan berbagai benda. Tiang-tiang ini, kemudian, diletakkan di sebelah kubur dan dikaitkan dengan kematian dan dunia leluhur. Budaya yang dikenali dari Zimbabwe yang hebat meninggalkan bangunan yang lebih mengagumkan daripada patung tetapi lapan batu sabun Burung Zimbabwe nampaknya mempunyai arti khas dan dipasang di monolit. Pengukir Zimbabwe moden di batu sabun telah dicapai kejayaan antarabangsa yang besar. Tokoh tanah liat tertua di Afrika Selatan berasal dari 400 hingga 600 CE dan mempunyai kepala silinder dengan campuran ciri manusia dan haiwan.

Ethiopia dan Eritrea

Penciptaan arca di Ethiopia dan Eritrea dapat ditelusuri kembali ke masa lalu kuno dengan kerajaan Dʿmt dan Aksum. Seni Kristian ditubuhkan di Ethiopia dengan penukaran dari paganisme ke Agama Kristian pada abad ke-4 Masihi, semasa pemerintahan raja Ezana dari Axum.[118] Citra Kristiani menghiasi gereja-gereja pada zaman Asksumite dan era kemudian.[119] Sebagai contoh, di Lalibela, Saiz hidup orang kudus diukir ke Gereja Bet Golgotha; mengikut tradisi ini dibuat semasa pemerintahan kerajaan Zagwe pembaris Gebre Mesqel Lalibela pada abad ke-12, tetapi kemungkinan besar mereka dibuat pada abad ke-15 pada abad Dinasti Solomon.[120] Walau bagaimanapun Gereja Saint George, Lalibela, salah satu daripada beberapa contoh seni bina potongan batu di Lalibela yang mengandungi ukiran yang rumit, dibina pada abad ke-10 hingga ke-13 seperti yang dibuktikan oleh arkeologi.[121]

Sudan

Dalam Sudan kuno, pengembangan patung terbentang dari tembikar sederhana dari Budaya Kerma bermula sekitar 2500 SM hingga patung dan seni bina monumental Kerajaan Kush, fasa terakhirnya - yang Tempoh meroit- sekitar 350 M (dengan penaklukannya oleh Aksum Ethiopia).[122][123] Di luar barang tembikar, budaya Kerma juga membuat perabot yang berisi patung, seperti kuku lembu emas sebagai kaki tempat tidur.[122] Patung semasa Kerajaan Kush termasuk patung-patung berukuran penuh (terutama raja dan ratu), patung-patung yang lebih kecil (yang paling sering menggambarkan hamba kerajaan), dan relief pada batu, yang dipengaruhi oleh tradisi arca Mesir kuno kontemporari.[124][125]

Benua Amerika

Arca di Amerika Latin yang kini dikembangkan di dua kawasan yang terpisah dan berbeza, Mesoamerika di utara dan Peru di selatan. Di kedua-dua kawasan itu, arca pada mulanya adalah batu, dan kemudian terakota dan logam kerana tamadun di kawasan ini menjadi lebih mahir dari segi teknologi.[126] The Wilayah Mesoamerika menghasilkan lebih banyak patung monumental, dari karya besar seperti blok Olmec dan Toltec budaya, hingga rendah kelegaan yang mencirikan Mayan dan Aztec budaya. Di wilayah Andean, patung biasanya kecil, tetapi sering menunjukkan kemahiran yang luar biasa.

Pra-Columbia

Melangkah ke arah seni moden

Amerika Utara

James panel, dari reredos di Gereja Cristo Rey, Santa Fe, New Mexico, c. 1760

Di Amerika Utara, kayu dipahat untuk tiang totem, topeng, perkakas, Sampan perang dan pelbagai kegunaan lain, dengan variasi yang berbeza antara budaya dan wilayah yang berbeza. Gaya yang paling maju adalah gaya Pantai Barat Laut Pasifik, di mana sekumpulan gaya formal yang terperinci dan terperinci berkembang membentuk asas tradisi yang berterusan hingga kini. Selain tiang totem yang terkenal, dicat dan diukir depan rumah dilengkapi dengan tiang ukiran di dalam dan luar, serta angka mayat dan barang-barang lain. Antara Inuit dari utara, gaya ukiran tradisional di gading dan batu sabun masih diteruskan.[127]

Kedatangan budaya Katolik Eropah dengan mudah menyesuaikan kemahiran tempatan dengan yang berlaku Barok gaya, menghasilkan sangat terperinci retablos dan ukiran gereja yang lain dalam pelbagai gaya hibrid.[128] Contoh yang paling terkenal di Kanada adalah kawasan mezbah di Basilika Notre Dame di Montreal, Quebec, yang diukir oleh petani tempat tinggal buruh. Kemudian, para seniman yang dilatih dalam tradisi akademik Barat mengikuti gaya Eropah sehingga pada akhir abad ke-19 mereka mula menarik kembali pengaruh pribumi, terutamanya dalam gaya groque barok Mexico yang dikenali sebagai Churrigueresque. Orang asli juga menyesuaikan patung gereja dalam variasi pada Tukang kayu Gothic; satu contoh terkenal ialah Gereja Salib Suci dalam Mata Air Panas Skookumchuck, British Columbia.

