Rococo - Rococo - Wikipedia

Daripada Wikipedia, Ensiklopedia Percuma

Pin
Send
Share
Send

Rococo
Ca 'rezzonico, salone da ballo, quadrature di pietro visconti e affreschi di g.b. crosato (caduta di febo e 4 continenti), 1753, 02.jpg
Charles Cressent, Dada laci, c. 1730 di Waddesdon Manor.jpg
Kaisersaal Würzburg.jpg
Siling ruang legar Ca Rezzonico di Venice dengan ilusi quadratura melukis oleh Giovanni Battista Crosato (1753); Dada laci oleh Charles Cressent (1730); Kaisersaal dari Kediaman Wurzburg oleh Balthasar Neumann (1749–51)
tahun aktif1730-an hingga 1760-an
NegaraPerancis, Itali, Eropah Tengah

Rococo (/rəˈkk/, juga KAMI: /ˌrkəˈk/jarang berlaku Roccoco atau Baroque lewat, adalah gaya seni bina, seni dan hiasan yang sangat hiasan dan teater yang menggabungkan asimetri, lengkung bergulir, penyepuhan, warna putih dan pastel, cetakan ukiran, dan trompe-l'œil lukisan dinding untuk mencipta kejutan dan ilusi gerakan dan drama. Ia sering digambarkan sebagai ungkapan terakhir dari Barok pergerakan.[1]

Gaya Rococo bermula di Perancis pada tahun 1730-an sebagai reaksi terhadap yang lebih formal dan geometri Gaya Louis XIV. Ia dikenali sebagai gaya rocaille, atau gaya rocaille.[2] Ia segera merebak ke bahagian lain di Eropah, terutamanya Itali utara, Austria, Jerman selatan, Eropah Tengah dan Rusia.[3] Ini juga mempengaruhi seni lain, terutama patung, perabot, barang perak dan gelas, lukisan, muzik, dan teater.[4] Walaupun pada awalnya gaya sekular terutama digunakan untuk bahagian dalam kediaman persendirian, Rococo memiliki aspek kerohanian yang menyebabkan penggunaannya meluas di kawasan dalaman gereja, terutama di Eropah Tengah, Portugal, dan Amerika Selatan.[5]

Asal istilah

Ukiran rococo bersepadu, stuko dan lukisan dinding di Biara Zwiefalten (1739–45)

Perkataan itu rococo pertama kali digunakan sebagai variasi humor perkataan rocaille.[6][7] Rocaille pada awalnya merupakan kaedah hiasan, menggunakan kerikil, kerang laut dan semen, yang sering digunakan untuk menghias gua dan air pancut sejak zaman Renaissance.[8][9] Pada akhir abad ke-17 dan awal abad ke-18 rocaille menjadi istilah untuk sejenis motif hiasan atau hiasan yang muncul pada akhir Gaya Louis XIV, dalam bentuk kerang laut yang saling terkait dengan acanthus daun. Pada tahun 1736, pereka dan perhiasan Jean Mondon menerbitkan Kartun Perdana Livre de forme rocquaille et, koleksi reka bentuk untuk hiasan perabot dan hiasan dalaman. Ini adalah penampilan pertama dalam cetakan istilah "rocaille" untuk menentukan gaya.[10] Motif kerang yang diukir atau dibentuk digabungkan dengan daun sawit atau tanaman merambat untuk menghiasi pintu, perabot, panel dinding dan elemen seni bina lain.[11]

Istilah rococo pertama kali digunakan dalam bentuk cetak pada tahun 1825 untuk menggambarkan hiasan yang "tidak gaya dan kuno." Itu digunakan pada tahun 1828 untuk hiasan "yang tergolong dalam gaya abad ke-18, penuh dengan hiasan berpusing." Pada tahun 1829 pengarang Stendhal menggambarkan rococo sebagai "gaya rocaille abad ke-18."[12]

Ibu Kota Biara Engelszell, dari Austria (1754-1764)

Pada abad ke-19, istilah ini digunakan untuk menggambarkan seni bina atau muzik yang terlalu hiasan.[13][14] Sejak pertengahan abad ke-19, istilah ini telah diterima oleh ahli sejarah seni. Walaupun masih ada beberapa perdebatan mengenai kepentingan sejarah gaya, Rococo sekarang sering dianggap sebagai periode yang berbeza dalam pengembangan Seni Eropah.

Ciri-ciri

Rococo menampilkan hiasan yang riang, dengan lekuk-lekuk, lekuk-lekuk, undulasi dan unsur-unsur yang dimodelkan pada alam semula jadi. Bahagian luar bangunan Rococo selalunya sederhana, sementara bahagian dalamannya dikuasai sepenuhnya oleh hiasannya. Gaya ini sangat teater, dirancang untuk menarik perhatian dan kagum pada pandangan pertama. Pelan lantai gereja sering kali rumit, yang menampilkan oval yang saling berkaitan; Di istana, tangga besar menjadi pusat, dan menawarkan sudut pandang hiasan yang berbeza.[15] Hiasan utama Rococo adalah: cengkerang asimetris, acanthus dan daun lain, burung, sejambak bunga, buah-buahan, alat muzik, malaikat dan Unsur Timur Jauh (pagoda, naga, monyet, bunga pelik dan orang Cina).[16]

Gaya sering menyatukan lukisan, stuko cetakan, dan ukiran kayu, dan quadratura, atau lukisan siling ilusi, yang dirancang untuk memberi kesan bahawa mereka yang memasuki ruangan itu memandang ke langit, di mana kerub dan tokoh lain memandang ke arah mereka. Bahan yang digunakan termasuk stuko, baik dicat atau dibiarkan putih; kombinasi dari kayu yang berbeza warna (biasanya oak, beech atau walnut); kayu dipernis dalam gaya Jepun, hiasan dari gangsa berlapis emas, dan bahagian atas komod atau meja marmar.[17] Tujuannya adalah untuk mewujudkan kesan kejutan, kagum dan kagum pada pandangan pertama.[18]

