Lukisan potret - Portrait painting

Daripada Wikipedia, Ensiklopedia Percuma

Pin
Send
Share
Send

Lihat potret untuk lebih banyak mengenai topik umum potret.
Lukisan potret mahkamah China rasmi Empress Cao (isteri kepada Maharaja Renzong) Dinasti Song, abad ke-11

Lukisan potret ialah genre dalam melukis, di mana maksudnya adalah untuk mewakili subjek manusia tertentu. Istilah 'lukisan potret' juga dapat menggambarkan potret yang dilukis sebenarnya. Potret dapat membuat karya mereka dengan komisen, untuk orang awam dan swasta, atau mereka mungkin terinspirasi oleh kekaguman atau kasih sayang terhadap subjek tersebut. Potret sering berfungsi sebagai catatan penting negara dan keluarga, serta kenangan.

Dari segi sejarah, lukisan potret terutama mengingati orang kaya dan berkuasa. Akan tetapi, seiring waktu, menjadi lebih biasa bagi pelanggan kelas menengah untuk menugaskan potret keluarga dan rakan mereka. Hari ini, lukisan potret masih ditugaskan oleh pemerintah, syarikat, kumpulan, kelab, dan individu. Selain melukis, potret juga boleh dibuat di media lain seperti cetakan (termasuk ukiran dan litografi), fotografi, video dan media digital.

Frans Hals, kemudian selesai oleh Pieter Codde. De Magere Compagnie. 1637. Minyak pada kanvas, 209 × 429 cm. Potret kumpulan penting dalam Lukisan Zaman Emas Belanda

Mungkin kelihatan jelas bahawa potret yang dilukis bertujuan untuk mencapai rupa pengasuh yang dapat dikenali oleh mereka yang telah melihatnya, dan idealnya adalah catatan penampilan mereka yang sangat baik. Sebenarnya konsep ini lambat berkembang, dan memerlukan masa berabad-abad bagi para seniman dalam tradisi yang berbeza untuk memperoleh kemahiran yang berbeza untuk melukis rupa yang baik.

Teknik dan latihan

Anthony van Dyck, Charles I dalam Tiga Kedudukan, 1635–1636, menunjukkan profil, wajah penuh dan pandangan tiga perempat, untuk dihantar ke Bernini di Rom, yang mengukir patung dari model ini.

Dilaksanakan dengan baik potret diharapkan dapat memperlihatkan inti pati subjek (dari sudut pandang artis) atau representasi yang memuji, bukan sekadar kesamaan harfiah. Sebagai Aristotle menyatakan, "Tujuan Seni adalah untuk tidak memperlihatkan penampilan luar sesuatu, tetapi makna dalamannya; kerana ini, bukan cara dan perincian luaran, merupakan kenyataan yang sebenarnya."[1] Artis mungkin berusaha untuk mencari realisme fotografi atau kesamaan impresionis dalam menggambarkan subjeknya, tetapi ini berbeza dengan karikatur yang cuba mengungkapkan watak melalui keterlaluan ciri fizikal. Artis pada umumnya mencuba gambaran perwakilan, sebagai Edward Burne-Jones menyatakan, "Satu-satunya ungkapan yang diizinkan dalam potret yang hebat adalah ekspresi watak dan kualiti moral, bukan sesuatu yang sementara, cepat, atau tidak sengaja."[2]

Dalam kebanyakan kes, ini menghasilkan tatapan bibir yang serius dan tertutup, dengan apa-apa di luar senyuman yang agak jarang dari segi sejarah. Atau sebagai Charles Dickens katakanlah, "hanya ada dua gaya lukisan potret: yang serius dan yang sering tersenyum."[3] Walaupun diberikan batasan ini, pelbagai emosi halus dapat dilakukan dari ancaman tenang hingga kepuasan lembut. Walau bagaimanapun, dengan mulut yang agak neutral, sebahagian besar ekspresi wajah perlu dibuat melalui mata dan alis. Seperti yang dinyatakan oleh pengarang dan seniman Gordon C. Aymar, "mata adalah tempat yang dicari orang untuk mendapatkan maklumat yang paling lengkap, boleh dipercayai, dan berkaitan" mengenai subjek ini. Dan alis dapat terdaftar, "hampir dengan satu tangan, keajaiban, kasihan, ketakutan, kesakitan, sinis, konsentrasi, kesengsaraan, rasa tidak senang, dan harapan, dalam variasi dan kombinasi yang tidak terhingga."[4]

Lukisan potret dapat menggambarkan subjek "panjang penuh"(seluruh badan),"separuh panjang"(dari kepala ke pinggang atau pinggul), "kepala dan bahu" (awek), atau hanya kepala. Kepala subjek mungkin berpaling dari "muka penuh"(pandangan depan) ke profil (pandangan sisi); a"pandangan tiga perempat"(" pandangan dua pertiga ") berada di suatu tempat di antara, mulai dari hampir frontal hingga hampir profil (pecahan adalah jumlah profil [satu setengah dari wajah] ditambah dengan" quarter-face "sisi lain;[5] sebagai alternatif, setiap sisi dianggap ketiga). Kadang-kadang, seniman telah membuat komposit dengan pandangan dari pelbagai arah, seperti juga Anthony van Dycktiga potret dari Charles I dalam Tiga Kedudukan.[6] Bahkan terdapat beberapa potret di mana bahagian depan subjek tidak kelihatan sama sekali. Andrew Wyeths Dunia Christina (1948) adalah contoh yang terkenal, di mana pose wanita kurang upaya - dengan punggungnya berpaling ke arah penonton - berintegrasi dengan suasana di mana dia ditempatkan untuk menyampaikan tafsiran artis.[7]

Puan. Charpentier dan anak-anaknya, 1878, Muzium Seni Metropolitan, New York

Antara pemboleh ubah lain yang mungkin berlaku, subjek boleh berpakaian atau telanjang; di dalam atau di luar; berdiri, duduk, berbaring; malah berkuda. Lukisan potret boleh terdiri daripada individu, pasangan, ibu bapa dan anak-anak, keluarga, atau kumpulan kolegial. Mereka boleh dibuat di pelbagai media termasuk minyak, cat air, pen dan dakwat, pensel, arang, pastel, dan media campuran. Seniman mungkin menggunakan palet warna yang luas, seperti halnya Pierre-Auguste Renoirs Puan. Charpentier dan anak-anaknya, 1878 atau mengehadkan diri untuk kebanyakan putih atau hitam, seperti halnya Gilbert Stuarts Potret George Washington (1796).

Kadang-kadang, ukuran keseluruhan potret adalah pertimbangan penting. Chuck TutupPotret yang sangat besar yang dibuat untuk paparan muzium sangat berbeza dengan kebanyakan potret yang direka untuk muat di rumah atau untuk perjalanan dengan mudah dengan pelanggan. Kerap kali, seorang seniman mengambil kira di mana potret akhir akan digantung dan warna dan gaya hiasan di sekitarnya.[8]

Membuat potret boleh memerlukan banyak masa, biasanya memerlukan beberapa tempat duduk. Cézanne, pada satu tahap, menegaskan lebih dari 100 sesi dari subjeknya.[9] Goya sebaliknya, lebih suka duduk satu hari yang panjang.[10] Rata-rata adalah sekitar empat.[11] Potretis kadang-kadang menghadirkan para pengasuh mereka dengan portfolio gambar atau gambar dari mana pengasuh akan memilih pose yang disukai, seperti juga Tuan Joshua Reynolds. Sebilangan, seperti Hans Holbein yang Lebih Muda buat lukisan wajah, kemudian lengkapkan sisa lukisan tanpa pengasuh.[12] Pada abad ke-18, biasanya memerlukan masa sekitar satu tahun untuk menyampaikan potret yang lengkap kepada pelanggan.[13]

Menguruskan harapan dan mood pengasuh adalah perhatian serius bagi artis potret. Mengenai kesetiaan potret terhadap penampilan pengasuh, para potretis umumnya konsisten dalam pendekatan mereka. Pelanggan yang mencari Tuan Joshua Reynolds tahu bahawa mereka akan menerima hasil yang memuji, sementara pengasuh Thomas Eakins tahu mengharapkan potret yang realistik dan tidak pantas. Beberapa subjek menyuarakan pilihan yang kuat, yang lain membiarkan artis memutuskan sepenuhnya. Oliver Cromwell terkenal menuntut agar potretnya menunjukkan "semua kekasaran, jerawat, ketuat, dan semua yang anda lihat, jika tidak, saya tidak akan pernah membayar apa-apa untuk itu."[14]

Setelah menenangkan pengasuh dan mendorong pose semula jadi, artis mempelajari subjeknya, mencari satu ekspresi wajah, dari banyak kemungkinan, yang memenuhi konsepnya mengenai intipati pengasuh. Postur subjek juga dipertimbangkan dengan teliti untuk menunjukkan keadaan emosi dan fizikal pengasuh, seperti juga kostum. Untuk memastikan pengasuh tetap terlibat dan bermotivasi, seniman yang mahir akan selalu menjaga tingkah laku dan perbualan yang menyenangkan. Élisabeth Vigée-Lebrun menasihati rakan-rakan seniman untuk memuji wanita dan memuji penampilan mereka untuk mendapatkan kerjasama pada sesi tersebut.[14]

Pusat kejayaan pelaksanaan potret adalah penguasaan anatomi manusia. Wajah manusia adalah seniman potret yang tidak simetri dan mahir menghasilkannya dengan perbezaan kiri-kanan yang halus. Artis perlu berpengetahuan mengenai struktur tulang dan tisu yang mendasari untuk membuat potret yang meyakinkan.