Sejarah arca di Amerika Syarikat setelah kedatangan orang Eropah mencerminkan asas negara abad ke-18 di Rom nilai sivik republik dan Kristian Protestan. Berbanding dengan kawasan yang dijajah oleh orang Sepanyol, patung ini bermula dengan sangat perlahan di jajahan Inggeris, tanpa tempat di gereja, dan hanya didorong oleh keperluan untuk menegaskan kewarganegaraan setelah merdeka. Arca Amerika pada pertengahan hingga akhir abad ke-19 sering klasik, sering romantis, tetapi menunjukkan kecenderungan untuk realisme kewartawanan, naratif dan dramatis. Bangunan awam pada suku terakhir abad ke-19 dan separuh pertama abad ke-20 sering memberikan suasana seni bina untuk patung, terutama yang berbentuk relief. Menjelang tahun 1930-an Gaya Antarabangsa seni bina dan reka bentuk dan hiasan seni dicirikan oleh karya Paul Manship dan Lee Lawrie dan yang lain menjadi popular. Menjelang tahun 1950-an, pendidikan seni ukiran tradisional akan hampir sepenuhnya digantikan oleh a Bauhaus-pengaruh yang terpengaruh untuk abstrak reka bentuk. Minimalis patung menggantikan gambar di tempat awam dan arkitek hampir berhenti menggunakan patung di dalam atau pada reka bentuk mereka. Pemahat moden (abad ke-21) menggunakan reka bentuk yang diilhami klasik dan abstrak. Bermula pada tahun 1980-an, terdapat perubahan ke arah patung-patung awam yang kiasan; menjelang tahun 2000, banyak karya awam baru di Amerika Syarikat adalah reka bentuk kiasan.

Abad ke-19 - awal abad ke-20, Modernisme awal dan realisme berterusan

Edgar Degas, Penari Kecil Empat Belas Tahun, dilakonkan pada tahun 1922 dari patung media campuran yang dimodelkan c. 1879–80, Gangsa, sebahagian berwarna, dengan kapas

Klasikisme moden berbeza dengan banyak cara dengan patung klasik abad ke-19 yang dicirikan oleh komitmen terhadap naturalisme (Antoine-Louis Barye) - melodramatik (François Rudesentimentaliti (Jean-Baptiste Carpeaux) - atau semacam kebesaran yang megah (Tuan Leighton). Beberapa arah yang berbeza dalam tradisi klasik diambil seiring abad, tetapi kajian mengenai model langsung dan tradisi pasca-Renaissance masih mendasar bagi mereka.Auguste Rodin adalah pemahat Eropah yang paling terkenal pada awal abad ke-20.[129][130] Dia sering dianggap sebagai patung Impresionis, seperti pelajarnya termasuk Camille Claudel, dan Hugo Rheinhold, mencuba model masa seketika kehidupan biasa.Klasik moden menunjukkan minat yang kurang pada naturalisme dan minat yang lebih besar dalam gaya formal. Perhatian yang lebih besar diberikan kepada irama kelantangan dan ruang - serta perhatian yang lebih besar terhadap kualiti permukaan yang berbeza (terbuka, tertutup, planar, pecah dll) sementara kurang perhatian diberikan kepada perincian bercerita dan meyakinkan mengenai anatomi atau kostum . Perhatian yang lebih besar diberikan kepada kesan psikologi daripada realisme fizikal, dan pengaruh dari gaya sebelumnya di seluruh dunia digunakan.

Tuan awal klasikisme moden merangkumi: Aristide Maillol, Alexander Matveyev, Joseph Bernard, Antoine Bourdelle, Georg Kolbe, Libero Andreotti, Gustav Vigeland, Jan Stursa, Constantin Brâncuși. Ketika abad semakin maju, klasikisme moden diadopsi sebagai gaya kebangsaan dua kerajaan totaliter Eropah yang hebat: Nazi Jerman dan Soviet Soviet, yang memilih karya artis terdahulu seperti Kolbe dan Wilhelm Lehmbruck di German[131] dan Matveyev di Rusia. Selama 70 tahun Uni Soviet, para pemahat generasi baru dilatih dan dipilih dalam sistem mereka, dan gaya yang berbeza, realisme sosialis, dikembangkan, yang kembali kepada penekanan abad ke-19 pada melodrama dan naturalisme.