Perbezaan antara Baroque dan Rococo

Berikut adalah ciri-ciri yang dimiliki oleh Rococo, dan Barok tidak:

  • Pengabaian sebahagian dari simetri, semuanya terdiri daripada garis dan lekukan yang anggun, serupa dengan Art Nouveau
  • Sebilangan besar lengkung tidak simetri dan berbentuk C voltan
  • Penggunaan bunga yang sangat luas dalam hiasan, contohnya hari raya diperbuat daripada bunga
  • Motif Cina dan Jepun (lihat juga: chinoiserie dan Japonisme)
  • Warna pastel yang hangat[19] (keputihan-kuning, berwarna krim, kelabu mutiara, biru terang)[20]

Perancis

The Rocaille gaya, atau Rococo Perancis, muncul di Paris semasa pemerintahan Louis XV, dan berkembang antara sekitar 1723 dan 1759.[21] Gaya itu digunakan terutama di salun, gaya bilik baru yang dirancang untuk menarik perhatian dan menghiburkan para tamu. Contoh yang paling menonjol adalah salun Puteri di Hôtel de Soubise di Paris, yang dirancang oleh Germain Boffrand dan Charles-Joseph Natoire (1735–40). Ciri-ciri Rococo Perancis termasuk seni yang luar biasa, terutama di bingkai kompleks yang dibuat untuk cermin dan lukisan, yang diukir di plaster dan sering disepuh; dan penggunaan bentuk tumbuhan (tanaman merambat, daun, bunga) saling berkaitan dalam reka bentuk yang kompleks.[22] Perabotnya juga menampilkan lekukan berliku dan reka bentuk sayur. Pereka dan tukang perabot terkemuka dalam gaya termasuk Juste-Aurele Meissonier, Charles Cressent, dan Nicolas Pineau.[23][24]

Gaya Rocaille berlangsung di Perancis hingga pertengahan abad ke-18, dan sementara ia menjadi lebih melengkung dan tumbuh-tumbuhan, ia tidak pernah mencapai kegembiraan Rococo yang luar biasa di Bavaria, Austria dan Itali. Penemuan barang-barang antik Rom bermula pada tahun 1738 di Herculaneum dan terutamanya di Pompeii pada tahun 1748 bertukar seni bina Perancis ke arah yang lebih simetri dan kurang flamboyan neo-klasikisme.

Itali

Artis di Itali, terutamanya Venice, juga menghasilkan gaya rococo yang riang. Komoditi Venesia meniru garis lengkung dan hiasan ukiran rocaille Perancis, tetapi dengan variasi Venesia tertentu; kepingan itu dilukis, selalunya dengan pemandangan atau bunga atau pemandangan dari Penjaga atau pelukis lain, atau Chinoiserie, dengan latar belakang biru atau hijau, sepadan dengan warna Sekolah Venesia pelukis yang karyanya menghiasi salun. Pelukis hiasan terkenal termasuk Giovanni Battista Tiepolo, yang melukis siling dan mural kedua-dua gereja dan palazzos, dan Giovanni Battista Crosato yang melukis siling ballroom Ca Rezzonico di dalam quadraturo cara, memberikan ilusi tiga dimensi. Tiepelo pergi ke Jerman bersama anaknya pada tahun 1752–1754, menghiasi langit-langit Kediaman Würzburg, salah satu mercu tanda utama rococo Bavaria. Pelukis Venesia yang terkenal sebelum ini adalah Giovanni Battista Piazzetta, yang melukis beberapa siling gereja yang terkenal. [25]

The Venetian Rococo juga menampilkan peralatan kaca yang luar biasa, terutama Gelas Murano, sering terukir dan berwarna, yang dieksport ke seluruh Eropah. Karya-karya tersebut merangkumi candelier dan cermin pelbagai warna dengan bingkai yang sangat hiasan. [25]

Jerman Selatan

Dalam pembinaan gereja, terutama di wilayah Jerman-Austria selatan, ciptaan spasial raksasa kadang-kadang dibuat untuk alasan praktikal sahaja, yang, bagaimanapun, tidak kelihatan monumental, tetapi dicirikan oleh gabungan seni bina, lukisan, stuko, dll. sering menghilangkan sepenuhnya batas-batas antara genre seni, dan dicirikan oleh bobot ringan, keceriaan dan pergerakan yang meriah. Gaya hiasan Rococo mencapai puncaknya di Jerman selatan dan Austria dari tahun 1730-an hingga 1770-an. Di sana ia menguasai lanskap gereja hingga ke hari ini dan sangat terpikat di sana dalam budaya popular. Ia mula diperkenalkan dari Perancis melalui penerbitan dan karya arkitek dan penghias Perancis, termasuk pemahat Claude III Audran, pereka dalaman Gilles-Marie Oppenordt, arkitek Germain Boffrand, pengukir Jean Mondon, dan pelukis dan pengukir Pierre Lepautre. Karya mereka mempunyai pengaruh penting pada gaya Rococo Jerman, tetapi tidak mencapai tahap bangunan di selatan Jerman.[26]

Arkitek Jerman mengadaptasi gaya Rococo tetapi menjadikannya jauh lebih tidak simetri dan sarat dengan hiasan yang lebih hiasan daripada yang asli Perancis. Gaya Jerman dicirikan oleh letupan bentuk yang menerobos tembok. Ini menampilkan cetakan yang dibentuk menjadi lekuk dan lengkung kontra, corak memutar dan memutar, siling dan dinding tanpa sudut yang tepat, dan dedaunan stuko yang sepertinya merayap di dinding dan melintasi siling. Hiasannya sering disepuh atau perak untuk memberikannya kontras dengan dinding pastel putih atau pucat.[27]