Thomas Gainsborough, Encik dan Puan Andrews di harta tanah mereka, c. 1750.

Untuk komposisi yang kompleks, artis mungkin terlebih dahulu membuat lakaran pensil, dakwat, arang, atau minyak yang lengkap yang sangat berguna sekiranya masa yang ada di pengasuh adalah terhad. Jika tidak, bentuk umum maka gambaran kasar digambarkan pada kanvas dengan pensil, arang, atau minyak tipis. Dalam banyak kes, wajah selesai terlebih dahulu, dan selebihnya selepas itu. Di studio banyak seniman potret yang hebat, tuan hanya akan melakukan kepala dan tangan, sementara pakaian dan latar belakang akan disiapkan oleh perantis utama. Bahkan ada pakar luar yang mengendalikan barang-barang tertentu seperti kain korden dan pakaian, seperti Joseph van Aken[15] Beberapa seniman pada masa lalu digunakan tokoh awam atau boneka untuk membantu membina dan melaksanakan pose dan pakaian.[16] Penggunaan unsur-unsur simbolik yang diletakkan di sekitar pengasuh (termasuk tanda-tanda, objek rumah tangga, haiwan, dan tumbuhan) sering digunakan untuk menyandikan lukisan dengan watak moral atau keagamaan subjek, atau dengan simbol yang mewakili pekerjaan, minat, atau sosial pengasuh status. Latar belakangnya boleh menjadi hitam dan tanpa kandungan atau pemandangan penuh yang menempatkan pengasuh di lingkungan sosial atau rekreasi mereka.

Potret diri biasanya dihasilkan dengan bantuan cermin, dan hasil akhirnya adalah potret gambar-cermin, pembalikan dari apa yang berlaku pada potret biasa ketika pengasuh dan artis saling bertentangan. Dalam potret diri, seorang artis dengan tangan kanan kelihatan memegang sikat di tangan kiri, kecuali jika artis itu dengan sengaja membetulkan gambar atau menggunakan cermin terbalik kedua semasa melukis.

Kadang-kadang, pelanggan atau keluarga pelanggan tidak berpuas hati dengan potret yang dihasilkan dan artis wajib menyentuhnya semula atau melakukannya atau menarik diri dari komisen tanpa dibayar, mengalami kehinaan kerana kegagalan. Jacques-Louis David diraikan Potret Madame Récamier, sangat popular dalam pameran, ditolak oleh pengasuh, seperti dulu John Singer Sargentterkenal Potret Puan X. John Trumbullpotret panjang penuh, Jeneral George Washington di Trenton, ditolak oleh jawatankuasa yang menugaskannya.[17] Yang terkenal berduri Gilbert Stuart pernah menjawab ketidakpuasan pelanggan terhadap potret isterinya dengan menjawab, "Anda membawa saya sebiji kentang, dan anda mengharapkan buah persik!"[18]

Potret yang berjaya, bagaimanapun, dapat memperoleh rasa terima kasih seumur hidup pelanggan. Count Balthazar sangat gembira dengan potret itu Raphael telah menciptakan isterinya bahawa dia mengatakan kepada artis, "Gambar anda ... sendiri dapat meringankan kepedulian saya. Gambar itu adalah kegembiraan saya; saya mengarahkan senyum saya ke sana, itu adalah kegembiraan saya."[19]

Sejarah

Dunia purba

Potret pengebumian Rom-Mesir seorang wanita

Akar potret dijumpai pada zaman prasejarah, walaupun sebilangan kecil karya ini masih bertahan hingga kini. Dalam seni peradaban kuno Bulan Sabit Subur, terutama di Mesir, gambaran penguasa dan penguasa sebagai tuhan berlimpah. Walau bagaimanapun, kebanyakan ini dilakukan dengan cara yang sangat bergaya, dan yang paling berprofil, biasanya pada batu, logam, tanah liat, plaster, atau kristal. Potret Mesir kurang memberi penekanan pada kemiripan, sekurang-kurangnya hingga periode Akhenaten pada abad ke-14 SM. Lukisan potret terkenal di China mungkin wujud sejak lebih dari 1000 SM, walaupun tidak ada yang bertahan sejak zaman itu. Potret Cina yang ada wujud sekitar tahun 1000 Masihi,[20] tetapi tidak banyak memberi penekanan pada kesamaan sehingga beberapa ketika selepas itu.

Dari bukti sastera kita tahu bahawa lukisan Yunani kuno termasuk potret, selalunya sangat tepat jika pujian para penulis dapat dipercayai, tetapi tidak ada contoh yang dilukis. Ketua penguasa yang terpahat dan tokoh terkenal seperti Socrates bertahan dalam kuantiti yang banyak, dan seperti keperibadian individu Hellenistik penguasa pada duit syiling, menunjukkan bahawa potret Yunani dapat mencapai kesamaan yang baik, dan subjek, paling tidak tokoh sastera, digambarkan dengan sanjungan yang agak kecil - Potret Socrates menunjukkan mengapa dia memiliki reputasi sebagai jelek. Pengganti Alexander yang Agung memulakan amalan menambahkan kepalanya (sebagai mendewakan angka) untuk duit syiling mereka, dan tidak lama lagi menggunakan wang mereka.

Potret Rom mengamalkan tradisi potret dari kedua Etruscans dan orang Yunani, dan mengembangkan tradisi yang sangat kuat, yang berkaitan dengan penggunaan agama mereka untuk potret nenek moyang, dan juga politik Rom. Sekali lagi, beberapa mangsa yang dilukis, di Potret Fayum, Makam Aline dan juga Severan Tondo, semuanya berasal dari Mesir di bawah pemerintahan Rom, jelas merupakan produksi wilayah yang mencerminkan gaya Yunani daripada gaya Rom, tetapi kita memiliki banyak kepala terpahat, termasuk banyak potret individual dari makam kelas menengah, dan ribuan jenis potret duit syiling.

Kumpulan potret terbesar yang dilukis adalah lukisan pengebumian yang bertahan di iklim kering Mesir Fayum daerah (lihat ilustrasi, di bawah), bermula dari abad ke-2 hingga ke-4 Masihi. Ini adalah satu-satunya lukisan dari zaman Rom yang masih ada, selain lukisan dinding, walaupun diketahui dari tulisan-tulisan dari Pliny the Elder bahawa lukisan potret mapan pada zaman Yunani, dan dipraktikkan oleh seniman lelaki dan wanita.[21] Pada zamannya, Pliny mengeluh tentang keadaan seni potret Rom yang merosot, "Lukisan potret yang digunakan untuk menyebarkan zaman seperti rupa manusia yang tepat, telah habis ... Indolence telah menghancurkan seni." [22][23] Potret wajah penuh dari Mesir Rom ini adalah pengecualian yang beruntung. Mereka menunjukkan rasa perkadaran dan perincian individu yang agak realistik (walaupun mata umumnya besar dan kemahiran artistik sangat berbeza dari artis ke artis). Potret Fayum dicat pada kayu atau gading dengan warna lilin dan resin (encaustic) atau dengan tempera, dan dimasukkan ke dalam pembalut mumi, untuk tetap bersama badan hingga selama-lamanya.

Walaupun lukisan potret berdiri bebas berkurang di Rom, seni potret berkembang di patung Rom, di mana pengasuh menuntut realisme, walaupun tidak menarik. Selama abad ke-4, potret yang diukir mendominasi, dengan mundur memihak kepada simbol ideal seperti apa orang itu. (Bandingkan potret Maharaja Rom Konstantin I dan Theodosius I) Di dalam Antik Lewat jangka masa minat seseorang mirip menurun, dan kebanyakan potret dalam syiling Rom akhir dan diptychs konsular sama sekali tidak individual, walaupun pada masa yang sama Seni Kristian awal berkembang gambar yang cukup standard untuk penggambaran Yesus dan tokoh-tokoh utama lain dalam seni Kristian, seperti John Pembaptis, dan Saint Peter.

Pertengahan umur

Persendirian kecil Wilton Diptych untuk Richard II dari England, c. 1400, dengan latar belakang emas yang dicop dan banyak lagi ultramarine.

Sebilangan besar potret abad pertengahan awal potret penderma, pada mulanya kebanyakan paus dalam bahasa Rom mozek, dan manuskrip yang diterangi, contoh menjadi potret diri oleh penulis, mistik, saintis, pencahayaan, dan pemuzik Hildegard of Bingen (1152).[24] Seperti duit syiling kontemporari, ada sedikit usaha yang serupa. Batu tugu kubur merebak di Romanesque tempoh. Antara tahun 1350-1400, tokoh sekular mulai muncul kembali dalam bentuk lukisan dinding dan lukisan panel, seperti di Master Teodoriks Charles IV menerima siuman,[25] dan potret sekali lagi menjadi gambaran yang jelas.

Sekitar akhir abad ini, potret minyak pertama individu kontemporari, yang dilukis pada panel kayu kecil, muncul di Burgundy dan Perancis, pertama sebagai profil, kemudian dalam pandangan lain. The Wilton Diptych kira-kira 1400 adalah salah satu daripada dua potret panel yang masih ada di Richard II dari England, Raja Inggeris yang paling awal yang mempunyai contoh kontemporari.