Latihan klasik berakar dari pendidikan seni di Eropah Barat (dan Amerika) pada tahun 1970 dan varian klasik abad ke-20 dipinggirkan dalam sejarah modenisme. Tetapi klasikisme terus menjadi landasan pendidikan seni di akademi Soviet hingga tahun 1990, yang menjadi landasan untuk seni figuratif ekspresif di seluruh Eropah timur dan bahagian Timur Tengah. Menjelang tahun 2000, tradisi klasik Eropah tetap menarik perhatian masyarakat tetapi menunggu tradisi pendidikan untuk menghidupkan kembali perkembangannya yang moden.

Sebilangan klasik moden menjadi lebih hiasan / art deco (Paul Manship, Jose de Creeft, Carl Milles) atau lebih bergaya abstrak atau lebih ekspresif (dan Gothic) (Anton Hanak, Wilhelm Lehmbruck, Ernst Barlach, Arturo Martini) —Atau beralih ke Renaissance (Giacomo Manzù, Venanzo Crocetti) atau tetap sama (Charles Despiau, Marcel Gimond).

Modenisme

Gaston Lachaise, Rajah Terapung 1927, gangsa, No. 5 dari edisi 7, Galeri Nasional Australia

Modenis pergerakan arca merangkumi Kubisme, Pengabstrakan geometri, De Stijl, Suprematisme, Konstruktivisme, Dadaisme, Surrealisme, Futurisme, Formalisme Ekspresionisme abstrak, Seni Pop, Minimalisme, Seni tanah, dan Seni pemasangan dalam kalangan yang lain.

Henry Moore, Rajah Berbaring Besar, 1984 (berdasarkan model yang lebih kecil pada tahun 1938), Muzium Fitzwilliam, Cambridge

Pada awal abad ke-20, Pablo Picasso merevolusikan seni arca ketika dia mula mencipta karya seni pembinaan dibuat dengan menggabungkan objek dan bahan yang berbeza menjadi satu patung yang dibina; setara arca dari kolaj dalam seni dua dimensi. Munculnya Surrealisme menyebabkan sesuatu yang kadang-kadang digambarkan sebagai "patung" yang tidak mungkin seperti sebelumnya, seperti "patung tidak sengaja" dalam beberapa deria, termasuk cengkaman. Pada tahun-tahun kemudian Picasso menjadi produktif tembikar, memimpin, dengan minat pada tembikar bersejarah dari seluruh dunia, untuk kebangkitan semula seni seramik, dengan angka seperti George E. Ohr dan seterusnya Peter Voulkos, Harga Kenneth, dan Robert Arneson. Marcel Duchamp bermula penggunaan "objek yang dijumpai"(Bahasa Perancis: objet trouvé) atau siap sedia dengan kepingan seperti Air pancut (1917).

Begitu juga dengan karya Constantin Brâncuși pada awal abad ini membuka jalan untuk arca abstrak kemudian. Dalam pemberontakan menentang naturalisme Rodin dan sezamannya pada akhir abad ke-19, Brâncuși menyusun topik-topik yang menjadi intinya seperti yang digambarkan oleh bentuk-bentuknya yang elegan Burung di Angkasa siri (1924).[132]

Kesan Brâncuși, dengan perbendaharaan kata pengurangan dan pengabaiannya, dilihat sepanjang tahun 1930-an dan 1940-an, dan dicontohkan oleh seniman seperti Gaston Lachaise, Tuan Jacob Epstein, Henry Moore, Alberto Giacometti, Joan Miró, Julio González, Pablo Serrano, Jacques Lipchitz[133] dan pada tahun 1940-an arca abstrak dipengaruhi dan dikembangkan oleh Alexander Calder, Len Lye, Jean Tinguely, dan Frederick Kiesler yang merupakan perintis Seni kinetik.

Para pengukir moden sebahagian besarnya kehilangan lonjakan besar dalam seni awam hasil daripada permintaan untuk peringatan perang untuk dua Perang Dunia, tetapi dari tahun 1950-an orang awam dan badan pentadbir menjadi lebih selesa dengan arca Modernis dan komisen awam yang besar baik yang abstrak dan kiasan menjadi biasa. Picasso ditugaskan untuk membuat a maquette untuk patung awam setinggi 50 kaki (15 m), yang disebut Chicago Picasso (1967). Reka bentuknya samar-samar dan agak kontroversial, dan apa yang ditunjukkan oleh tokoh itu tidak jelas; ia boleh menjadi burung, kuda, wanita atau bentuk yang sangat abstrak.

Pada akhir 1950-an dan 1960-an pengukir abstrak mula bereksperimen dengan pelbagai jenis bahan baru dan pendekatan yang berbeza untuk membuat karya mereka. Citra surealis, pengabstrakan antropomorfik, bahan baru dan kombinasi sumber tenaga baru dan permukaan dan objek yang bervariasi menjadi ciri khas arca modernis. Projek kolaborasi dengan pereka landskap, arkitek, dan arkitek lanskap memperluas laman luar dan integrasi kontekstual. Artis seperti Isamu Noguchi, David Smith, Alexander Calder, Jean Tinguely, Richard Lippold, George Rickey, Louise Bourgeois, dan Louise Nevelson datang untuk mencirikan rupa arca moden.