Arkitek dan pereka kelahiran Belgia François de Cuvilliés adalah salah satu yang pertama membuat bangunan Rococo di Jerman, dengan astaka Amalienburg di Munich, (1734-1739), terinspirasi oleh astaka-astaka Trianon dan Kahwin di Perancis. Bangunan itu dibangun sebagai pondok perburuan, dengan platform di atap untuk menembak burung. Dewan Cermin di pedalaman, oleh pelukis dan pengukir stuko Johann Baptist Zimmermann, jauh lebih senang daripada Rococo Perancis mana pun.[28]

Contoh lain dari Rococo Jerman awal adalah Kediaman Würzburg (1737-1744) dibina untuk Putera-Uskup Wurzburg oleh Balthasar Neumann. Neumann telah pergi ke Paris dan berunding dengan artis hiasan rocaille Perancis Germain Boffrand dan Robert de Cotte. Walaupun bahagian luarnya dalam gaya Baroque yang lebih tenang, bahagian dalamnya, terutamanya tangga dan siling, jauh lebih ringan dan hiasan. Putera-Uskup mengimport pelukis Rococo Itali Giovanni Battista Tiepolo pada tahun 1750–53 untuk membuat mural di puncak tangga istiadat tiga tingkat.[29][30] Neumann menggambarkan bahagian dalam kediaman sebagai "teater cahaya". Tangga itu juga merupakan elemen utama di kediaman Neumann yang dibina di Istana Augustusburg di Brühl (1743–1748). Di bangunan itu, tangga membawa para pengunjung melalui khayalan lukisan, patung, besi dan hiasan, dengan pemandangan yang mengejutkan di setiap kesempatan.[29]

Pada tahun 1740-an dan 1750-an, sejumlah gereja ziarah terkenal dibangun di Bavaria, dengan hiasan dalaman dihiasi dengan varian khas gaya rococo. Salah satu contoh yang paling terkenal ialah Wieskirche (1745–1754) yang dirancang oleh Dominikus Zimmermann. Seperti kebanyakan gereja ziarah Bavaria, bahagian luarnya sangat sederhana, dengan dinding pastel, dan hiasan kecil. Memasuki gereja, pengunjung menemui teater pergerakan dan cahaya yang menakjubkan. Ia mempunyai tempat perlindungan berbentuk bujur, dan dekambulator dalam bentuk yang sama, mengisi gereja dengan cahaya dari semua sisi. Dinding putihnya berbeza dengan tiang stuko biru dan merah jambu di koir, dan siling berkubah yang dikelilingi oleh malaikat plaster di bawah kubah yang mewakili langit yang dipenuhi dengan gambar-gambar Alkitab berwarna-warni. Gereja-gereja ziarah terkenal termasuk Basilika Empat Belas Pembantu Suci oleh Balthasar Neumann (1743–1772).[31][32]

Johann Michael Fischer adalah arkitek dari Biara Ottobeuren (1748–1766), mercu tanda Rococo Bavaria yang lain. Gereja ini mempunyai, seperti kebanyakan seni bina rococo di Jerman, kontras yang luar biasa antara keteraturan fasad dan kelebihan hiasan di kawasan pedalaman.[29]

Britain

Di Great Britain, rococo disebut "rasa Perancis" dan kurang mempengaruhi reka bentuk dan seni hiasan daripada di benua Eropah, walaupun pengaruhnya dirasakan di bidang seperti perak, porselin, dan sutera. William Hogarth membantu mengembangkan asas teori untuk kecantikan Rococo. Meskipun tidak menyebutkan nama rococo, dia berpendapat dalam Analisis Kecantikan (1753) bahawa garis bergelombang dan lekukan S yang menonjol di Rococo adalah dasar untuk rahmat dan keindahan dalam seni atau alam semula jadi (tidak seperti garis lurus atau lingkaran di Klasikisme).[33]

Rococo lambat tiba di England. Sebelum memasuki Rococo, perabot Inggeris untuk sementara waktu mengikuti neoklasik Palladian model di bawah pereka William Kent, yang merancang untuk Lord Burlington dan pelindung seni penting yang lain. Kent pergi ke Itali dengan Lord Burlington antara tahun 1712 dan 1720, dan membawa kembali banyak model dan idea dari Palladio. Dia merancang perabot untuk Istana Hampton Court (1732), Lord Burlington Rumah Chiswick (1729), London, Thomas Coke Dewan Holkham, Norfolk, cerucuk Robert Walpole di Houghton, untuk Rumah Devonshire di London, dan di Rousham.[34]

Mahoni muncul di England pada sekitar tahun 1720, dan segera menjadi terkenal untuk perabot, seiring dengan walnut kayu. The Rococo mula membuat penampilan di England antara tahun 1740 dan 1750. Perabot dari Thomas Chippendale adalah yang paling dekat dengan gaya Rococo, Pada tahun 1754 ia menerbitkan "Direktori pembuat lelaki dan Kabinet", katalog reka bentuk untuk rococo, chinoiserie dan bahkan perabot Gothic, yang mendapat populariti luas, melalui tiga edisi. Tidak seperti pereka Perancis, Chippendale tidak menggunakan perabot atau hiasan dalam perabotnya. Perancang utama perabot bertatahkan adalah Vile dan Cob, pembuat kabinet untuk Raja George III. Tokoh penting lain dalam perabot Inggeris adalah Thomas Johnson, yang pada tahun 1761, pada akhir tahun, menerbitkan katalog reka bentuk perabot Rococo. Ini termasuk perabot berdasarkan motif Cina dan India yang agak hebat, termasuk tempat tidur kanopi yang dimahkotai oleh pagoda Cina (sekarang di Muzium Victoria dan Albert).[25]

Tokoh terkenal lain di Rococo Britain termasuk tukang perak Charles Friedrich Kandler.

