Mengecat - Painting

Daripada Wikipedia, Ensiklopedia Percuma

Pin
Send
Share
Send

The Mona Lisa (1503-1517) oleh Leonardo da Vinci adalah salah satu lukisan yang paling dikenali di dunia.
Gambaran artistik kumpulan badak dibuat di Gua Chauvet 30,000 hingga 32,000 tahun yang lalu.

Mengecat adalah amalan mengaplikasikan cat, pigmen, warna atau medium lain ke permukaan padat (disebut "matriks" atau "sokongan").[1] Medium biasanya digunakan pada alas dengan a berus, tetapi alat lain, seperti pisau, spons, dan berus udara, boleh digunakan.

Dalam seni, istilah melukis menerangkan kedua-dua perbuatan dan hasil dari tindakan tersebut (karya terakhir disebut "sebuah lukisan"). Sokongan untuk lukisan merangkumi permukaan seperti dinding, kertas, kanvas, kayu, gelas, lakuer, tembikar, daun, tembaga dan konkrit, dan lukisan itu boleh merangkumi pelbagai bahan lain, termasuk pasir, tanah liat, kertas, plaster, daun emas, dan bahkan keseluruhan objek.

Lukisan adalah bentuk penting dalam seni visual, membawa unsur seperti melukis, komposisi, gerak isyarat (seperti dalam lukisan isyarat), penceritaan (seperti dalam seni naratif), dan pengabstrakan (seperti dalam seni abstrak).[2] Lukisan boleh bersifat naturalistik dan representasi (seperti dalam masih hidup dan lukisan landskap), fotografi, abstrak, naratif, simbolik (seperti dalam Seni simbolik), penuh emosi (seperti dalam Ekspresionisme), dan / atau politik di alam semula jadi (seperti di Artivisme).

Sebahagian daripada sejarah lukisan dalam seni Timur dan Barat dikuasai oleh seni agama. Contoh lukisan seperti ini merangkumi karya seni yang menggambarkan mitologi angka mengenai tembikar, hingga Alkitab pemandangan di Siling Kapel Sistine, ke pemandangan dari kehidupan Buddha (atau gambar lain dari Asal agama timur).

Elemen melukis

Chen Hongshou (1598–1652), Lukisan album daun (Dinasti Ming)
Menunjukkan lukisan pointillist solois trombone.
Georges Seurat, Tontonan Circus (Bahasa Perancis: Parade de cirque) (1887–88)

Warna dan nada

Warna, terdiri daripada rona, ketepuan, dan nilai, tersebar di permukaan adalah inti pati lukisan, sama seperti padang dan irama adalah intipati dari muzik. Warna sangat subjektif, tetapi mempunyai kesan psikologi yang dapat dilihat, walaupun warna ini dapat berbeza dari satu budaya ke budaya yang lain. Hitam dikaitkan dengan berkabung di Barat, tetapi di Timur, putih adalah. Beberapa pelukis, ahli teori, penulis, dan saintis, termasuk Goethe,[3] Kandinsky,[4] dan Newton,[5] telah menulis sendiri teori warna.

Lebih-lebih lagi, penggunaan bahasa hanyalah abstraksi untuk warna yang setara. Perkataan itu "merah", misalnya, dapat merangkumi pelbagai variasi dari warna merah murni spektrum yang dapat dilihat cahaya. Tidak ada daftar formal dengan warna yang berbeda dengan cara ada kesepakatan mengenai nota yang berbeza dalam muzik, seperti F atau C♯. Bagi pelukis, warna tidak hanya dibahagikan kepada warna asas (primer) dan turunan (pelengkap atau campuran) (seperti merah, biru, hijau, coklat, dll.).

Pelukis berurusan secara praktikal pigmen,[6] jadi "biru"bagi pelukis boleh menjadi salah satu warna: phthalocyanine biru, Biru Prusia, indigo, Biru kobalt, ultramarine, dan sebagainya. Maksud psikologi dan simbolik warna bukanlah kaedah melukis. Warna hanya menambah konteks makna yang diturunkan, dan kerana ini, persepsi lukisan sangat subjektif. Analogi dengan muzik cukup jelas - suara dalam muzik (seperti nota C) adalah analog dengan "cahaya" dalam lukisan, "warna" hingga dinamik, dan "pewarnaan" adalah untuk melukis sebagai spesifik timbre alat muzik adalah untuk muzik. Elemen-elemen ini tidak semestinya membentuk melodi (dalam muzik) diri mereka sendiri; sebaliknya, mereka dapat menambahkan konteks yang berbeza dengannya.