Menjelang tahun 1960-an Ekspresionisme abstrak, Pengabstrakan geometri dan Minimalisme, yang menjadikan patung menjadi ciri yang paling penting dan mendasar, didominasi. Beberapa karya pada zaman itu adalah: karya Cubi David Smith, dan karya keluli dikimpal dari Tuan Anthony Caro, begitu juga patung yang dikimpal oleh sebilangan besar pemahat, karya berskala besar John Chamberlain, dan skala pemasangan persekitaran berfungsi oleh Mark di Suvero. Minimalis lain termasuk Tony Smith, Donald Judd, Robert Morris, Anne Truitt, Giacomo Benevelli, Arnaldo Pomodoro, Richard Serra, Dan Flavin, Carl Andre, dan John Lebih Selamat yang menambahkan gerakan dan monumen ke tema kesucian garis.[134]

Pada tahun 1960-an dan 1970-an arca kiasan oleh seniman moden dalam bentuk bergaya dibuat oleh seniman seperti Leonard Baskin, Ernest Trova, George Segal, Marisol Escobar, Paul Thek, Robert Graham dalam gaya artikulasi klasik, dan Fernando Botero membawa 'figur besar' lukisannya menjadi patung monumental.

Galeri arca moden

Pergerakan kontemporari

Christo dan Jeanne-Claude, Payung 1991, Jepun[135]
Peranti untuk Root Out Evil (1997) arca oleh Dennis Oppenheim di
Palma de Mallorca, Plaça de la Porta de Santa Catalina

Tapak khusus dan seni alam sekitar karya diwakili oleh artis: Andy Goldsworthy, Walter De Maria,[136] Richard Long, Richard Serra, Robert Irwin,[137] George Rickey dan Christo dan Jeanne-Claude mengetuai arca abstrak kontemporari ke arah baru. Artis dicipta arca persekitaran di laman web yang luas di 'seni tanah di Amerika Barat'kumpulan projek. Ini seni tanah atau karya seni tanah berskala alam sekitar yang dicontohkan oleh seniman seperti Robert Smithson, Michael Heizer, James Turrell (Kawah Roden). Eva Hesse, Sol LeWitt, Jackie Winsor, Keith Sonnier, Bruce Nauman dan Dennis Oppenheim antara lain adalah perintis Postminimalis patung.

Juga pada tahun 1960-an dan 1970-an seniman yang pelbagai Eduardo Paolozzi, Chryssa, Claes Oldenburg, George Segal, Edward Kienholz, Nam June Paik, Wolf Vostell, Duane Hanson, dan John DeAndrea meneroka abstraksi, imejan dan kiasan melalui seni video, persekitaran, arca cahaya, dan seni pemasangan dengan cara baru.

Seni konsep adalah seni di mana konsep atau idea yang terlibat dalam karya lebih diutamakan daripada kebimbangan estetika dan material tradisional. Kerja merangkumi Kerusi Satu dan Tiga, 1965, adalah oleh Joseph Kosuth, dan Pokok Oak oleh Michael Craig-Martin, dan yang Joseph Beuys, James Turrell dan Jacek Tylicki.

Minimalisme

Postminimalisme

Genre kontemporari

Jeti Spiral oleh Robert Smithson, pada tahun 2005

Beberapa bentuk patung moden kini dipraktikkan di luar rumah, seperti seni alam sekitar dan arca persekitaran, selalunya dalam pandangan penuh penonton. Arca ringan, arca seni jalanan dan seni khusus laman web juga sering memanfaatkan persekitaran. Arca ais adalah bentuk patung sementara yang menggunakan ais sebagai bahan mentah. Ia popular di China, Jepun, Kanada, Sweden, dan Rusia. Arca ais terdapat hiasan dalam beberapa masakan, terutama di Asia. Arca kinetik adalah patung yang dirancang untuk bergerak, yang merangkumi telefon bimbit. Patung salji biasanya diukir dari satu blok salji sekitar 6 hingga 15 kaki (1,8 hingga 4,6 m) di setiap sisi dan berat sekitar 20-30 ton. Salji dikemas padat ke dalam bentuk setelah dihasilkan dengan cara buatan atau dikumpulkan dari tanah setelah salji turun. Arca bunyi mengambil bentuk pemasangan bunyi dalaman, pemasangan luaran seperti kecapi Aeolian, automatik, atau lebih kurang alat muzik konvensional. Arca bunyi selalunya khusus untuk laman web. Mainan seni telah menjadi format lain untuk seniman kontemporari sejak akhir 1990-an, seperti yang dihasilkan oleh Takashi Murakami dan Robot Kanak-kanak, direka oleh Michael Lau, atau buatan tangan oleh Michael Leavitt (artis).[138]

Pemuliharaan

Kerosakan yang ketara kerana hujan asid pada patung

Arca sensitif terhadap keadaan persekitaran seperti suhu, kelembapan dan pendedahan kepada cahaya dan cahaya ultraviolet. Hujan asid juga boleh menyebabkan kerosakan pada bahan binaan dan monumen bersejarah tertentu. Ini terhasil apabila asid sulfurik dalam hujan bertindak balas secara kimia dengan sebatian kalsium di dalam batu (batu kapur, batu pasir, marmar dan granit) untuk mencipta gipsum, yang kemudian mengelupas.