Rusia

Maharani Rusia Catherine the Great adalah pengagum Rococo yang lain; Kabinet Emas Istana China di kompleks istana di Oranienbaum berhampiran Saint Petersburg, yang direka oleh orang Itali Antonio Rinaldi, adalah contoh Rococo Rusia.

Menolak dan berakhir

Perbandingan antara abad ke-18 ukiran, oleh Jacques de Lajoue, dari Rococo kawah kelopak; dan abad ke-1 Rom kelopak kelopak yang mempunyai bentuk yang sama persis seperti a Neoklasik pasu taman batu

Seni Boucher dan pelukis lain pada masa itu, dengan penekanan pada mitologi hiasan dan gagah, segera menginspirasi reaksi, dan permintaan untuk tema yang lebih "mulia". Semasa Rococo berlanjutan di Jerman dan Austria, Akademi Perancis di Rom mula mengajar gaya klasik. Ini disahkan oleh penamaan calon De Troy sebagai pengarah Akademi pada tahun 1738, dan kemudian pada tahun 1751 oleh Charles-Joseph Natoire.

Puan de Pompadour, nyonya Louis XV menyumbang kepada penurunan gaya Rococo. Pada tahun 1750 dia menghantar saudaranya, Abel-François Poisson de Vandières, dalam misi dua tahun untuk mengkaji perkembangan artistik dan arkeologi di Itali. Dia ditemani oleh beberapa artis, termasuk pengukir Charles-Nicolas Cochin dan arkitek Soufflot. Mereka kembali ke Paris dengan minat untuk seni klasik. Vandiéres menjadi Marquis of Marigny, dan dinobatkan sebagai ketua pengarah Bangunan Raja. Dia mengubah seni bina rasmi Perancis ke arah neoklasik. Cochin menjadi pengkritik seni yang penting; dia mengecam gaya kecil dari Boucher, dan menyerukan gaya agung dengan penekanan baru pada zaman kuno dan bangsawan di akademi seni lukis dan seni bina.[35]

Permulaan akhir untuk Rococo datang pada awal 1760-an seperti tokoh-tokoh seperti Voltaire dan Jacques-François Blondel mula menyuarakan kritikan mereka terhadap kedangkalan dan kemerosotan seni. Blondel mengecam "cengkeraman kerang, naga, alang-alang, pohon-pohon palma dan tanaman" yang tidak masuk akal di kawasan kontemporari.[36]

Menjelang tahun 1785, Rococo telah ketinggalan zaman dalam fesyen di Perancis, digantikan oleh pesanan dan keseriusan artis Neoklasik seperti Jacques-Louis David. Di Jerman, akhir abad ke-18 Rococo diejek sebagai Zopf und Perücke ("pigtail and periwig"), dan fasa ini kadang-kadang disebut sebagai Zopfstil. Rococo tetap popular di beberapa wilayah provinsi Jerman dan di Itali, sehingga fasa kedua neoklasik, "Gaya empayar", tiba dengan pemerintah Napoleon dan menyapu Rococo.

Perabot dan hiasan

Gaya hiasan disebut rocaille muncul di Perancis antara tahun 1710 dan 1750, kebanyakannya selama kabupaten dan pemerintahan Louis XV; gaya juga dipanggil Louis Quinze. Ciri utamanya adalah perincian yang indah, lekuk dan lekukan kontra, asimetri, dan kegembiraan teater. Di dinding salun Paris baru, reka bentuk memutar dan berliku, biasanya dibuat dari plesteran berlapis emas atau dicat, dililit di sekitar pintu dan cermin seperti pokok anggur. Salah satu contoh awal adalah Hôtel Soubise di Paris (1704-05), dengan salon bujurnya yang terkenal dihiasi dengan lukisan oleh Boucher, dan Charles-Joseph Natoire.[37]

Pereka perabot Perancis yang paling terkenal pada masa itu adalah Juste-Aurèle Meissonnier (1695–1750), yang juga seorang pengukir, pelukis. dan tukang emas untuk rumah tangga kerajaan. Dia memegang gelaran pereka rasmi untuk Kamar dan Kabinet Louis XV. Karyanya terkenal hari ini kerana sejumlah besar ukiran yang dibuat dari karyanya yang mempopularkan gaya di seluruh Eropah. Dia merancang karya untuk keluarga diraja Poland dan Portugal.

Itali adalah tempat lain di mana Rococo berkembang, baik pada fasa awal dan kemudiannya. Semua tukang di Rome, Milan dan Venice menghasilkan perabot dan barang hiasan yang dihias dengan mewah.

Hiasan yang dipahat itu meliputi fleurettes, palmette, kerang laut, dan dedaunan, diukir dengan kayu. Bentuk rocaille yang paling mewah dijumpai di konsol, meja yang dirancang untuk berdiri di dinding. The Commodes, atau peti, yang pertama kali muncul di bawah Louis XIV, dihiasi dengan mewah dengan hiasan rocaille yang terbuat dari perunggu berlapis emas. Mereka dibuat oleh tukang utama termasuk Jean-Pierre Latz dan juga menampilkan hiasan kayu dengan warna yang berlainan, kadang-kadang diletakkan dalam corak kubik papan tulis, dibuat dengan kayu ringan dan gelap. Tempoh itu juga menyaksikan kedatangan Chinoiserie, sering dalam bentuk komoditi yang dipernis dan disepuh, disebut falcon de Chine daripada Vernis Martin, setelah ebenist yang memperkenalkan teknik itu ke Perancis. Ormolu, atau gangsa berlapis emas, digunakan oleh tukang induk termasuk Jean-Pierre Latz. Latz membuat jam berhias yang dipasang di atas kartonier untuk Frederick the Great untuk istananya di Potsdam. Kepingan dari porselin Cina yang diimport sering dipasang di ormolu (gangsa berlapis emas) tetapan rococo untuk dipamerkan di meja atau konsol di salun. Pengrajin lain meniru Seni Jepun perabot lakuer, dan menghasilkan komod dengan motif Jepun.[18]

Inggeris Rococo cenderung lebih terkawal. Reka bentuk perabot Thomas Chippendale menyimpan lekukan dan nuansa, tetapi berhenti dari ketinggian Perancis yang aneh. Eksponen Rococo Inggeris yang paling berjaya mungkin Thomas Johnson, pereka pengukir dan perabot berbakat yang bekerja di London pada pertengahan abad ke-18.