Unsur bukan tradisional

Seniman moden telah memperluas praktik melukis untuk memasukkan, sebagai salah satu contoh, kolaj, yang bermula dengan Kubisme dan tidak melukis dalam erti kata yang ketat. Beberapa pelukis moden menggabungkan bahan yang berbeza seperti logam, plastik, pasir, simen, jerami, daun atau kayu untuk mereka tekstur. Contohnya ialah karya Jean Dubuffet dan Anselm Kiefer. Terdapat komuniti seniman yang semakin meningkat yang menggunakan komputer untuk "melukis" warna ke "kanvas" digital menggunakan program seperti Adobe Photoshop, Pelukis Corel, dan lain-lain. Gambar-gambar ini boleh dicetak ke kanvas tradisional jika diperlukan.

Irama

Jean Metzinger, La danse (Bacchante) (c.1906), minyak pada kanvas, 73 x 54 cm, Muzium Kröller-Müller

Jean Metzingerseperti mozek Pembahagi teknik mempunyai kesamaan dalam kesusasteraan; ciri perikatan antara Simbolis penulis dan artis Neo-Impresionis:

Saya meminta kerja-kerja berus yang terbahagi bukan penghasilan cahaya yang objektif, tetapi warna-warni dan aspek warna tertentu yang masih asing bagi lukisan. Saya membuat semacam pembezaan kromatik dan untuk suku kata, saya menggunakan sebatan yang, dalam kuantiti yang berubah-ubah, tidak dapat berbeza dimensi tanpa mengubah irama frasaologi bergambar yang bertujuan untuk menerjemahkan pelbagai emosi yang timbul oleh alam semula jadi. (Jean Metzinger, sekitar tahun 1907)[7]

Piet Mondrian, Komposisi en rouge, jaune, bleu et noir (1921), Gemeentemuseum Den Haag

Irama, untuk artis seperti Piet Mondrian,[8][9] penting dalam melukis seperti dalam muzik. Sekiranya seseorang mendefinisikan irama sebagai "jeda yang digabungkan dalam urutan", maka terdapat irama dalam lukisan. Jeda ini memungkinkan daya kreatif untuk campur tangan dan menambahkan ciptaan baru — bentuk, melodi, pewarnaan. Penyebaran bentuk atau segala jenis maklumat sangat penting dalam karya seni yang diberikan, dan secara langsung mempengaruhi nilai estetika karya itu. Ini kerana nilai estetik bergantung kepada fungsi, iaitu kebebasan (pergerakan) persepsi dianggap sebagai keindahan. Aliran tenaga bebas, dalam seni dan juga bentuk lain "techne", secara langsung menyumbang kepada nilai estetika.[8]

Muzik penting untuk kelahiran seni abstrak kerana muzik bersifat abstrak secara semula jadi - ia tidak berusaha untuk mewakili dunia luar, tetapi mengekspresikan dengan segera perasaan dalaman jiwa. Wassily Kandinsky sering menggunakan istilah muzik untuk mengenal pasti karya-karyanya; dia menyebut lukisannya yang paling spontan sebagai "improvisasi" dan menggambarkan karya yang lebih terperinci sebagai "komposisi". Kandinsky berteori bahawa "muzik adalah guru utama,"[10] dan seterusnya memulakan tujuh dari sepuluh yang pertama Komposisi. Mendengar nada dan akord semasa dia melukis, Kandinsky berteori bahawa (misalnya), kuning adalah warna tengah C pada sangkakala; hitam adalah warna penutupan, dan akhir perkara; dan bahawa kombinasi warna menghasilkan frekuensi getaran, serupa dengan kord yang dimainkan di piano. Pada tahun 1871 Kandinsky muda belajar bermain piano dan cello.[11][12] Reka bentuk pentas Kandinsky untuk persembahan Mussorgskys Gambar di Pameran menggambarkan konsep "synaesthetic" tentang kesesuaian bentuk, warna dan bunyi muzik sejagat.[13]

Muzik mentakrifkan banyak lukisan abstrak moden. Jackson Pollock menggarisbawahi minat dengan lukisan tahun 1950-an Irama Musim Luruh (Nombor 30).[14]

Sejarah

Prasejarah lukisan gua dari aurochs (Bahasa Perancis: Bos primigenius primigenius) ), Lascaux, Perancis
Lukisan kiasan tertua yang diketahui adalah gambaran seekor lembu jantan yang ditemui di Lubang Jeriji Saléh gua masuk Indonesia. Ia dilukis 40,000 tahun yang lalu atau sebelumnya.