Pada akhir Pertengahan umur pada abad ke-15, Lukisan Belanda awal adalah kunci kepada pengembangan potret individu. Sarjana termasuk Jan van Eyck, Robert Campin dan Rogier van der Weyden, dalam kalangan yang lain. Agak kecil lukisan panel potret, kurang dari setengah ukuran hidup, ditugaskan, bukan hanya tokoh dari pengadilan, tetapi apa yang muncul dari pakaian mereka yang agak biasa menjadi penduduk kota yang kaya. Miniatur di manuskrip yang diterangi juga termasuk potret individu, biasanya komisaris. Dalam lukisan keagamaan, potret penderma mulai ditunjukkan sebagai hadir, atau mengambil bahagian dalam adegan suci utama yang ditunjukkan, dan di lebih banyak gambar mahkamah peribadi, subjek bahkan muncul sebagai tokoh penting seperti Perawan Maria.

Renaissance

Sebahagian daripada minat terhadap dunia semula jadi dan sebahagiannya tidak menarik minat budaya klasik Yunani kuno dan Rom, potret - baik yang dilukis dan dipahat - diberi peranan penting dalam masyarakat Renaissance dan dinilai sebagai objek, dan sebagai gambaran kejayaan duniawi dan status. Lukisan secara umum mencapai tahap keseimbangan, keharmonian, dan wawasan yang baru, dan para seniman terhebat (Leonardo, Michelangelo, dan Raphael) dianggap "genius", naik jauh di atas status pedagang kepada para hamba istana dan gereja yang dihargai.[26]

Sekiranya penyair mengatakan bahawa dia dapat membakar lelaki dengan cinta ...
pelukis mempunyai kekuatan untuk melakukan perkara yang sama…
agar dia dapat meletakkan di hadapan kekasih
gambaran sebenar orang yang dikasihi,
sering membuatnya mencium dan bercakap dengannya.

–Leonardo de 'Vinci[27]

Banyak inovasi dalam pelbagai bentuk potret berkembang pada masa subur ini. Tradisi dari miniatur potret bermula, yang tetap popular hingga usia fotografi, berkembang dari kemahiran pelukis miniatur dalam manuskrip yang diterangi. Potret profil, yang diilhami oleh medali kuno, sangat popular di Itali antara tahun 1450 dan 1500. Pingat, dengan gambar dua sisi mereka, juga mengilhami vogue jangka pendek untuk lukisan dua sisi pada awal Renaissance.[28] Arca klasik, seperti Apollo Belvedere, juga mempengaruhi pilihan pose yang digunakan oleh potretis Renaissance, pose yang terus digunakan selama berabad-abad.[29] Leonardo Ginevra de 'Benci (c. 1474–8) adalah salah satu potret tiga suku pandangan pertama yang terkenal dalam seni Itali.[27]

Artis Eropah Utara memimpin potret subjek sekular yang realistik. Realisme dan perincian seniman Utara yang lebih besar pada abad ke-15 disebabkan sebahagian daripada kesan dan kesan sikat yang lebih baik dengan warna minyak, sementara pelukis Itali dan Sepanyol masih menggunakan tempera. Antara pelukis terawal mengembangkan teknik minyak adalah Jan van Eyck. Warna minyak dapat menghasilkan tekstur dan tahap ketebalan yang lebih banyak, dan dapat dilapisi dengan lebih berkesan, dengan penambahan lapisan yang semakin tebal satu sama lain (dikenali oleh pelukis sebagai 'fat over lean'). Juga, warna minyak kering dengan lebih perlahan, membolehkan artis membuat perubahan dengan mudah, seperti mengubah perincian wajah. Antonello da Messina adalah salah satu orang Itali pertama yang memanfaatkan minyak. Dilatih di Belgium, dia menetap di Venice sekitar tahun 1475, dan merupakan pengaruh besar di Giovanni Bellini dan sekolah Itali Utara.[30] Selama abad ke-16, minyak sebagai media tersebar popular di seluruh Eropah, memungkinkan penampilan pakaian dan perhiasan yang lebih mewah. Juga mempengaruhi kualiti gambar, adalah pertukaran dari kayu ke kanvas, bermula di Itali pada awal abad ke-16 dan merebak ke Eropah Utara pada abad berikutnya. Kanvas tahan retak lebih baik daripada kayu, tahan pigmen lebih baik, dan memerlukan lebih sedikit persiapan ― tetapi pada awalnya jauh lebih sukar daripada kayu.

Sejak awal, orang-orang Eropah Utara meninggalkan profil tersebut, dan mula menghasilkan potret volume dan perspektif yang realistik. Di Belanda, Jan van Eyck adalah seorang potretis terkemuka. Perkahwinan Arnolfini (1434, Galeri Nasional, London) adalah mercu tanda seni Barat, contoh awal potret pasangan panjang, dicat dengan warna yang indah dan perincian yang indah. Tetapi sama pentingnya, ia memperlihatkan teknik lukisan minyak yang baru dikembangkan yang dipelopori oleh van Eyck, yang merevolusikan seni, dan tersebar ke seluruh Eropah.[31]

Artis potret Jerman terkemuka termasuk Lucas Cranach, Albrecht Dürer, dan Hans Holbein yang Lebih Muda yang semua menguasai teknik melukis minyak. Cranach adalah salah satu artis pertama yang melukis komisen seukuran penuh, tradisi yang popular sejak itu.[32] Pada masa itu, England tidak mempunyai pelukis potret dari peringkat pertama, dan seniman seperti Holbein diminta oleh pelanggan Inggeris.[33] Lukisannya dari Tuan Thomas Lebih (1527), pelindung pertamanya yang penting di England, hampir mempunyai realisme gambar.[34] Holbein membuat kejayaan besar melukis keluarga kerajaan, termasuk Henry VIII. Dürer adalah juru gambar yang luar biasa dan salah satu artis utama pertama yang membuat urutan potret diri, termasuk lukisan wajah penuh. Dia juga meletakkan gambar potret dirinya (sebagai peninjau) di beberapa lukisan keagamaannya.[35] Dürer mula membuat potret diri pada usia tiga belas tahun.[36] Kemudian, Rembrandt akan mengukuhkan tradisi itu.

Di Itali, Masaccio memimpin dalam memodenkan lukisan dinding dengan mengadopsi perspektif yang lebih realistik. Filippo Lippi membuka jalan dalam mengembangkan kontur yang lebih tajam dan garis berliku[37] dan anak muridnya Raphael memperluas realisme di Itali ke tahap yang jauh lebih tinggi dalam beberapa dekad berikutnya dengan lukisan dindingnya yang monumental.[38] Selama ini, potret pertunangan menjadi popular, keistimewaan khas Lorenzo Lotto.[39] Pada zaman Renaissance awal, lukisan potret pada umumnya kecil dan kadang-kadang ditutup dengan penutup pelindung, berengsel atau gelongsor.[40]

Semasa zaman Renaissance, kaum bangsawan Florentine dan Milan, khususnya, menginginkan perwakilan mereka yang lebih realistik. Cabaran untuk mewujudkan pandangan penuh dan tiga perempat yang meyakinkan mendorong percubaan dan inovasi. Sandro Botticelli, Piero della Francesca, Domenico Ghirlandaio, Lorenzo di Credi, dan Leonardo da Vinci dan seniman lain mengembangkan teknik mereka dengan sewajarnya, menambah potret untuk subjek agama dan klasik tradisional. Leonardo dan Pisanello adalah antara seniman Itali pertama yang menambahkan simbol kiasan pada potret sekular mereka.[38]

Leonardo da Vinci, Mona Lisa atau La Gioconda, 1503–1505/1507

Salah satu potret terkenal di dunia Barat adalah Leonardo da Vincilukisan bertajuk Mona Lisa, dinamakan untuk Lisa del Giocondo,[41][42][43] ahli keluarga Gherardini Florence dan Tuscany dan isteri saudagar sutera Florentine yang kaya Francesco del Giocondo. "Senyum Mona Lisa" yang terkenal adalah contoh terbaik untuk menerapkan asimetri halus pada wajah. Dalam buku catatannya, Leonardo memberi nasihat mengenai kualiti cahaya dalam lukisan potret:

Rahmat yang sangat tinggi dalam cahaya dan bayangan ditambahkan pada wajah orang-orang yang duduk di ambang pintu bilik yang gelap, di mana mata pengamat melihat bahagian wajah yang dibayang-bayang dikaburkan oleh bayang-bayang bilik, dan lihat bahagian wajah yang terang dengan kecerahan yang lebih besar yang diberikan oleh udara. Dengan peningkatan bayangan dan cahaya ini, wajah diberi kelegaan yang lebih besar.[44]

Leonardo adalah seorang pelajar dari Verrocchio. Setelah menjadi ahli Guild of Painters, dia mula menerima komisen bebas. Oleh kerana minatnya yang luas dan sesuai dengan pemikiran ilmiahnya, hasil lukisan dan kajian awalnya sangat besar walaupun hasil artinya yang dihasilkan agak kecil. Potret lain yang tidak dapat dilupakan termasuk gambar wanita bangsawan Ginevra de ’Benci dan Cecilia Gallerani.[45]