Pada bila-bila masa, banyak patung kontemporari biasanya dipamerkan di tempat awam; kecurian tidak menjadi masalah kerana kepingan itu dapat dikenali dengan serta-merta. Pada awal abad ke-21 nilai logam meningkat sehingga kecurian patung gangsa besar-besaran untuk nilai logam menjadi masalah; patung bernilai berjuta-juta dicuri dan dicairkan untuk nilai logam yang agak rendah, sebahagian kecil dari nilai karya seni itu.[139]

Lihat juga

Catatan

  1. ^ en.museicapitolini.org (dalam bahasa Itali).
  2. ^ a b "Dewa-dewa Berwarna: Patung Lukisan Kuno Klasik" September 2007 hingga Januari 2008, Muzium Arthur M. Sackler Diarkibkan 4 Januari 2009, di Mesin Wayback
  3. ^ a b Lihat misalnya Martin Robertson, Sejarah seni Yunani yang lebih pendek, hlm. 9, Cambridge University Press, 1981, ISBN 978-0-521-28084-6
  4. ^ NGA, Washington tampil di pameran.
  5. ^ The Ptolemies memulakan tradisi Hellenistik mengenai potret penguasa pada duit syiling, dan orang Rom mula menunjukkan ahli politik yang mati pada abad ke-1 SM, dengan Julius Caesar tokoh hidup pertama yang digambarkan; di bawah maharaja potret keluarga Imperial menjadi standard. Lihat Burnett, 34–35; Howgego, 63–70.
  6. ^ Artikel oleh Morris Cox.
  7. ^ Sebahagian Dewa Berwarna pameran. Pameran Harvard Diarkibkan 2014-10-06 di Mesin Wayback
  8. ^ Masak, 147; dia menyatakan bahawa penyalin Yunani kuno sepertinya telah menggunakan lebih sedikit poin daripada yang lain kemudian, dan salinannya sering berbeza dalam komposisi dan juga hasilnya.
  9. ^ "Animasi kilat proses pemutus lilin hilang". Arca James Peniston. Diperoleh 30 November, 2008.
  10. ^ Ravi, B. (2004). "Penuangan Logam - Gambaran Keseluruhan" (PDF). Biro Kecekapan Tenaga, India. Jurnal Cite memerlukan | jurnal = (menolong)
  11. ^ Muzium Britain - Piala Lycurgus.
  12. ^ Williams, Arthur (2005). Rujukan Arca Diilustrasikan. Gulfport, MS. hlm. 179. ISBN 978-0-9755383-0-2.
  13. ^ Muzium V&A, Teknik patung: pemodelan di tanah liat Diarkibkan 2 Ogos 2012, di Mesin Wayback, diakses pada 31 Ogos 2012.
  14. ^ Rawson, 140–44; Frankfort 112–13; Henig, 179–80.
  15. ^ Rawson, 134–35.
  16. ^ Burford, Alison, "Yunani, kuno, §IV, 1: Patung monumental: Gambaran keseluruhan, 5 c)" dalam Oxford Art Dalam Talian, diakses pada 24 Ogos 2012.
  17. ^ Olsen, 150–51; Tumpul.
  18. ^ Perpustakaan maya Yahudi, Sejarah arca Yahudi.
  19. ^ P. Mellars, Arkeologi dan Penyebaran Manusia Moden di Eropah: Membongkar Aurignacian, Antropologi Evolusi, jilid 15 (2006), hlm. 167–82.
  20. ^ de Laet, Sigfried J. (1994). Sejarah Kemanusiaan: Prasejarah dan permulaan tamadun. UNESCO. hlm. 211. ISBN 978-92-3-102810-6.
  21. ^ Cook, J. (2013) Seni Zaman Ais: kedatangan minda moden, Muzium British, ISBN 978-0-7141-2333-2.
  22. ^ Sandar, 8–16, 29–31.
  23. ^ Hahn, Joachim, "Eropah Prasejarah, §II: Palaeolitik 3. Seni mudah alih" dalam Oxford Art Dalam Talian, diakses pada 24 Ogos 2012; Sandar, 37–40.