Sehingga 2018, lukisan tertua yang diketahui dipercayai berusia sekitar 32,000 tahun, di Grotte Chauvet di Perancis. Mereka terukir dan dicat menggunakan oker merah dan pigmen hitam, dan mereka menunjukkan kuda, badak, singa, kerbau, raksasa, reka bentuk abstrak dan apa yang mungkin merupakan sebahagian daripada tokoh manusia. Lukisan gua kemudian dijumpai di Indonesia di dalam Lubang Jeriji Saléh gua dipercayai berusia 40,000 tahun. Walau bagaimanapun, bukti awal perbuatan melukis telah dijumpai di dua tempat perlindungan batu di Tanah Arnhem, di utara Australia. Di lapisan bahan paling rendah di laman web ini, terdapat potongan-potongan oker terpakai yang dianggarkan berumur 60,000 tahun. Ahli arkeologi juga telah menemui serpihan lukisan batu yang terpelihara di a tempat perlindungan batu kapur di dalam Kimberley wilayah Australia Barat Laut, yang berumur 40,000 tahun.[15] Terdapat contoh lukisan gua di seluruh dunia — di Itali, Perancis, Sepanyol, Portugal, China, Australia, Mexico,[16] dll dalam budaya Barat, lukisan minyak dan cat air lukisan mempunyai tradisi yang kaya dan kompleks dalam gaya dan isi pelajaran. Di Timur, dakwat dan dakwat warna secara historis mendominasi pilihan media, dengan tradisi yang sama kaya dan kompleks.

Penemuan fotografi mempunyai kesan besar terhadap lukisan. Dalam beberapa dekad selepas yang pertama gambar dihasilkan pada tahun 1829, fotografi proses bertambah baik dan menjadi lebih banyak dipraktikkan, melupakan lukisan dari banyak tujuan bersejarahnya untuk memberikan catatan tepat mengenai dunia yang dapat diperhatikan. Serangkaian pergerakan seni pada akhir abad ke-19 dan awal abad ke-20 - terutamanya Impresionisme, Pasca-Impresionisme, Fauvism, Ekspresionisme, Kubisme, dan Dadaisme- mencabar Zaman Renaissance pandangan dunia. Lukisan Timur dan Afrika, bagaimanapun, meneruskan sejarah panjang penggayaan dan tidak mengalami transformasi yang setara pada masa yang sama.[rujukan diperlukan]

Moden dan Seni kontemporari telah menjauh dari nilai bersejarah kerajinan dan dokumentasi yang menyokong konsep. Ini tidak menghalangi sebahagian besar pelukis hidup untuk terus berlatih melukis secara keseluruhan atau sebahagian daripada karya mereka. Kehidupan dan kepelbagaian lukisan pada abad ke-21 menentang "pengisytiharan" sebelumnya mengenai kematiannya. Pada zaman yang dicirikan oleh idea pluralisme, tidak ada konsensus mengenai gaya perwakilan zaman ini. Artis terus membuat karya seni penting dalam pelbagai gaya dan estetika perangai- Kebaikan mereka diserahkan kepada orang ramai dan pasar untuk menilai.

Estetika dan teori

Lega di dinding menunjukkan seorang lelaki berjanggut mencapai tangannya sambil pakaiannya disarungkan ke badannya.
Nino Pisano, Apelles atau Seni melukis secara terperinci (1334–1336); kelegaan dari Menara Lonceng Giotto dalam Florence, Itali