Mengecat

Unsur-unsur Rocaille gaya muncul dalam karya beberapa pelukis Perancis, termasuk rasa yang indah secara terperinci; lekuk dan lekuk balas; dan disimetri yang menggantikan pergerakan barok dengan kegembiraan, walaupun orang Perancis rocaille tidak pernah mencapai kemewahan rococo Jerman.[38] Penyokong utama adalah Antoine Watteau, terutamanya di Ziarah di Pulau Cythera (1717), Louvre, dalam genre yang disebut Fête Galante menggambarkan adegan bangsawan muda berkumpul untuk meraikan dalam suasana pastoral. Watteau meninggal pada tahun 1721 pada usia tiga puluh tujuh tahun, tetapi karyanya terus mempengaruhi sepanjang abad ini. The Ziarah ke Cythera lukisan dibeli oleh Frederick the Great dari Prusia pada tahun 1752 atau 1765 untuk menghiasi istananya Charlottenberg di Berlin.[38]

Pengganti Watteau dan Féte Galante dalam lukisan hiasan adalah François Boucher (1703–1770), pelukis kegemaran Puan de Pompadour. Karyanya merangkumi sensual Toilette de Venus (1746), yang menjadi salah satu contoh gaya yang terkenal. Boucher mengambil bahagian dalam semua genre pada masa itu, merancang permadani, model untuk patung porselin, hiasan set untuk opera Paris dan komik opera, dan hiasan untuk Pesta Saint-Laurent. [39] Pelukis penting lain dari Fête Galante gaya disertakan Nicolas Lancret dan Jean-Baptiste Pater. Gaya sangat dipengaruhi François Lemoyne, yang melukis hiasan mewah siling Salon Hercules di Istana Versailles, siap pada tahun 1735.[38] Lukisan dengan tema gagah dan mitologi oleh Boucher, Pierre-Charles Trémolières dan Charles-Joseph Natoire dihiasi salun terkenal di Hôtel Soubise di Paris (1735–40).[39] Pelukis Rococo lain termasuk: Jean François de Troy (1679–1752), Jean-Baptiste van Loo (1685–1745), dua puteranya Louis-Michel van Loo (1707–1771) dan Charles-Amédée-Philippe van Loo (1719–1795), adiknya Charles-André van Loo (1705–1765), dan Nicolas Lancret (1690–1743).

Di Austria dan Jerman Selatan, lukisan Itali memberi kesan terbesar pada gaya Rococo. Pelukis Venesia Giovanni Battista Tiepolo, dibantu oleh anaknya, Giovanni Domenico Tiepolo, dijemput untuk melukis lukisan dinding untuk Kediaman Würzburg (1720–1744). Pelukis gereja rococo Bavaria yang paling terkenal adalah Johann Baptist Zimmermann, yang melukis siling Wieskirche (1745–1754).

Arca

Arca Rococo adalah teater, berwarna-warni dan dinamik, memberikan rasa pergerakan ke segala arah. Itu paling sering dijumpai di pedalaman gereja, biasanya berkait rapat dengan lukisan dan seni bina. Patung keagamaan mengikuti gaya barok Itali, seperti dicontohkan di altarpiece teater Karlskirche di Vienna.

Rococo awal atau Rocaille patung di Perancis arca lebih ringan dan menawarkan lebih banyak pergerakan daripada gaya klasik Louis XIV. Ia didorong terutamanya oleh Puan de Pompadour, perempuan simpanan Louis XV, yang menugaskan banyak karya untuk istana dan kebunnya. Pengukir Edmé Bouchardon diwakili Cupid terlibat dalam ukiran anak panah cinta dari kelab Hercules. Tokoh Rococo juga memenuhi air pancut di Versailles, seperti Fountain of Neptune oleh Lambert-Sigisbert Adam dan Nicolas-Sebastien Adam (1740). Berdasarkan kejayaan mereka di Versailles, mereka dijemput ke Prusia oleh Frederick the Great untuk membuat patung air pancut untuk Sanssouci Istana, Prusia (1740-an).[40]

Falconet Étienne-Maurice (1716–1791) adalah seorang pemahat Perancis terkemuka yang lain dalam tempoh tersebut. Falconet paling terkenal dengan patungnya Peter yang Hebat dengan menunggang kuda di St Petersburg, tetapi dia juga membuat satu siri karya yang lebih kecil untuk pengumpul kaya, yang dapat diterbitkan semula dalam siri di terakota atau dilemparkan dalam gangsa. Pengukir Perancis, Jean-Louis Lemoyne, Jean-Baptiste Lemoyne, Louis-Simon Boizot, Michel Clodion, Lambert-Sigisbert Adam dan Jean-Baptiste Pigalle semua arca dihasilkan secara bersiri untuk pengumpul.[41]