Potret komisen Raphael yang masih ada jauh lebih banyak daripada gambar Leonardo, dan mereka memaparkan pelbagai pose, pencahayaan, dan teknik yang lebih besar. Daripada menghasilkan inovasi revolusioner, prestasi besar Raphael adalah memperkuat dan menyempurnakan arus seni Renaissance yang sedang berkembang.[46] Dia sangat ahli dalam potret kumpulan. Karya agungnya Sekolah Athens adalah salah satu lukisan dinding kelompok terunggul, yang mengandungi kesamaan Leonardo, Michelangelo, Bramante, dan Raphael sendiri, dalam penyamaran ahli falsafah kuno.[47] Itu bukan potret kumpulan pertama artis. Dekad lebih awal, Paolo Uccello telah melukis potret kumpulan termasuk Giotto, Donatello, Antonio Manetti, dan Brunelleschi.[35] Ketika dia semakin terkenal, Raphael menjadi potret potret kegemaran paus. Walaupun banyak seniman Renaissance dengan senang hati menerima komisen potret, beberapa artis menolaknya, terutama pesaing Raphael Michelangelo, yang sebaliknya mengambil komisen besar dari Kapel Sistine.[38]

Di Venice sekitar 1500, Bellini yang bukan Yahudi dan Giovanni Bellini lukisan potret yang didominasi. Mereka mendapat komisen tertinggi dari pegawai terkemuka negeri. Potret Bellini Doge Loredan dianggap sebagai salah satu potret Renaissance terbaik dan memperlihatkan penguasaan artis mengenai teknik lukisan minyak yang baru tiba.[48] Bellini juga merupakan salah satu artis pertama di Eropah yang menandatangani karya mereka, walaupun dia jarang bertarikh dengannya.[49] Kemudian pada abad ke-16, Titian memegang peranan yang sama, terutama dengan memperluas berbagai pose dan tempat duduk para raja. Titian mungkin merupakan potretis anak pertama yang hebat.[50] Selepas Titian, Tintoretto dan Veronese menjadi seniman Venesia terkemuka, membantu peralihan ke bahasa Itali Mannerisme. The Mannerists menyumbang banyak potret luar biasa yang menekankan kekayaan material dan pose yang elegan, seperti dalam karya Agnolo Bronzino dan Jacopo da Pontormo. Bronzino membuat kemasyhurannya menggambarkan Medici keluarga. Potretnya yang berani Cosimo I de 'Medici, menunjukkan penguasa yang berperisai dengan mata yang waspada menatap ke kanannya, berbeza dengan kebanyakan lukisan kerajaan yang memperlihatkan pengasuh mereka sebagai raja yang jinak.[51] El Greco, yang berlatih di Venice selama dua belas tahun, menuju ke arah yang lebih ekstrem setelah kedatangannya di Sepanyol, menekankan "penglihatan dalaman" pengasuhnya sehingga mengecilkan realiti penampilan fizikal.[52] Salah satu potretis terbaik Itali abad ke-16 adalah Sofonisba Anguissola dari Cremona, yang memasukkan potret individu dan kumpulannya dengan tahap kerumitan baru.

Potret pengadilan di Perancis bermula ketika artis Flemish Jean Clouet melukis kemewahannya Francis I dari Perancis sekitar tahun 1525.[53] Raja Francis adalah penaung seniman yang hebat dan pengumpul seni yang gemar mengundang Leonardo da Vinci untuk tinggal di Perancis pada tahun-tahun berikutnya. The Mona Lisa tinggal di Perancis setelah Leonardo meninggal di sana.[53]

Barok dan Rococo

Semasa Barok dan Rococo tempoh (masing-masing abad ke-17 dan ke-18), potret menjadi catatan status dan kedudukan yang lebih penting. Dalam masyarakat yang dikuasai oleh para pemimpin sekular di mahkamah yang berkuasa, gambar tokoh-tokoh yang berpakaian mewah adalah cara untuk mengesahkan kewibawaan individu penting. Pelukis Flemish Tuan Anthony van Dyck dan Peter Paul Rubens cemerlang dalam jenis potret ini, sementara Jan Vermeer menghasilkan potret kebanyakan kelas menengah, di tempat kerja dan bermain di dalam rumah. Potret Rubens tentang dirinya dan isteri pertamanya (1609) dalam pakaian perkahwinan mereka adalah contoh virtuoso dari potret pasangan itu.[55] Ketenaran Rubens melampaui seninya — dia seorang pengadilan, diplomat, pengumpul seni, dan ahli perniagaan yang berjaya. Studio-nya adalah salah satu yang paling luas pada masa itu, dengan menggunakan pakar dalam pemandangan hidup, pemandangan, haiwan dan genre, selain potret. Van Dyck berlatih di sana selama dua tahun.[56] Charles I dari England pertama kali menggaji Rubens, kemudian mengimport van Dyck sebagai pelukis pengadilannya, mengaitkannya dan memberikannya status sopan. Van Dyck bukan sahaja menyesuaikan kaedah pengeluaran dan kemahiran perniagaan Rubens, tetapi juga tingkah laku dan penampilannya yang elegan. Seperti yang tercatat, "Dia selalu berpakaian cantik, memiliki peralatan yang banyak dan gagah, dan menyimpan meja yang sangat mulia di apartmennya, sehingga beberapa pangeran tidak lebih dikunjungi, atau lebih baik."[57] Di Perancis, Hyacinthe Rigaud didominasi dengan cara yang sama, sebagai penulis sejarah yang luar biasa, melukis potret lima raja Perancis.[58]

Salah satu inovasi seni Renaissance adalah peningkatan ekspresi wajah untuk menemani emosi yang berbeza. Khususnya, pelukis Belanda Rembrandt meneroka banyak ekspresi wajah manusia, terutama sebagai salah satu potret diri utama (yang mana dia melukis lebih dari 60 sepanjang hayatnya).[59] Minat pada wajah manusia ini juga mendorong penciptaan karikatur pertama, yang dikreditkan ke Accademia degli Incamminati, dikendalikan oleh pelukis Keluarga Carracci pada akhir abad ke-16 di Bologna, Itali.

Potret kumpulan dihasilkan dalam jumlah yang banyak dalam tempoh Barok, terutama di Belanda. Tidak seperti di seluruh Eropah, seniman Belanda tidak mendapat komisen dari Gereja Calvinis yang melarang gambar seperti itu atau dari golongan bangsawan yang hampir tidak ada. Sebaliknya, komisen datang dari persatuan sivik dan perniagaan. Pelukis Belanda Frans Hals menggunakan sapuan kuas cair dengan warna terang untuk memeriahkan potret kumpulannya, termasuk pengawal awam yang menjadi miliknya. Rembrandt mendapat banyak manfaat dari komisi tersebut dan dari apresiasi umum seni oleh klien borjuasi, yang menyokong potret serta lukisan hidup dan pemandangan. Di samping itu, pasaran seni dan peniaga pertama yang berkembang pesat di Belanda pada masa itu.[60]

Dengan banyak permintaan, Rembrandt dapat bereksperimen dengan komposisi dan teknik yang tidak konvensional, seperti chiaroscuro. Dia menunjukkan inovasi ini, dipelopori oleh tuan Itali seperti Caravaggio, paling terkenal dengan yang terkenal Jam Tangan Malam (1642).[61] Pelajaran Anatomi Dr. Tulp (1632) adalah satu lagi contoh baik penguasaan lukisan kumpulan Rembrandt, di mana dia memandikan mayat dengan cahaya terang untuk menarik perhatian ke pusat lukisan sementara pakaian dan latar belakang bergabung menjadi hitam, menjadikan wajah pakar bedah dan pelajar menonjol. Ini juga merupakan lukisan pertama yang ditandatangani oleh Rembrandt dengan nama penuhnya.[62]

Di Sepanyol, Diego Velázquez dicat Las Meninas (1656), salah satu potret kumpulan yang paling terkenal dan penuh misteri sepanjang masa. Ini memperingati artis dan anak-anak keluarga kerajaan Sepanyol, dan nampaknya pengasuh adalah pasangan diraja yang hanya dilihat sebagai pantulan di cermin.[63] Bermula sebagai pelukis genre, Velázquez dengan cepat menjadi terkenal sebagai pelukis mahkamah Philip IV, cemerlang dalam seni potret, terutama dalam memperluas kerumitan potret kumpulan.[64]

Seniman Rococo, yang sangat berminat dengan hiasan yang kaya dan rumit, adalah tuan dalam potret yang halus. Perhatian mereka terhadap perincian pakaian dan tekstur meningkatkan keberkesanan potret sebagai bukti kekayaan duniawi, seperti yang dibuktikan oleh François BoucherPotret Madame de Pompadour yang terkenal dengan gaun sutera.

Louis XIV dari Perancis dan keluarganya digambarkan sebagai dewa Rom dalam lukisan tahun 1670 oleh Jean Nocret.[65]

Pelukis potret asli utama sekolah Inggeris yang pertama adalah pelukis Inggeris Thomas Gainsborough dan Tuan Joshua Reynolds, yang juga pakar dalam pakaian subjek mereka dengan cara yang menarik. Gainsborough's Budak Biru adalah salah satu potret yang paling terkenal dan terkenal sepanjang masa, dicat dengan berus yang sangat panjang dan warna minyak nipis untuk mencapai kesan kostum biru yang berkilauan.[66] Gainsborough juga terkenal kerana latar belakangnya yang rumit untuk subjeknya.