Estetika adalah kajian mengenai seni dan kecantikan; ia merupakan isu penting bagi ahli falsafah abad ke-18 dan ke-19 seperti Kant dan Hegel. Ahli falsafah klasik suka Plato dan Aristotle juga berteori mengenai seni dan lukisan khususnya. Plato mengabaikan pelukis (dan juga pengukir) dalam sistem falsafahnya; dia berpendapat bahawa lukisan tidak dapat menggambarkan kebenaran—Itulah salinan realiti (bayangan dunia idea) dan tidak lain hanyalah a kraf, serupa dengan pembuatan kasut atau pemutus besi.[17] Pada masa Leonardo, lukisan telah menjadi representasi kebenaran yang lebih dekat daripada lukisan Yunani purba. Leonardo da Vinci, sebaliknya, mengatakan bahawa "Bahasa Itali: Mentaliti La Pittura è cosa"(" Bahasa Inggeris: melukis adalah perkara fikiran").[18] Kant membezakan antara Kecantikan dan juga Luhur, dalam istilah yang jelas memberi keutamaan kepada yang pertama.[rujukan diperlukan] Walaupun ia tidak merujuk pada lukisan secara khusus, konsep ini diambil oleh pelukis seperti J.M.W. Pusing dan Caspar David Friedrich.

Hegel menyedari kegagalan mencapai konsep kecantikan yang universal dan, dalam karangan estetiknya, menulis bahawa lukisan adalah salah satu daripada tiga seni "romantis", bersama dengan Puisi dan Muzik, kerana ia simbolik, tujuan yang sangat intelektual.[19][20] Pelukis yang telah menulis karya teori pada lukisan termasuk Kandinsky dan Paul Klee.[21][22] Dalam karangannya, Kandinsky menyatakan bahawa lukisan mempunyai nilai spiritual, dan ia melekat warna primer kepada perasaan atau konsep penting, sesuatu yang Goethe dan penulis lain sudah cuba melakukannya.

Ikonografi adalah kajian tentang kandungan lukisan, dan bukan gaya mereka. Erwin Panofsky dan lain-lain ahli sejarah seni mula-mula berusaha memahami perkara-perkara yang digambarkan, sebelum melihat maknanya bagi penonton pada masa itu, dan akhirnya menganalisis makna budaya, agama, dan sosial mereka yang lebih luas.[23]

Pada tahun 1890, pelukis Paris Maurice Denis terkenal menegaskan: "Ingatlah bahawa lukisan - sebelum menjadi kuda perang, wanita telanjang atau cerita atau yang lain - pada dasarnya permukaan rata ditutup dengan warna yang dipasang dalam urutan tertentu."[24] Oleh itu, banyak perkembangan abad ke-20 dalam lukisan, seperti Kubisme, adalah refleksi pada bermaksud melukis dan bukannya pada dunia luaran—alam semula jadi—Yang sebelumnya menjadi subjek utamanya. Sumbangan terbaru untuk memikirkan lukisan telah ditawarkan oleh pelukis dan penulis Julian Bell. Dalam bukunya Apa itu Lukisan?, Bell membincangkan perkembangan, melalui sejarah, tanggapan bahawa lukisan dapat meluahkan perasaan dan idea.[25] Dalam Cermin Dunia, Bell menulis:

A bekerja seni bertujuan untuk menarik perhatian anda dan mengekalkannya: a sejarah seni mendorongnya ke depan, melancarkan jalan raya melalui rumah-rumah khayalan.[26]

Media lukisan

Jenis cat yang berlainan biasanya dikenal pasti oleh media yang pigmen digantung atau tertanam, yang menentukan ciri-ciri umum cat, seperti kelikatan, kekeliruan, kelarutan, masa pengeringan, dll.

Minyak

Hormatilah Daumier, Pelukis (1808-1879), minyak pada panel dengan sapuan kuas yang kelihatan

Lukisan minyak adalah proses melukis dengan pigmen yang diikat dengan medium minyak pengeringan, seperti minyak biji rami, yang banyak digunakan di Eropah moden awal. Selalunya minyak itu direbus dengan resin seperti resin pinus atau sekata kemenyan; ini dipanggil 'varnishes' dan dihargai untuk badan dan gloss mereka. Cat minyak akhirnya menjadi medium utama yang digunakan untuk membuat karya seni kerana kelebihannya menjadi terkenal. Peralihan bermula dengan Lukisan Belanda awal di Eropah utara, dan dengan ketinggian Zaman Renaissance teknik melukis minyak hampir diganti sepenuhnya tempera cat di sebahagian besar Eropah.