Di Itali, Antonio Corradini adalah antara pengukir terkemuka gaya Rococo. Sebagai orang Venesia, dia berkeliling Eropah, bekerja untuk Peter yang Hebat di St Petersburg, untuk mahkamah kekaisaran di Austria dan Naples. Dia lebih suka tema sentimental dan membuat beberapa karya wanita yang berkemahiran dengan wajah yang ditutupi oleh tudung, salah satunya sekarang ada di Louvre.[42]

Contoh-contoh arca rococo yang paling terperinci terdapat di Sepanyol, Austria dan Jerman selatan, dalam hiasan istana dan gereja. Arca itu berkait rapat dengan seni bina; mustahil untuk mengetahui di mana satu berhenti dan yang lain bermula. Di dalam Istana Belvedere di Vienna, (1721-1722), siling berkubah Hall of Atlantes dipegang di atas bahu tokoh-tokoh berotot yang dirancang oleh Johann Lukas von Hildebrandt. Portal dari Istana Marquis of Dos Aguas di Valencia (1715-1776) benar-benar dibasahi patung yang diukir marmar, dari reka bentuk oleh Hipolito Rovira Brocandel.[43]

The El Transparente mezbah, di kapel utama Katedral Toledo adalah arca yang menjulang tinggi dari marmar polikrom dan stuko berlapis emas, digabungkan dengan lukisan, patung dan simbol. Ia dibuat oleh Narciso Tomé (1721–32), Reka bentuknya memungkinkan cahaya melewati, dan dalam cahaya berubah, ia seolah-olah bergerak.[44]

Porselin

Satu bentuk patung berskala kecil baru muncul, yang porselin figur, atau sekelompok kecil tokoh, yang pada awalnya menggantikan patung gula di meja ruang makan besar, tetapi tidak lama lagi popular untuk meletakkan di atas selimut dan perabot. Bilangan kilang Eropah berkembang dengan stabil sepanjang abad ini, dan ada yang membuat porselin yang mampu dimiliki oleh kelas menengah yang berkembang. Jumlah berwarna-warni hiasan yang terlalu tinggi digunakan pada mereka juga meningkat. Mereka biasanya dimodelkan oleh seniman yang telah berlatih dalam patung. Mata pelajaran biasa merangkumi tokoh dari commedia dell'arte, penjual jalanan kota, pencinta dan tokoh dalam pakaian bergaya, dan sepasang burung.

Johann Joachim Kändler adalah pemodel terpenting dari Porselin Meissen, kilang Eropah terawal, yang kekal paling penting hingga sekitar tahun 1760. Pemahat Jerman kelahiran Switzerland Franz Anton Bustelli menghasilkan pelbagai jenis gambar berwarna untuk Kilang Porselin Nymphenburg di Bavaria, yang dijual di seluruh Eropah. Pengukir Perancis Falconet Étienne-Maurice (1716–1791) mengikuti contoh ini. Sambil juga membuat karya berskala besar, dia menjadi pengarah Porselin Sevres kilang dan menghasilkan karya berskala kecil, biasanya mengenai cinta dan kegembiraan, untuk pengeluaran secara bersiri.

Muzik

Zaman Rococo wujud di sejarah muzik, walaupun tidak begitu terkenal dengan bentuk klasik Baroque dan kemudian. Gaya muzik Rococo sendiri berkembang dari muzik barok baik di Perancis, di mana gaya baru disebut sebagai gaya galant ("gagah" atau "elegan" gaya), dan di Jerman, di mana ia disebut sebagai empfindsamer Stil ("gaya sensitif"). Ia dapat dicirikan sebagai muzik ringan, intim dengan bentuk yang sangat rumit dan halus hiasan. Contoh termasuk Jean Philippe Rameau, Louis-Claude Daquin dan François Couperin di Perancis; di Jerman, penyokong utama gaya itu C. P. E. Bach dan Johann Christian Bach, dua anak lelaki dari J.S. Bach.

Pada separuh kedua abad ke-18, reaksi terhadap gaya Rococo terjadi, terutamanya terhadap penggunaan hiasan dan hiasan yang dirasakan berlebihan. Diketuai oleh Christoph Willibald Gluck, reaksi ini membawa masuk Era klasik. Pada awal abad ke-19, pendapat Katolik bertentangan dengan kesesuaian gaya untuk konteks gerejawi kerana "sama sekali tidak kondusif untuk sentimen pengabdian".[45]

Komposer Rusia era Romantik Pyotr Ilyich Tchaikovsky menulis The Variasi Tema Rococo, Op. 33, untuk cello dan orkestra pada tahun 1877. Walaupun tema ini bukan asal Rococo, ia ditulis dalam gaya Rococo.

Fesyen

Gaun berbaju dan rok, 1775-1780 V&A Museum no. T.180 & A-1965

Fesyen Rococo didasarkan pada kemewahan, keanggunan, kehalusan dan hiasan. Fesyen wanita abad ketujuh belas dibandingkan dengan fesyen abad kelapan belas, yang hiasan dan canggih, gaya Rococo yang sebenarnya.[46] Fesyen ini tersebar di luar istana kerajaan ke salon dan kafe dari borjuasi yang naik.[47] Gaya hiasan dan reka bentuk yang riang, suka bermain, elegan yang sekarang kita kenal sebagai 'Rococo' kemudian dikenali sebagai le style rocaille, le style moderne, le gout.[48]

Gaya yang muncul pada awal abad kelapan belas adalah gaya jubah volante,[46] gaun yang mengalir, yang menjadi popular menjelang akhir pemerintahan Raja Louis XIV. Gaun ini memiliki ciri-ciri korset dengan lipatan besar mengalir ke belakang ke tanah di atas rok bulat. Palet warnanya kaya dengan kain gelap disertai dengan ciri reka bentuk yang berat dan rumit. Selepas kematian Louis XIV, gaya pakaian mula berubah. Fesyen berubah menjadi gaya yang lebih ringan, lebih sembrono, beralih dari zaman barok ke gaya Rococo yang terkenal.[49] Zaman kemudian terkenal dengan warna pastel mereka, rok yang lebih menarik, dan banyak hiasan, ruffles, busur, dan renda sebagai hiasan. Tidak lama selepas gaun khas Rococo wanita diperkenalkan, jubah à la Française,[46] gaun dengan korset ketat yang mempunyai garis leher potongan yang rendah, biasanya dengan pita besar menunduk di bahagian depan tengah, pelapis lebar, dan dihiasi renda, pita, dan bunga dalam jumlah besar.