Kedua-dua seniman Inggeris itu mempunyai pendapat yang bertentangan mengenai penggunaan pembantu. Reynolds menggunakan mereka secara berkala (kadang-kadang hanya membuat 20 peratus lukisan itu sendiri) sementara Gainsborough jarang melakukannya.[67] Kadang kala pelanggan akan mengambil janji dari artis, seperti juga Sir Richard Newdegate dari potretis Peter Lely (pengganti van Dyck di England), yang berjanji bahawa potret itu akan "dari Permulaan hingga akhir akhir dengan tangan saya sendiri."[68] Tidak seperti ketepatan yang digunakan oleh tuan Flemish, Reynolds menyimpulkan pendekatannya untuk potret dengan menyatakan bahawa, "rahmat, dan, mungkin kita tambahkan, kesamaan, lebih bergantung pada pengambilan udara umum, daripada memerhatikan persamaan yang tepat dari setiap ciri . "[69] Juga terkenal di England adalah William Hogarth, yang berani menolak kaedah konvensional dengan memperkenalkan sentuhan humor di potretnya. "Potret Diri Sendiri dengan Pug" jelas lebih menarik daripada haiwan peliharaannya daripada lukisan yang memanjakan diri.[70]

Pada abad ke-18, pelukis wanita mendapat kepentingan baru, terutama dalam bidang potret. Artis wanita terkenal termasuk pelukis Perancis Élisabeth Vigée-Lebrun, Artis pastel Itali Rosalba Carriera, dan artis Switzerland Angelica Kauffman. Juga pada abad itu, sebelum penemuan fotografi, potret miniatur ― dicat dengan ketepatan yang luar biasa dan sering dibungkus emas atau loket enamel ― sangat dihargai.

Di Amerika Syarikat, John Singleton Copley, bersekolah dalam bahasa Inggeris yang halus, menjadi pelukis terkemuka potret bersaiz penuh dan miniatur, dengan gambarnya yang sangat realistik Samuel Adams dan Paul Revere terutama dipandang baik. Copley juga terkenal dengan usahanya untuk menggabungkan potret dengan seni lukisan sejarah yang lebih dihormati secara akademik, yang dia cuba dengan potret kumpulannya yang terdiri daripada tentera terkenal.[71] Sama terkenal adalah Gilbert Stuart yang melukis lebih dari 1,000 potret dan sangat terkenal dengan potret presidennya. Stuart melukis lebih dari 100 replika George Washington bersendirian.[72] Stuart bekerja dengan cepat dan menggunakan sapuan kuas yang lebih lembut dan kurang terperinci daripada Copley untuk menangkap intipati subjeknya. Kadang-kadang dia membuat beberapa versi untuk pelanggan, membiarkan pengasuh memilih kegemaran mereka.[73] Terkenal dengan nada pipi kemerahannya, Stuart menulis, "dagingnya tidak seperti zat lain di bawah surga. Ia memiliki semua keindahan toko sutera tanpa cela, dan semua kelembutan mahoni tua, tanpa kesedihannya." [74] Potretis Amerika terkemuka lain pada zaman penjajahan adalah John Smibert, Thomas Sully, Ralph Earl, John Trumbull, Benjamin Barat, Robert Feke, James Peale, Charles Willson Peale, dan Rembrandt Peale.

abad ke-19

Puan Récamier (1800), pada ketinggian Neoklasik fesyen, Jacques-Louis David

Pada akhir abad ke-18 dan awal abad ke-19, neoklasik artists continued the tradition of depicting subjects in the latest fashions, which for women by then, meant diaphanous gowns derived from ancient Greek and Roman clothing styles. The artists used directed light to define texture and the simple roundness of faces and limbs. Pelukis Perancis Jacques-Louis David dan Jean-Auguste-Dominique Ingres demonstrated virtuosity in this draftsman-like technique as well as a keen eye for character. Ingres, a student of David, is notable for his portraits in which a mirror is painted behind the subject to simulate a rear view of the subject.[75] His portrait of Napoleon on his imperial throne is a tour de force of regal portraiture. (see Gallery below)

Romantik artists who worked during the first half of the 19th century painted portraits of inspiring leaders, beautiful women, and agitated subjects, using lively brush strokes and dramatic, sometimes moody, lighting. Seniman Perancis Eugène Delacroix dan Théodore Géricault painted particularly fine portraits of this type, especially dashing horsemen.[76] A notable example of artist of romantic period in Poland, who practised a horserider portrait was Piotr Michałowski (1800–1855). Also noteworthy is Géricault's series of portraits of mental patients (1822–1824). Spanish painter Francisco de Goya painted some of the most searching and provocative images of the period, including La maja desnuda(c. 1797–1800), as well as famous court portraits of Charles IV.

The realis artists of the 19th century, such as Gustave Courbet, created objective portraits depicting lower and middle-class people. Demonstrating his romanticism, Courbet painted several self-portraits showing himself in varying moods and expressions.[77] Other French realists include Hormatilah Daumier who produced many caricatures of his contemporaries. Henri de Toulouse-Lautrec chronicled some of the famous performers of the theater, including Jane Avril, capturing them in motion.[78] Pelukis Perancis Manet Édouard, was an important transitional artist whose work hovers between realism and impresionisme. He was a portraitist of outstanding insight and technique, with his painting of Stéphane Mallarmé being a good example of his transitional style. Kontemporari beliau Edgar Degas was primarily a realist and his painting Portrait of the Bellelli Family is an insightful rendering of an unhappy family and one of his finest portraits.[79]

Di Amerika, Thomas Eakins reigned as the premier portrait painter, taking realism to a new level of frankness, especially with his two portraits of surgeons at work, as well as those of athletes and musicians in action. In many portraits, such as "Portrait of Mrs. Edith Mahon", Eakins boldly conveys the unflattering emotions of sorrow and melancholy.[80]

The Realists mostly gave way to the Impresionis by the 1870s. Partly due to their meager incomes, many of the Impressionists relied on family and friends to model for them, and they painted intimate groups and single figures in either outdoors or in light-filled interiors. Noted for their shimmering surfaces and rich dabs of paint, Impressionist portraits are often disarmingly intimate and appealing. Pelukis Perancis Claude Monet dan Pierre-Auguste Renoir created some of the most popular images of individual sitters and groups. Artis Amerika Mary Cassatt, who trained and worked in France, is popular even today for her engaging paintings of mothers and children, as is Renoir.[81] Paul Gauguin dan Vincent van Gogh, kedua-duanya Pasca-Impresionis, painted revealing portraits of people they knew, swirling in color but not necessarily flattering. They are equally, if not more so, celebrated for their powerful self-portraits.

John Singer Sargent also spanned the change of century, but he rejected overt Impressionism and Post-Impressionism. He was the most successful portrait painter of his era, using a mostly realistic technique often effused with the brilliant use of color. He was equally apt at individual and group portraits, particularly of upper-class families. Sargent was born in Florence, Italy to American parents. He studied in Italy and Germany, and in Paris. Sargent is considered to be the last major exponent of the British portrait tradition beginning with van Dyck.[81] Another prominent American portraitist who trained abroad was William Merritt Chase. American society painter Cecilia Beaux, called the "female Sargent", was born of a French father, studied abroad and gained success back home, sticking with traditional methods. Another portraitist compared to Sargent for his lush technique was Italian-born Parisian artist Giovanni Boldini, a friend of Degas and Wisel.

American-born Internationalist James Abbott McNeill Whistler was well-connected with European artists and also painted some exceptional portraits, most famously his Arrangement in Grey and Black, The Artist's Mother (1871), juga dikenali sebagai Whistler's Mother.[82] Even with his portraits, as with his tonal landscapes, Whistler wanted his viewers to focus on the harmonic arrangement of form and color in his paintings. Whistler used a subdued palette to create his intended effects, stressing color balance and soft tones. As he stated, "as music is the poetry of sound, so is painting the poetry of sight, and the subject-matter has nothing to do with the harmony of sound or of color."[83] Form and color were also central to Cézanne's portraits, while even more extreme color and brush stroke technique dominate the portraits by André Derain, dan Henri Matisse.[84]

The development of photography in the 19th century had a significant effect on portraiture, supplanting the earlier obscura kamera which had also been previously used as an aid in painting. Many modernists flocked to the photography studios to have their portraits made, including Baudelaire who, though he proclaimed photography an "enemy of art", found himself attracted to photography's frankness and power.[85] By providing a cheap alternative, photography supplanted much of the lowest level of portrait painting. Some realist artists, such as Thomas Eakins dan Edgar Degas, were enthusiastic about camera photography and found it to be a useful aid to composition. From the Impressionists forward, portrait painters found a myriad number of ways to reinterpret the portrait to compete effectively with photography.[86] Sargent and Whistler were among those stimulated to expand their technique to create effects that the camera could not capture.

abad ke-20

Potret Gertrude Stein, 1906, Muzium Seni Metropolitan, Bandar New York. When someone commented that Stein did not look like her portrait, Picasso replied, "She will".[87]