Pastel

Jelajah Maurice Quentin de La, Potret Louis XV dari Perancis (1748), pastel

Pastel adalah media lukisan dalam bentuk tongkat, yang terdiri daripada pigmen serbuk tulen dan pengikat.[27] Pigmen yang digunakan dalam pastel sama dengan yang digunakan untuk menghasilkan semua media seni berwarna, termasuk cat minyak; pengikatnya adalah warna neutral dan rendah ketepuan. Kesan warna pastel lebih dekat dengan pigmen kering semula jadi daripada proses lain.[28] Oleh kerana permukaan lukisan pastel rapuh dan mudah tercemar, pemeliharaannya memerlukan langkah-langkah perlindungan seperti pembingkaian di bawah kaca; ia juga boleh disembur dengan a fiksatif. Walaupun demikian, ketika dibuat dengan pigmen permanen dan dirawat dengan baik, lukisan pastel mungkin bertahan selama berabad-abad. Pastel tidak rentan, seperti juga lukisan yang dibuat dengan medium cairan, terhadap keretakan dan perubahan warna yang disebabkan oleh perubahan warna, kelegapan, atau dimensi medium ketika mengering.

Akrilik

Ray Burggraf, Jungle Arc (1998), cat akrilik pada kayu

Cat akrilik adalah cat cepat kering yang mengandungi suspensi pigmen di akrilik polimer emulsi. Cat akrilik boleh dicairkan dengan air, tetapi menjadi tahan air apabila kering. Bergantung pada seberapa banyak cat dicairkan (dengan air) atau diubah suai dengan gel akrilik, media, atau pasta, lukisan akrilik yang siap dapat menyerupai cat cat air atau sebuah lukisan minyak, atau mempunyai ciri khas tersendiri yang tidak dapat dicapai dengan media lain. Perbezaan praktikal utama antara sebilangan besar akrilik dan cat minyak adalah masa pengeringan yang wujud. Minyak memberi lebih banyak masa untuk mengadunkan warna dan menggunakan kaca walaupun pada cat bawah. Aspek pengeringan minyak yang perlahan ini dapat dilihat sebagai kelebihan untuk teknik tertentu, tetapi juga dapat menghalang kemampuan artis untuk bekerja dengan cepat.

Cat Air

Cat Air adalah kaedah melukis di mana cat dibuat dari pigmen yang digantung di kenderaan larut air. Sokongan tradisional dan paling biasa untuk lukisan cat air adalah kertas; sokongan lain termasuk papirus, kertas kulit kayu, plastik, vellum atau kulit, kain, kayu dan kanvas. Di Asia Timur, lukisan cat air dengan dakwat disebut sebagai lukisan berus atau lukisan tatal. Dalam Orang Cina, Orang Korea, dan Lukisan Jepun ia telah menjadi medium yang dominan, sering berwarna hitam atau coklat monokrom. India, Ethiopia dan negara-negara lain juga mempunyai tradisi yang panjang. Lukisan jari dengan cat cat air yang berasal dari China. Pensel cat air (pensel warna larut air) boleh digunakan sama ada basah atau kering.

Dakwat

Sesshū Tōyō, Landskap Empat Musim (1486), tinta dan warna terang di atas kertas

Lukisan dakwat dilakukan dengan cecair yang mengandungi pigmen dan / atau pewarna dan digunakan untuk mewarnai permukaan untuk menghasilkan gambar, teks, atau reka bentuk. Dakwat digunakan untuk melukis dengan a pen, berus, atau selimut. Dakwat boleh menjadi medium kompleks, terdiri daripada pelarut, pigmen, pewarna, resin, pelincir, pelarut, surfaktan, bahan zarah, pendarfluor, dan bahan lain. Komponen dakwat mempunyai banyak tujuan; pembawa dakwat, pewarna, dan bahan tambahan lain mengawal aliran dan ketebalan dakwat dan penampilannya apabila kering.

Lilin panas atau encaustic

Ikon encaustik dari Biara Saint Catherine, Mesir (Abad ke-6)

Lukisan enustik, juga dikenali sebagai lukisan lilin panas, melibatkan penggunaan pemanasan lilin lebah yang mana pigmen berwarna ditambahkan. Cecair / pasta kemudian disapu ke permukaan — biasanya kayu yang disiapkan kanvas dan bahan lain sering digunakan. Campuran enkustik yang paling mudah boleh dibuat dari menambahkan pigmen ke lilin lebah, tetapi ada beberapa resipi lain yang boleh digunakan-beberapa mengandungi jenis lain dari lilin, damar damar, minyak biji rami, atau ramuan lain. Pigmen serbuk murni boleh dibeli dan digunakan, walaupun sebilangan campuran menggunakan cat minyak atau bentuk pigmen lain. Alat logam dan sikat khas boleh digunakan untuk membentuk cat sebelum ia sejuk, atau alat logam yang dipanaskan dapat digunakan untuk memanipulasi lilin setelah ia sejuk ke permukaan. Bahan lain boleh dibungkus atau kolaj ke permukaan, atau berlapis, menggunakan media encaustic untuk melekatkannya ke permukaan.