The Watteau merayu[46] juga menjadi lebih popular, dinamakan pelukis Jean-Antoine Watteau, yang melukis perincian gaun hingga jahitan renda dan hiasan lain dengan ketepatan yang sangat besar. Kemudian, 'pannier' dan 'mantua'menjadi bergaya sekitar tahun 1718, mereka adalah gelang lebar di bawah gaun untuk memanjangkan pinggul ke samping dan mereka segera menjadi bahan pakaian rasmi. Ini memberi zaman Rococo pakaian ikonik dari pinggul lebar yang digabungkan dengan hiasan yang banyak pada pakaian. Pelekap lebar dipakai untuk acara-acara khas, dan berdiameter hingga 16 kaki (4,8 meter),[50] dan gelung yang lebih kecil dipakai untuk tetapan harian. Ciri-ciri ini berasal dari fesyen Sepanyol abad ketujuh belas, yang dikenali sebagai penjaga, pada mulanya dirancang untuk menyembunyikan perut hamil, kemudian dibayangkan semula sebagai pannier.[50] 1745 menjadi Zaman Emas Rococo dengan pengenalan budaya oriental yang lebih eksotik di Perancis yang disebut a la turque.[46] Ini dibuat popular oleh nyonya Louis XV, Madame Pompadour, yang menugaskan artis, Charles Andre Van Loo, untuk melukisnya sebagai sultana Turki.

Pada tahun 1760-an, gaya pakaian kurang formal muncul dan salah satunya adalah pakaian polonaise, dengan inspirasi yang diambil dari Poland. Ia lebih pendek daripada gaun Perancis, yang memungkinkan rok bawah dan pergelangan kaki dilihat, yang menjadikannya lebih mudah untuk bergerak. Pakaian lain yang menjadi fesyen adalah jubah a l'anglais, yang merangkumi elemen yang diilhamkan oleh fesyen lelaki; jaket pendek, labuh lebar dan lengan panjang.[49] Itu juga memiliki korset yang nyaman, rok lengkap tanpa pannier tetapi masih agak panjang di belakang untuk membentuk kereta api kecil, dan selalunya beberapa jenis saputangan renda dipakai di leher. Bahagian lain adalah 'redingote', di antara jubah dan jaket.

Aksesori juga penting bagi semua wanita selama ini, kerana ia menambah kemewahan dan hiasan tubuh agar sesuai dengan gaun mereka. Pada mana-mana upacara rasmi, wanita diminta menutup tangan dan lengan dengan sarung tangan sekiranya pakaian mereka tanpa lengan.[49]