  24. ^ Kleiner, Fred (2009). Seni Gardner melalui Zaman: Perspektif Barat, Jilid 1. hlm. 36. ISBN 978-0-495-57360-9.
  25. ^ Sandar, 75–80.
  26. ^ Sandar, 253−57, 183−85.
  27. ^ Frankfort, 24–37.
  28. ^ Frankfort, 45–59.
  29. ^ Frankfort, 61–66.
  30. ^ Frankfort, Bab 2–5.
  31. ^ Frankfort, 110–12.
  32. ^ Frankfort, 66–74.
  33. ^ Frankfort, 71–73.
  34. ^ Frankfort, 66–74, 167.
  35. ^ Frankfort, 141–93.
  36. ^ Smith, 33.
  37. ^ Smith, 12–13 dan nota 17.
  38. ^ Smith, 21–24.
  39. ^ Smith, 170–78, 192–94.
  40. ^ Smith, 102–03, 133–34.
  41. ^ Smith, 4–5, 208–09.
  42. ^ Smith, 89–90.
  43. ^ gambar Getty Villa 85.AA.103
  44. ^ Masak, 72, 85–109; Ahli Dewan, 47-59
  45. ^ "Penyelidikan". Glyptoteket. Diperoleh 23 September, 2017.
  46. ^ "Warna Penjejakan". www.trackingcolour.com. Diperoleh 23 September, 2017.
  47. ^ Masak, 109–19; Ahli Dewan, 87–95.
  48. ^ Lapatin, Kenneth D.S., Phidias, Oxford Art Dalam Talian, diakses pada 24 Ogos 2012.
  49. ^ Masak, 119–31.
  50. ^ Masak, 131–41.
  51. ^ Alexander The Great and the Hellenistic Age, hlm. xiii. Hijau P. ISBN 978-0-7538-2413-9.
  52. ^ Masak, 142–56.
  53. ^ Masak, 142-54.
  54. ^ Masak, 155–58.
  55. ^ Kuat, 58–63; Hennig, 66–69.
  56. ^ Hennig, 24.
  57. ^ Henig, 66–69; Kuat, 36–39, 48; Pada perbicaraan Verres, bekas gabenor Sicily, CiceroPendakwaan memperincikan penyusutan koleksi seninya dengan panjang lebar.
  58. ^ Henig, 23–24.
  59. ^ Henig, 66–71.
  60. ^ Henig, 73–82; Kuat, 48–52, 80–83, 108–17, 128–32, 141–59, 177–82, 197–211.
  61. ^ Henig, Bab 6; Kuat, 303–15.
  62. ^ Henig, Bab 8.
  63. ^ Kuat, 171–76, 211–14.
  64. ^ Kitzinger, 9 (kedua-dua petikan), lebih umum Ch 1-nya; Kuat, 250–57, 264–66, 272–80.
  65. ^ Kuat, 287–91, 305–08, 315–18; Henig, 234–40.
  66. ^ Robinson, 12, 15.
  67. ^ Dodwell, Bab 2.
  68. ^ Calkins, 79–80, 90–102.
  69. ^ Calkins, 107–14.
  70. ^ Calkins, 115–32.
  71. ^ Kehormatan dan Fleming, 297–300; Henderson, 55, 82–84.
  72. ^ Olson, 11–24; Kehormatan dan Fleming, 304; Henderson, 41.
  73. ^ Snyder, 65–69.
  74. ^ Snyder, 305–11.
  75. ^ [1] Muzium V&A ciri di Nottingham alabaster Altarpiece Swansea.
  76. ^ Calkins, 193–98.
  77. ^ Cherry, 25–48; Henderson, 134–41.
  78. ^ Olson, 41–46, 62–63.
  79. ^ Olson, 45–52, dan lihat indeks.
  80. ^ Olson, 114–18, 149–50.
  81. ^ Olson, 149–50.
  82. ^ Olson, 103–10, 131–32.
  83. ^ Olson, Bab 8, 179–81.
  84. ^ Olson, 179–82.
  85. ^ Olson, 183–87.
  86. ^ Olson, 182–83.
  87. ^ Olson, 194–202.
  88. ^ Boucher, 134–42 di Kapel Cornaro; lihat indeks untuk Bernini secara amnya.
  89. ^ Boucher, 16–18.
  90. ^ Kehormatan dan Fleming, 450.
  91. ^ Kehormatan dan Fleming, 460–67.
  92. ^ Ahli Dewan, 370–78; Harle, 71–84.
  93. ^ Ahli Dewan, 370–78; Sickman, 85–90; Paine, 29–30.
  94. ^ Rawson, Bab 1, 135–36.
  95. ^ Rawson, 138–38.