Other early 20th-century artists also expanded the repertoire of portraiture in new directions. Fauvist artis Henri Matisse produced powerful portraits using non-naturalistic, even garish, colors for skin tones. Cézanne's relied on highly simplified forms in his portraits, avoiding detail while emphasizing color juxtapositions.[88] Orang Austria Gustav Klimt's unique style applied Byzantine motifs and gold paint to his memorable portraits. Anak muridnya Oskar Kokoschka was an important portraitist of the Viennese upper class. Prolific Spanish artist Pablo Picasso painted many portraits, including several kubis renderings of his mistresses, in which the likeness of the subject is grossly distorted to achieve an emotional statement well beyond the bounds of normal caricature.[89] An outstanding female portrait painter of the turn of the 20th century, associated with the Impresionisme Perancis, adalah Olga Boznańska (1865–1940).Ekspresionis painters provided some of the most haunting and compelling psychological studies ever produced. German artists such as Otto Dix dan Max Beckmann produced notable examples of expressionist portraiture. Beckmann was a prolific self-portraitist, producing at least twenty-seven.[90] Amedeo Modigliani painted many portraits in his elongated style which depreciated the "inner person" in favor of strict studies of form and color. To help achieve this, he de-emphasized the normally expressive eyes and eyebrows to the point of blackened slits and simple arches.[91]

British art was represented by the Vorticists, who painted some notable portraits in the early part of the 20th century. The Dada pelukis Francis Picabia executed numerous portraits in his unique fashion. Selain itu, Tamara de Lempicka's portraits successfully captured the Hiasan seni era with her streamlined curves, rich colors and sharp angles. Di Amerika, Robert Henri dan George Bellows were fine portraitists of the 1920s and 1930s of the American realist school. Max Ernst produced an example of a modern collegial portrait with his 1922 painting Semua Rakan Bersama.[92]

A significant contribution to the development of portrait painting of 1930–2000 was made by Russian artists, mainly working in the traditions of realist and figurative painting. Among them should be called Isaak Brodsky, Nikolai Fechin, Abram Arkhipov dan lain lain.[93]

Portrait production in Europe (excluding Russia) and the Americas generally declined in the 1940s and 1950s, a result of the increasing interest in pengabstrakan and nonfigurative art. One exception, however, was Andrew Wyeth who developed into the leading American realist portrait painter. With Wyeth, realism, though overt, is secondary to the tonal qualities and mood of his paintings. This is aptly demonstrated with his landmark series of paintings known as the "Helga" pictures, the largest group of portraits of a single person by any major artist (247 studies of his neighbor Helga Testorf, clothed and nude, in varying surroundings, painted during the period 1971–1985).[94]

By the 1960s and 1970s, there was a revival of portraiture. English artists such as Lucian Freud (cucu lelaki dari Sigmund Freud) dan Francis Bacon have produced powerful paintings. Bacon's portraits are notable for their nightmarish quality. In May 2008, Freud's 1995 portrait Manfaat Penyelia Tidur was sold by auction by Christie's in New York City for $33.6 million, setting a world record for sale value of a painting by a living artist.[95]

Many contemporary American artists, such as Andy Warhol, Alex Katz dan Chuck Tutup, have made the human face a focal point of their work.

Warhol was one of the most prolific portrait painters in the 20th-century. Warhol's painting Orange Shot Marilyn daripada Marilyn Monroe is an iconic early example off his work from the 1960s, and Orange Prince (1984) of the pop singer Putera is later example, both exhibiting Warhol's unique graphic style of portraiture.[96][97][98][99]

Close's specialty was huge, hyper-realistic wall-sized "head" portraits based on photographic images. Jamie Wyeth continues in the realist tradition of his father Andrew, producing famous portraits whose subjects range from Presidents to pigs.

Islamic world and South Asia

The Maharaja Mughal Jahangir often had himself depicted with a halo of unprecedented size. kira-kira 1620

The Miniatur Parsi tradition avoided giving figures individualized facial features for a long time, partly for religious reasons, to avoid any hint of penyembahan berhala. Rulers in the Dunia Islam never put their images on their coins, and their appearance did not form part of their Perhubungan Awam effort in the way that it did in the West. Even where it is clear that a scene shows the court of the prince commissioning the work, the features of the chief figure have the same rather Chinese-looking features as all the rest. This long-lasting convention seems to derive from the start of the miniature tradition under the Orang Mongol Ilkhanid, but long outlived them.

When the Persian tradition developed as the Miniatur Mughal in India, things rapidly changed. Unlike their Persian predecessors, Mughal patrons placed great emphasis on detailed naturalistic likenesses of all the unfamiliar natural forms of their new empire, such as animals, birds and plants. They had the same attitude to human portraiture, and individual portraits, normally in profile, became an important feature of the tradition. This received a particular emphasis under Emperor Akbar yang Agung, who seems to have been disleksia, and could barely read or write himself. He had a large album (muraqqa) made with portraits of all the leading members of his huge court, and used this when considering appointments around the empire with his advisors.[100]

Later emperors, especially Jahangir dan Shah Jahan, made great use of idealized miniature portraits of themselves as a form of propaganda, distributing them to significant allies. These often featured halo larger than those given to any religious figures. Such images spread the idea of the portrait of the ruler to smaller courts, so that by the 18th century many small rajah maintained court artists to portray them enjoying princely activities in rather stylized images that combine senses of informality and majesty.

Ottoman miniatures generally had figures with faces even less individualized than its Persian equivalents, but a genre of small portraits of males from the Imperial family developed. These had highly individual, and rather exaggerated, features, some verging on karikatur; they were probably seen only by a very restricted circle.

Parsi Dinasti Qajar, from 1781, took to large royal portraits in oils, as well as miniatures and textile hangings. These tend to be dominated by the magnificent costumes and long beards of the shahs.

Chinese portrait painting

Chinese portrait painting was slow to desire or achieve an actual likeness. Many "portraits" were of famous figures from the past, and showed an idea of what that person should look like. Buddhist clergy, especially in sculpture, were something of an exception to this. Portraits of the emperor were long never seen in public, partly for fear that mistreatment of them might dishonour the emperor or even cause bad luck. The most senior ministers were allowed once a year to pay homage to the images in the imperial gallery of ancestor portraits, as a special honour.

Dinasti Han (206 SM – 220 M)

Semasa Dinasti Han, Kebangkitan Konfusianisme, which regarded human as the center of the universe and society, led to a focus on psychological study. In the meantime, Taois scholars started the study of physiognomy. The combined interests in human psychological and physical features caused a growth in biography and portraiture. Portrait paintings created during the Han dynasty were considered prototypes of the earliest Chinese portrait paintings, most of which were found on the walls of palace halls, tomb chambers, and offering shrines. For instance, the engraved figure of a man found in a tomb tile from western Henan dating back to the third century B.C. indicates the painter's observation and desire to create lively figures. However, the subjects of most wall portraits are anonymous figures engaging in conversation. Despite the vivid depiction of physical features and facial expression, due to the lack of identity and the close bound to narrative context, many scholars categorize these Han dynasty wall paintings as “character figures in action” instead of actual likenesses of specific individuals.[101]

Jin dynasty (265–410 AD)

The Dinasti Jin was one of the most turbulent periods in ancient Chinese history. Selepas decades of wars between the three states of Wei, Shu, dan Wu from 184 to 280 AD, Sima Yan eventually founded the Western Jin dynasty in 266 AD. The unstable socio-political environment and the declining imperial authority resulted in a transition from Confucianism to Neo-Daoism. As the attitude of breaking social hierarchy and decorum flourished, self-expression and individualism started to grow among the intelligentsia.

The Seven Sages of the Bamboo Grove and Rong Qiqi is a thread-relief painting on tile found in a Jin dynasty brick-chambered tomb in Nanjing. The relief is 96 inches in length and 35 inches in width, with more than 300 bricks. It is one of the most well-preserved thread-relief paintings from the Jin dynasty which reflect high-quality craftsmanship. There are two parts of the relief and each contains four figure portraits. According to the names inscribed next to the figures, from the top to the bottom, and from the left to the right, the eight figures are Rong Qiqi, Ruan Xian, Liu Ling, Xiang Xiu, Ji Kang, Ruan Ji, Shan Tao, dan Wang Rong. Other than Rong Qiqi, the other seven people were famous Neo-Daoist scholars of the Jin dynasty and were known as the "Tujuh Biji Hutan Buluh". They were eminent intelligentsias accomplished at literature, music, or philosophy. The relief depicts a narrative scene of the eight cultivated gentlemen sitting on the ground in the grove performing various activities. The figures were portrayed in a relaxed and self-absorbed posture wearing loose garments with bare feet.

The historically-recorded name inscriptions next to the figures cause the relief painting functions as “portraiture represents specific people”.[102] In addition, the iconographic details of each figure based on biography renders an extent of individualization. For instance, the biography of Liu Ling in the Buku Jin records his obsession with alcohol. In the relief paining, the figure of Liu Ling sits in a casual posture with a curving knee and holds an erbei, a vessel for alcohol, while dipping the other hand into the cup to have a taste of the drink. The portrait reflects the essence of Liu Ling's characteristics and temperament. The figure of Ruan Xian who was famous for musical talents according to the Buku Jin plays a flute in the portrait.