Galeri

Senibina

Ukiran

Mengecat

Lukisan era Rococo

Lihat juga

Catatan dan petikan

  1. ^ Owens 2014, hlm. 92.
  2. ^ Ducher 1988, hlm. 136.
  3. ^ "Apa itu Rococo?". Muzium Victoria dan Albert. Diperoleh 20 Oktober 2018.
  4. ^ "Gaya Rococo (reka bentuk) - Ensiklopedia Dalam Talian Britannica". Britannica.com. Diperoleh 24 April 2012.
  5. ^ Gauvin Alexander Bailey, The Spiritual Rococo: Dekorasi dan Ketuhanan dari Salon Paris ke Misi Patagonia (Farnham: Ashgate, 2014).
  6. ^ Kamus Merriam-Webster Dalam Talian
  7. ^ Monique Wagner, Dari Gaul ke De Gaulle: Garis Besar Tamadun Perancis. Peter Lang, 2005, hlm. 139. ISBN 0-8204-2277-0
  8. ^ Kamus Larousse dalam talian
  9. ^ Marilyn Stokstad, ed. Sejarah Seni. Edisi ke-4. New Jersey: Prentice Hall, 2005. Cetakan.
  10. ^ De Morant, Henry, Sejarah hiasan seni, hlm. 355
  11. ^ Renault dan Lazé, Les Styles de l'architecture et du mobilier(2006) hlm. 66
  12. ^ "Etimologi Rococo" (dalam bahasa Perancis). Ortolong: laman Center National des Resources Textuelles et Lexicales. Diperoleh 12 Januari 2019.
  13. ^ Ancien Regime Rococo Diarkibkan 11 April 2018 di Mesin Wayback. Bc.edu Diakses pada 2011-05-29.
  14. ^ Rococo - Seni Rococo. Huntfor.com. Diakses pada 2011-05-29.
  15. ^ Hopkins 2014, hlm. 92.
  16. ^ Graur, Neaga (1970). Stiluri dan arta decorativă (dalam bahasa Romania). Majlis. hlm. 193 & 194.
  17. ^ Graur, Neaga (1970). Stiluri dan arta decorativă (dalam bahasa Romania). Majlis. hlm. 194.
  18. ^ a b Ducher 1988, hlm. 144.
  19. ^ Graur, Neaga (1970). Stiluri dan arta decorativă (dalam bahasa Romania). Majlis. hlm. 160 & 163.
  20. ^ Graur, Neaga (1970). Stiluri dan arta decorativă (dalam bahasa Romania). Majlis. hlm. 192.
  21. ^ Lovreglio, Aurélia dan Anne, Dictionnaire des Mobiliers et des Objets d'art, Le Robert, Paris, 2006, hlm. 369
  22. ^ Hopkins 2014, ms 92-93.
  23. ^ De Morant 1970, hlm. 382.
  24. ^ Kleiner, Fred (2010). Seni Gardner sepanjang zaman: perspektif barat. Pembelajaran Cengage. hlm 583–584. ISBN 978-0-495-57355-5. Diperoleh 21 Februari 2011.
  25. ^ a b c de Morant 1970, hlm. 383.
  26. ^ De Morant, Henry, Sejarah hiasan seni (1977), hlm. 354–355
  27. ^ Ducher 1988, ms 150-153.
  28. ^ Ducher, Caractéristique des Styles (1988), hlm. 150
  29. ^ a b c Prina dan Demartini (2006) hlm.222–223
  30. ^ https://www.bavaria.by/experiences/city-country-culture/castles-palaces/wuerzburg-residence; https://www.bavaria.by/experiences/city-country-culture/castles-palaces/wuerzburg-residence; B.M. Padang Senibina Terhebat di Dunia: Masa Lalu dan Sekarang, Regency House Publishing Ltd, 2001.
  31. ^ Ducher 1988, hlm. 152.
  32. ^ Cabanne 1988, hlm.89–94.
  33. ^ "Pengaruh Rococo dalam Seni Inggeris - boneka". dummies. Diperoleh 23 Jun 2017.
  34. ^ de Morant 1970, hlm. 382.
  35. ^ Cabanne 1988, hlm. 106.
  36. ^ "Salinan yang diarkibkan". Diarkibkan daripada asal pada 17 Mac 2020. Diperoleh 8 April 2013.CS1 maint: salinan yang diarkibkan sebagai tajuk (pautan)
  37. ^ Cabanne 1988, hlm. 102.
  38. ^ a b c Cabanne 1988, hlm. 98.
  39. ^ a b Cabanne 1988, hlm. 104.
  40. ^ Duby, Georges dan Daval, Jean-Luc, La Sculpture de l'Antiquité au XXe Siècle, (2013) ms 789-791
  41. ^ Duby, Georges dan Daval, Jean-Luc, La Sculpture de l'Antiquité au XXe Siècle, (2013) hlm. 819
  42. ^ Duby, Georges dan Daval, Jean-Luc, La Sculpture de l'Antiquité au XXe Siècle, (2013) ms 781-832
  43. ^ Duby, Georges dan Daval, Jean-Luc, La Sculpture de l'Antiquité au XXe Siècle, (2013) ms 782-783
  44. ^ Duby, Georges dan Daval, Jean-Luc, La Sculpture de l'Antiquité au XXe Siècle, (2013) ms 802-803
  45. ^ Gaya Rococo - Ensiklopedia Katolik. Newadvent.org (1912-02-01). Diakses pada 2014-02-11.
  46. ^ a b c d e Fukui, A., & Suoh, T. (2012). Fesyen: Sejarah dari abad ke-18 hingga ke-20.CS1 maint: pelbagai nama: senarai pengarang (pautan)
  47. ^ "Barok / Rococo 1650-1800". Sejarah Kostum.
  48. ^ Keranda, S. (2008). Rococo: Keluk berterusan, 1730-2008. New York.
  49. ^ a b c "Revolusi Gaya Marie Antoinette". Geografi Nasional. November 2016. Diperoleh 22 April 2018.
  50. ^ a b Glasscock, J. "Siluet dan Sokongan Abad Kelapan belas". Muzium Seni Metropolitan. Diperoleh 22 April 2018.

Bibliografi

  • De Morant, Henry (1970). Sejarah hiasan seni. Librarie Hacahette.
  • Droguet, Anne (2004). Peralihan Gaya Sty et Louis XVI. Les Edisi de l'Amateur. ISBN 2-85917-406-0.
  • Cabanne, Perre (1988), L'Art Classique et le Baroque, Paris: Larousse, ISBN 978-2-03-583324-2
  • Duby, Georges dan Daval, Jean-Luc, La Sculpture de l'Antiquité au XXe Siècle, (French translation from German), Taschen, (2013), (ISBN 978-3-8365-4483-2)
  • Ducher, Robert (1988), Caractéristique des Styles, Paris: Flammarion, ISBN 2-08-011539-1
  • Fierro, Alfred (1996). Histoire et dictionnaire de Paris. Robert Laffont. ISBN 2-221--07862-4.
  • Prina, Francesca; Demartini, Elena (2006). Ensiklopedia kecil l'architecture. Paris: Suria. ISBN 2-263-04096-X.
  • Hopkins, Owen (2014). Gaya Les dan seni bina. Dunod. ISBN 978-2-10-070689-1.
  • Renault, Christophe (2006), Les Styles de l'architecture et du mobilier, Paris: Gisserot, ISBN 978-2-877-4746-58
  • Texier, Simon (2012), Paris- Panorama de l'architecture de l'Antiquité à nos jours, Paris: Parigramme, ISBN 978-2-84096-667-8
  • Dictionnaire Historique de Paris. Le Livre de Poche. 2013. ISBN 978-2-253-13140-3.
  • Vila, Marie Christine (2006). Paris Musique- Huit Siècles d'histoire. Paris: Parigramme. ISBN 978-2-84096-419-3.
  • Marilyn Stokstad, ed. Sejarah Seni. Edisi ke-3. New Jersey: Prentice Hall, 2005. Print.
  • Bailey, Gauvin Alexander (2014). The Spiritual Rococo: Décor and Divinity from the Salons of Paris to the Missions of Patagonia. Farnham: Ashgate.The Spiritual Rococo: Dekorasi dan Ketuhanan dari Salon Paris ke Misi Patagonia

Bacaan lanjut

Pautan luaran

Pin
Send
Share
Send