  96. ^ Rawson, 135–45, 145–63.
  97. ^ Rawson, 163–65
  98. ^ Rawson, Bab 4 dan 6.
  99. ^ Rawson, 135.
  100. ^ a b Rawson, Jessica (1999). "Sistem Reka Bentuk dalam Seni Cina Awal". Orientasi: 52.
  101. ^ a b "Pemberitahuan Muzium Sejarah Shaanxi". Muzium Sejarah Shaanxi.
  102. ^ Sub-Tempoh Jomon Tengah Diarkibkan 2009-05-25 di Mesin Wayback, Muzium Sejarah Prefektur Niigata, diakses pada 15 Ogos 2012.
  103. ^ Paine & Soper, 30-31.
  104. ^ Paine & Soper, 121.
  105. ^ Harle, 17–20.
  106. ^ Harle, 22–24.
  107. ^ a b Harle, 26–38.
  108. ^ Harle, 87; Bahagian 2nya merangkumi tempoh.
  109. ^ Harle, 124.
  110. ^ Harle, 301–10, 325–27
  111. ^ Harle, 276–84.
  112. ^ Kehormatan & Fleming, 196–200.
  113. ^ Piotrovsky dan Rogers, 23, 26–27, 33–37.
  114. ^ Piotrovsky dan Rogers, 23, 33–37.
  115. ^ a b Kehormatan & Fleming, 557.
  116. ^ Kehormatan & Fleming, 559–61.
  117. ^ Kehormatan & Fleming, 556–61.
  118. ^ De Lorenzi (2015), hlm.15–16.
  119. ^ Briggs (2015), hlm. 242.
  120. ^ a b Briggs (2015), hlm. 331.
  121. ^ Sobania (2012), hlm. 462.
  122. ^ a b Harkless (2006), hlm. 174.
  123. ^ "Seni Nubian Diarkibkan 2018-05-28 di Mesin Wayback". Muzium Seni Halus, Boston. Diakses pada 28 Mei 2018.
  124. ^ Harkless (2006), hlm. 174–75.
  125. ^ Mac 2011. "Nubia: Kerajaan Afrika Kuno". Institut Kajian Dunia Purba (Universiti New York). Diakses pada 28 Mei 2018.
  126. ^ Castedo, Leopoldo, Sejarah Seni dan seni bina Amerika Latin, New York: Frederick A. Praeger, Penerbit, 1969.
  127. ^ Kehormatan & Fleming, 553–56.
  128. ^ Neumeyer, Alfred, Sumbangan India untuk Hiasan Senibina di Amerika Kolonial Sepanyol. Buletin Seni, Jun 1948, Jilid XXX, Nombor dua.
  129. ^ Elsen, Albert E. (2003). Seni Rodin: Koleksi Rodin dari Pusat Seni Visual Iris & Gerald B.. Oxford: Oxford University Press. ISBN 0-19-513381-1.
  130. ^ Rodin to Now: Arca Moden, Muzium Gurun Palm Springs.
  131. ^ Curtis, Penelpoe, Mengambil Posisi: Arca Figuratif dan Reich Ketiga, Institut Henry Moore, London, 2002.
  132. ^ Seni visual pada abad ke-20, Pengarang Edward Lucie-Smith, Edisi bergambar, Penerbit Harry N. Abrams, 1997, Asli dari University of Michigan, ISBN 978-0-8109-3934-9
  133. ^ Kamus seni dan seniman Amerika di Oxford, Pengarang Ann Lee Morgan, Penerbit Oxford University Press, 2007, Asli dari University of Michigan, ISBN 0-19-512878-8, 978-0-19-512878-9
  134. ^ Muzium Udara dan Angkasa Negara Menerima Pendakian Arca untuk dipamerkan di Udvar-Hazy Center [2][pautan mati kekal]
  135. ^ NY Times, Payung Menghancurkan Wanita
  136. ^ Muzium Guggenheim Diarkibkan 4 Januari 2013, di Mesin Wayback
  137. ^ Yayasan Dia
  138. ^ "Art Army oleh Michael Leavitt", hypediss.com[3], 13 Disember 2006.
  139. ^ BBC: Arca Barbara Hepworth dicuri dari Dulwich Park, 20 Disember 2011. Contoh pencurian patung gangsa besar untuk nilai logam.