Gu Kaizhi, one of the most famous artists of the Eastern Jin dynasty, instructed how to reflect the sitter's characteristics through accurate portray of the physical features in his book Pada Lukisan. He also stressed the capture of the sitter's spirit through vivid depiction of eyes.[101]

Dinasti Tang (618–907)

Semasa Dinasti Tang, there was an increase of humanization and personalization in portrait painting. Kerana kemasukan Agama Buddha, the painting portrait adopted a more realistic likeness, especially for the portraits of the monks. The belief in “temporal incorruptibility” of the immortal body in Agama Buddha Mahayana linked the presence in an image with the presence in reality. Portrait was regarded as the visual embodiment and substitute of a real person. Thus, the true likeness was highly valued in the paintings and statues of the monks.[101] The Tang dynasty mural portrait painting values the spiritual quality—the “animation through spirit consonance” (qi yun shen tong).[103]

In terms of the imperial portrait, Maharaja Taizong, the second emperor of the Tang dynasty, used portraits to legitimize succession and reinforce power. He commissioned the Portrait of Succession Emperors, which contains the portraits of 13 emperors in the previous dynasties in chronological order. The commonness among the selected emperors was that they were the sons of the founders of the dynasties. Since Emperor Taizong's father, Maharaja Gaozu, was the founder of the Tang dynasty, Emperor Taizong's selection of the previous emperors in the similar position of himself served as a political allusion. His succession was under doubt and criticism since he murdered two of his brothers and forced his father to pass the throne to him. Through commissioning the collective portraits of the previous emperors, he aimed at legitimize the transmission of the reign. In addition, the difference in the costumes of the portrayed emperors implied Emperor Taizong's opinion on them. The emperors portrayed in informal costumes were regarded as the bad examples of a ruler such as being weak or violent, while the ones in formal dresses were thought to accomplish either civil or military achievements. The commission was an indirect method by Emperor Taizong to proclaim his achievements had surpassed the precedent emperors. Emperor Taizong also commissioned a series of portrait paintings of famous scholars and intellectuals before he became the emperor. He attempted to befriend with the intellectuals by putting the portraits on the wall of Pingyan Pavilion as a signal of respect. The portraits also served as evidence that he had gained political support from the portrayed famous scholars to frighten his opponents. During his reign, Emperor Taizong commissioned portraits of himself receiving offerings from the ambassadors of the conquered foreign countries to celebrate and advertise his military achievements.[104]

Song dynasty (960–1279)

Potret Zen Buddha Wuzhun Shifan, 1238 AD

Semasa Dinasti lagu, Emperor Gaozong ditugaskan Portraits of Confucius and Seventy-two Disciples (sheng xian tu) on blank ground with his handwritten inscription. The figures were portrayed in vivid lines, animated gestures, and the facial expressions were rendered a narrative quality. The portrait of the saints and his disciples was found on a stone tablet on the wall of Imperial University as a moral code to educate the students. However, scholars argued that Emperor Gaozong's true purpose of the commission was to announce that his policies were supported by Confucianism as well as his control over the Confucian heritage.[105]

Yuan dynasty (1271–1368)

The Dinasti Yuan was a watershed moment in Chinese history. Selepas Empayar Mongol conquered the Chinese mainland and ended the Song dynasty, the traditional Chinese intelligentsia were left in a dilemma situation of choosing between reclusion from the foreign government or pursuing new political careers. Portrait paintings of “men of culture” (wen ren hua) at that period reflects this dilemma. Sebagai contoh, Portrait of Yang Qian depicted him standing in a bamboo forest. While the bamboo symbolizes his moral rightness, the half-enclosed and half-opened space in the background alludes to his potential of choosing between reclusion and serve in the Mongol government.[106]

In terms of imperial portrait, the Potret dari Kublai dan juga Potret dari Chabi by Mongol imperial painter Araniko in 1294 reflect the fusion of the traditional Chinese imperial portrait techniques and the Himalayan-Mongol aesthetic value. Kublai Khan was portrayed as an elder man while Empress Chabi was depicted in youth, both wearing traditional Mongolian imperial costumes. Araniko adopted the Chinese portrait technique such as outlining the shape with ink and reinforcing the shape with color, whereas the highlights on Chabi's jewelry with the same hue but lighter value proved to be a continuation of the Himalayan style. The full frontal orientation of the sitters and their centered pupil add a confrontational impact to the viewer, which reflect the Nepali aesthetics and style. The highly symmetrical composition and the rigid depiction of hair and clothes differed from the previous Song dynasty painting style. There is little implication on the moral merit of the sitters or their personality, indicating a detachment of the painter from the sitter, which contradicts with the Song dynasty's emphasis on the capture of the spirit.[107]

Qing dynasty (1636–1912)

Semasa Dinasti Qing, the eighteenth century European masquerade court portraiture which portrayed the aristocrats engaging in various activities in different costumes was imported to China. The Maharaja Yongzheng and his son, the Maharaja Qianlong, commissioned a number of masquerade portrait paintings with various political implications. In most of the Yongzheng Emperor's masquerade portrait, he wears exotic costumes such as the suit of the European gentleman. The lack of inscription on the portrait painting leaves his intention unclear, but some scholars believe the exotic costume reflects his interest in foreign culture and desire to rule the world. Compared with the Yongzheng Emperor's ambiguous attitude, the Qianlong Emperor wrote inscriptions on his masquerade portraits to announce his philosophy of the “Way of Ruling” which was to conceal and to deceive so that his subordinates and enemies cannot trace his strategies. Compared with the Yongzheng Emperor's enthusiasm in exotic costume, the Qianlong Emperor showed more interest in Chinese traditional costume such as dressing as a Confucian scholar, Taoist priest, and Buddhist monk, which manifests his desire in conquer the traditional Chinese heritage.

The Qianlong Emperor commissioned the Spring’s Peaceful Message after he inherited the throne from his father, which is a double portrait painting of him and his father dressed in Confucian scholar garments instead of traditional Manchu robes standing side by side next to bamboos. Scholars believe that the commission aimed to legitimize his succession of the throne by emphasizing the physical similarity between him and his father such as facial structure, identical costume and hairstyle. The bamboo forest in the background indicate their moral righteousness proposed by traditional Confucianism. The portrait depicts the Yongzheng Emperor, who is in a larger scale, handing a flowering branch to the Qianlong Emperor as a political metaphor of the imperial authority to reign. The Qianlong Emperor also advertised his filial piety proposed by Confucianism by posing in a modest gesture.[108]

The Jesuit pelukis Giuseppe Castiglione spent 50 years at the imperial court before his death in 1766, and was a court painter to three emperors. In his portraits, as with other genres, he combined aspects of Chinese traditional style with contemporary Western painting.

Portrait painting of women from the Han dynasty to Qing dynasty

Court portrait of Empress Renhuai (1016–1079) (wife of Emperor Qinzong), Song Dynasty

Portrait painting of women in ancient China from the Han dynasty to the Qing dynasty (206 BC – 1912) developed under great impact of the Confucian patriarchal cosmology, however, the subject and the style varied according to the culture of each dynasty.

In the Han dynasty (206 BC – 220 AD), women in the portrait painting were mainly a type rather than specific individual. The major subject was idealized exemplary women (lie nü) with virtues prompted by Confucianism such as chastity, three-fold obedience (san cong) to father, husband, son. Gu Kaizhi’s handscroll Exemplary Women (lie nü tu) which was created shortly after the Han dynasty represents this genre.

In the Tang dynasty (618–906), palace women (shi nü) performing daily chores or entertainment became a popular subject. The feminine beauty and charm of the palace ladies were valued, but the subject remained nonspecific under the painting name “Palace Ladies”. Characteristics encouraged by the Confucianism including submissive and agreeable were encompassed as standards of beauty and emphasized in the portrait. Painters pursued correctness and likeness of the sitter and aimed to reveal the purity of the soul.

In the Song dynasty (960–1279), portrait paintings of women were created based on love poems written by court poets. Although depicted as living in luxurious fashion and comfortable housing, women in the painting were usually portrayed as lonely and melancholic because they feel deserted or trapped in the domestic chores while their husbands stayed outside and pursued their careers. Common settings include empty garden path and empty platform couch which hint the absence of male figures. Common background include flowering trees which were associated with beauty and banana trees which symbolized vulnerability of women.