Rujukan

  • Boucher, Bruce, Arca Barok Itali, 1998, Thames & Hudson (Dunia Seni), ISBN 0-500-20307-5
  • Blony Anthony, Teori Artistik di Itali, 1450–1660, OUP, 1940 (merujuk kepada 1985 edn), ISBN 0-19-881050-4
  • Ahli Lembaga Pengarah, John ed., Sejarah Seni Klasik Oxford, OUP, 1993, ISBN 0-19-814386-9
  • Briggs, Philip (2015) [1995]. Ethiopia. Chalfont St Peter: Panduan Perjalanan Bradt. ISBN 978-1-84162-922-3.
  • Burnett, Andrew, Duit syiling; Mentafsir Masa Lalu, University of California / British Museum, 1991, ISBN 0-520-07628-1
  • Calkins, Robert G .; Monumen Seni Abad Pertengahan, Dutton, 1979, ISBN 0-525-47561-3
  • Cherry, John. Penerangan Holy Thorn, 2010, British Museum Press (objek British Museum dalam fokus), ISBN 0-7141-2820-1
  • Cook, R.M., Seni Yunani, Penguin, 1986 (cetakan semula 1972), ISBN 0-14-021866-1
  • De Lorenzi, James (2015). Penjaga Tradisi: Ahli Sejarah dan Penulisan Sejarah di Ethiopia dan Eritrea. Rochester: University of Rochester Press. ISBN 978-1-58046-519-9.
  • Dodwell, C.R., Seni Anglo-Saxon, Perspektif Baru, 1982, Manchester University Press, ISBN 0-7190-0926-X
  • Frankfort, Henri, Seni dan Senibina Timur Purba, Pelican History of Art, edisi ke-4 1970, Penguin (kini Yale History of Art), ISBN 0-14-056107-2
  • Harkless, Necia Desiree (2006). Firaun Nubia dan Raja Meroitik: Kerajaan Kush. Bloomington, Indiana: Rumah Pengarang. ISBN 1-4259-4496-5.
  • Harle, J. C., Seni dan Senibina Benua kecil India, Edn ke-2. 1994, Yale University Press Pelican Sejarah Seni, ISBN 0-300-06217-6
  • Henderson, George. Gothik, 1967, Penguin, ISBN 0-14-020806-2
  • Henig, Martin (ed.), Buku Panduan Seni Rom, Phaidon, 1983, ISBN 0-7148-2214-0
  • Paine, Robert Rawat, in: Paine, R. T., & A. Soper, Seni dan Senibina Jepun, 3rd edn 1981, Yale University Press Pelican History of Art, ISBN 0-14-056108-0
  • Hugh Yang Berhormat dan John Fleming, Sejarah Seni Dunia, Edn 1. 1982 (many later editions), Macmillan, London, page refs to 1984 Macmillan 1st edn paperback. ISBN 0-333-37185-2
  • Howgego, Christopher, Sejarah Purba dari Syiling, Routledge, 1995, ISBN 0-415-08993-X
  • Kitzinger, Ernst, Byzantine art in the making: main lines of stylistic development in Mediterranean art, 3rd–7th century, 1977, Faber & Faber, ISBN 0-571-11154-8 (AS: Cambridge UP, 1977)
  • Olson, Roberta J. M., Arca Renaissance Itali, 1992, Thames & Hudson (Dunia Seni), ISBN 978-0-500-20253-1
  • Rawson, Jessica (ed.). Buku Seni Cina Muzium Britain, 2007 (edisi ke-2), British Museum Press, ISBN 978-0-7141-2446-9
  • Piotrovsky, M. B., and J. M. Rogers (eds), Langit di Bumi: Seni dari Tanah Islam, 2004, Prestel, ISBN 3-7913-3055-1
  • Robinson, James, Karya Seni Abad Pertengahan, 2008, British Museum Press, ISBN 978-0-7141-2815-3
  • Sandars, Nancy K., Prehistoric Art in Europe, Penguin (Pelican, now Yale, History of Art), 1968 (nb 1st edn.; early datings now superseded)
  • Scholten, Frits (2011). Arca Eropah dan kerja logam. New York: Muzium Seni Metropolitan. ISBN 978-1-58839-441-5.
  • Sickman, Laurence, in: Sickman L., & A. Soper, "The Art and Architecture of China", Sejarah Seni Pelican, 3rd edn 1971, Penguin (now Yale History of Art), LOC 70-125675
  • Simon, Joshua. Neomaterialisme, Berlin: Sternberg Press, 2013, ISBN 978-3-943365-08-5
  • Smith, W. Stevenson, dan Simpson, William Kelly. Seni dan Senibina Mesir Purba, Edn ke-3. 1998, Yale University Press (Penguin / Sejarah Seni Yale), ISBN 0-300-07747-5
  • Snyder, James. Seni Renaissance Utara, 1985, Harry N. Abrams, ISBN 0-13-623596-4
  • Sobania, Neal W. (2012), "Lalibela", in Akyeampong, Emmanuel; Gates, Henry Louis, Jr., Kamus Biografi Afrika, Oxford: Oxford University Press, hlm. 462, ISBN 978-0-19-538207-5.
  • Sobania, Neal W. (2012). "Lalibela", in Akyeampong, Emmanuel; Gates, Henry Louis, Jr., Kamus Biografi Afrika. Oxford: Oxford University Press. ISBN 978-0-19-538207-5.
  • Kuat, Donald, et al., Seni Rom, 1995 (2nd edn), Yale University Press (Penguin/Yale History of Art), ISBN 0-300-05293-6
  • Williams, Dyfri. Masterpieces of Classical Art, 2009, British Museum Press, ISBN 978-0-7141-2254-0

Pautan luaran

Pin
Send
Share
Send