Di dalam Dinasti Ming(1368–1644), literati painting (wenren hua) which combined painting, calligraphy, and poetry became a popular trend among the elites. Most women in the literati painting were abstract figures serving as visual metaphor and remained nonentity. In the Qing dynasty (1644–1912), the literati painting gained more variety of brushstroke and use of bright color.[109]

Lihat juga

Rujukan dan nota

Rujukan
  1. ^ Gordon C. Aymar, The Art of Portrait Painting, Chilton Book Co., Philadelphia, 1967, p. 119
  2. ^ Aymar, p. 94
  3. ^ Aymar, p. 129
  4. ^ Aymar, p. 93
  5. ^ Edwards, Betty (2012). Menggambar di Bahagian Kanan Otak. Penguin. hlm. 292. ISBN 978-1-101-56180-5.
  6. ^ Aymar, p. 283
  7. ^ Aymar, p. 235
  8. ^ Aymar, p. 280
  9. ^ Aymar, p. 51
  10. ^ Aymar, p. 72
  11. ^ Robin Simon, Potret di Britain dan Amerika, G. K. Hall & Co., Boston, 1987, p. 131, ISBN 0-8161-8795-9
  12. ^ Simon, hlm. 129
  13. ^ Simon, hlm. 131
  14. ^ a b Aymar, p. 262
  15. ^ Simon, hlm. 98
  16. ^ Simon, hlm. 107
  17. ^ Aymar, p. 268, 271, 278
  18. ^ Aymar, p. 264
  19. ^ Aymar, p. 265
  20. ^ Aymar, p. 5
  21. ^ Cheney, Faxon, and Russo, Self-Portraits by Women Painters, Ashgate Publishing, Hants (England), 2000, p. 7, ISBN 1-85928-424-8
  22. ^ John Hope-Hennessy, The Portrait in the Renaissance, Yayasan Bollingen, New York, 1966, pp. 71–72
  23. ^ Sejarah semulajadi XXXV:2 trans H. Rackham 1952. Loeb Classical Library
  24. ^ Cheney, Faxon, and Russo, p. 20
  25. ^ David Piper, The Illustrated Library of Art, Portland House, New York, 1986, p. 297, ISBN 0-517-62336-6
  26. ^ Piper, hlm. 337
  27. ^ a b "Leonardo da Vinci, Ginevra de 'Benci, sekitar 1474/1478". Galeri Seni Negara. Diperoleh 16 April 2019.
  28. ^ John Hope-Hennessy, p. 209
  29. ^ Simon, hlm. 80
  30. ^ John Hope-Hennessy, p. 54, 63
  31. ^ Piper, hlm. 301
  32. ^ Piper, hlm. 363
  33. ^ Aymar, p. 29
  34. ^ Piper, hlm. 365
  35. ^ a b Bonafoux, p. 35
  36. ^ John Hope-Hennessy, pp. 124–126
  37. ^ Piper, hlm. 318
  38. ^ a b c John Hope-Hennessy, p. 20
  39. ^ John Hope-Hennessy, p. 227
  40. ^ John Hope-Hennessy, p. 212
  41. ^ "Mona Lisa – Heidelberger Fund klärt Identität (English: Mona Lisa – Heidelberger find clarifies identity)" (dalam bahasa Jerman). Universiti Heidelberg. Diarkibkan daripada asal pada 2008-12-06. Diperoleh 2008-08-29.
  42. ^ "German experts crack the ID of 'Mona Lisa'". MSN. 2008-01-14. Diperoleh 2008-08-29.
  43. ^ "Researchers Identify Model for Mona Lisa". The New York Times. Diperoleh 2008-08-29.[pautan mati]
  44. ^ John Hope-Hennessy, pp. 103–4
  45. ^ Piper, hlm. 338
  46. ^ Piper, hlm. 345
  47. ^ Pascal Bonafoux, Potret Artis: Potret Diri dalam Lukisan, Skira/Rizzoli, New York, 1985, p. 31, ISBN 0-8478-0586-7
  48. ^ John Hope-Hennessy, p. 52
  49. ^ Piper, hlm. 330
  50. ^ John Hope-Hennessy, p. 279
  51. ^ John Hope-Hennessy, p. 182
  52. ^ John Hope-Hennessy, p. 154
  53. ^ a b John Hope-Hennessy, p. 187
  54. ^ Families in beeld - Frauke K. Laarmann, Families in beeld: De ontwikkeling van het Noord-Nederlandse familieportret in de eerste helft van de zeventiende eeuw. Hilversum, 2002, Verloren, ISBN 978-90-6550-186-8 Diakses pada 25 Disember 2010
  55. ^ Bonafoux, p. 40
  56. ^ Piper, pp. 408–410
  57. ^ Simon, hlm. 109
  58. ^ Aymar, p. 162
  59. ^ Aymar, p. 161
  60. ^ Piper, hlm. 421
  61. ^ Aymar, p. 218
  62. ^ Piper, hlm. 424
  63. ^ Bonafoux, p. 62
  64. ^ Piper, hlm. 418
  65. ^ L to R: Louis' aunt, Henriette-Marie; Abang dia, Philippe, duc d'Orléans; the Duke's daughter, Marie Louise d'Orléans, dan isteri, Henriette-Anne Stuart; the Queen-mother, Anne dari Austria; three daughters of Gaston d'Orléans; Louis XIV; si Dauphin Louis; Permaisuri Marie-Thérèse; la Grande Mademoiselle
  66. ^ Piper, hlm. 460
  67. ^ Simon, hlm. 13, 97
  68. ^ Simon, hlm. 97
  69. ^ Aymar, hlm. 62
  70. ^ Simon, hlm. 92
  71. ^ Simon, hlm. 19
  72. ^ Aymar, hlm. 204
  73. ^ Aymar, hlm. 263
  74. ^ Aymar, hlm. 149
  75. ^ Bonafoux, hlm. 99
  76. ^ Piper, hlm. 542
  77. ^ Bonafoux, hlm. 111
  78. ^ Piper, hlm. 585
  79. ^ Piper, hlm. 568
  80. ^ Aymar, hlm. 88
  81. ^ a b Piper, hlm. 589
  82. ^ Piper, hlm. 561
  83. ^ Aymar, hlm. 299
  84. ^ Piper, hlm. 576
  85. ^ Piper, hlm. 552
  86. ^ Simon, hlm. 49
  87. ^ "Potret Gertrude Stein". Muzium Metropolitan. Diperoleh 26 Ogos 2010.
  88. ^ Piper, hlm. 582
  89. ^ Aymar, hlm. 54
  90. ^ Aymar, hlm. 188
  91. ^ Piper, hlm. 646
  92. ^ Bonafoux, hlm. 45
  93. ^ Sergei V. Ivanov. Realisme Sosialis yang tidak diketahui. Sekolah Leningrad. - Saint Petersburg: NP-Print Edition, 2007. - 448 p. ISBN 5-901724-21-6, ISBN 978-5-901724-21-7.
  94. ^ Visi Amerika: Tiga Generasi Seni Wyeth, Boston, 1987, Little Brown & Company, h. 123, ISBN 0-8212-1652-X
  95. ^ "Kerja Freud mencipta rekod dunia baru". Berita BBC Dalam Talian. 14 Mei 2008. Diperoleh 2008-08-29.
  96. ^ "Potret Andy Warhol yang Mengubah Dunia Selamanya". Widewalls. Diperoleh 2018-03-27.
  97. ^ "Andy Warhol. Marilyn Monroe. 1967 | MoMA". Muzium Seni Moden. Diperoleh 2018-03-27.
  98. ^ Lain-lain (2011-06-15). "Warhol dan Diva". Lain-lain. Diperoleh 2018-03-27.
  99. ^ "Yayasan Andy Warhol untuk Seni Visual - Biografi Andy Warhol". warholfoundation.org. Diperoleh 2018-03-27.
  100. ^ Smart, Ellen S., "Akbar, Geniu buta huruf", ms 103-104, dalam Kalādarśana: Pengajian Amerika dalam Seni India, Joanna Gottfried Williams (ed), 1981, BRILL, ISBN 9004064982, 9789004064980, buku google
  101. ^ a b c Seckel, Dietrich (1993). "Kebangkitan Potret dalam Seni Cina". Artibus Asiae. 53 (1/2): 7–26. doi:10.2307/3250505. JSTOR 3250505.
  102. ^ Barat, Shearer. (2004). Potret. Oxford: Oxford University Press. hlm. 17. ISBN 9780191518034. OCLC 319070279.
  103. ^ Fong, Mary H. (1984). "Mural Tang Tomb Disemak berdasarkan Teks Tang pada Lukisan". Artibus Asiae. 45 (1): 35–72. doi:10.2307/3249745. JSTOR 3249745.
  104. ^ Qiang, Ning (2008). "Potret Imperial sebagai Simbol Legitimasi Politik: Kajian Baru mengenai" Potret Maharaja Berturut-turut"". Ars Orientalis. 35: 96–128. ISSN 0571-1371. JSTOR 25481909.
  105. ^ Murray, Julia K. (Mac 1992). "Potret Hangzhou Confucius dan Tujuh Puluh Dua Murid (Sheng xian tu): Seni dalam Perkhidmatan Politik". Buletin Seni. 74 (1): 7–18. doi:10.2307/3045847. JSTOR 3045847.
  106. ^ Sensabaugh, David AKE (2009). "Identiti Fesyen dalam Lukisan Dinasti Yuan: Imej Lelaki Budaya". Ars Orientalis. 37: 118–139. ISSN 0571-1371. JSTOR 29550011.
  107. ^ Jing, Anning (1994). "Potret Khubilai Khan dan Chabi oleh Anige (1245-1306), seorang Seniman Nepal di Mahkamah Yuan". Artibus Asiae. 54 (1/2): 40–86. doi:10.2307/3250079. JSTOR 3250079.
  108. ^ "Wu Hung. Emquor's Masquerade - 'Potret Potret' Yongzheng dan Qianlong | Orientasi". www.orientations.com.hk. Diperoleh 2019-05-09.
  109. ^ Fong, Mary H. (21/1996). "Imej Wanita dalam Lukisan Tradisional Cina". Jurnal Seni Wanita. 17 (1): 22–27. doi:10.2307/1358525. JSTOR 1358525. Periksa nilai tarikh di: | tarikh = (menolong)
Catatan
  • Zaman Baru Lajur "Art Notes" pada 28 Februari 1918 adalah analisis yang beralasan mengenai rasional dan estetika potret oleh B.H. Dias (nama samaran dari Ezra Pound), kerangka rujukan yang berwawasan untuk melihat potret, kuno atau moden.

Bacaan lanjut

Pautan luaran

Pin
Send
Share
Send