Teknik ini adalah teknik biasa untuk lukisan panel Yunani dan Rom kuno, dan tetap digunakan di Ortodoks Timur ikon tradisi.

Fresco

Malaikat Putih (fresco), Mileševa, Serbia

Fresco adalah antara beberapa yang berkaitan mural jenis lukisan, dilakukan pada plaster di dinding atau siling. Perkataan fresco berasal dari Bahasa Itali perkataan afresco [afˈfresːko], yang berasal dari perkataan Latin untuk segar. Frescoes sering dibuat semasa Zaman Renaissance dan masa awal lain.Buon fresco teknik terdiri daripada melukis dalam pigmen yang dicampurkan dengan air pada lapisan nipis yang basah, segar lesung kapur atau plaster, yang mana perkataan Itali untuk plaster, intonaco, digunakan. Secco lukisan, sebaliknya, dilakukan pada plaster kering (secco adalah "kering" dalam bahasa Itali). Pigmen memerlukan media pengikat, seperti telur (tempera), gam atau minyak untuk melekatkan pigmen ke dinding.

Gouache

Gouache adalah cat berasaskan air yang terdiri daripada pigmen dan bahan lain yang dirancang untuk digunakan dalam kaedah lukisan legap. Gouache berbeza dari cat air kerana zarah-zarahnya lebih besar, nisbah pigmen ke air jauh lebih tinggi, dan tambahan, lembam, pigmen putih seperti kapur juga hadir. Ini menjadikan gouache lebih berat dan legap, dengan kualiti reflektif yang lebih besar. Seperti semua media air, ia dicairkan dengan air.[29]

Enamel

Jean de Court (dikaitkan), dicat Enamel limoges hidangan secara terperinci (pertengahan abad ke-16), Waddesdon Bequest, Muzium British

Enamel dibuat dengan mengecat substrat, biasanya logam, dengan kaca serbuk; mineral yang disebut warna oksida memberikan pewarnaan. Setelah menembak pada suhu 750-850 darjah Celsius (1380-1560 darjah Fahrenheit), hasilnya adalah peleburan kaca dan logam yang menyatu. Tidak seperti kebanyakan teknik yang dicat, permukaannya dapat dikendalikan dan Enamel yang dibasahi secara tradisional telah digunakan untuk hiasan benda-benda berharga,[30] tetapi juga telah digunakan untuk tujuan lain. Enamel limoges merupakan pusat lukisan enamel Renaissance yang terkemuka, dengan pemandangan keagamaan dan mitologi kecil di sekeliling yang dihiasi, di atas plak atau objek seperti garam atau tong. Pada abad ke-18, lukisan enamel menikmati mode di Eropah, terutama sebagai media untuk miniatur potret.[31] Pada akhir abad ke-20, teknik enamel porselin pada logam telah digunakan sebagai medium tahan lama untuk mural luar.[32]

Cat semburan

Cat aerosol (juga disebut cat semburan) adalah sejenis cat yang masuk dalam bekas bertekanan tertutup dan dilepaskan dalam kabus semburan halus ketika menekan injap butang. Satu bentuk lukisan semburan, aerosol cat meninggalkan permukaan yang halus dan bersalut rata. Tin bersaiz standard mudah alih, murah dan senang disimpan. Aerosol buku asas boleh diaplikasikan terus ke logam telanjang dan banyak plastik.

Kelajuan, mudah dibawa dan kekal juga menjadikan cat aerosol menjadi perkara biasa grafiti sederhana. Pada akhir tahun 1970-an, tanda tangan dan mural penulis grafiti jalanan menjadi lebih terperinci dan gaya unik dikembangkan sebagai faktor medium aerosol dan kepantasan yang diperlukan untuk kerja haram. Kini ramai yang mengenali seni grafiti dan seni jalanan sebagai bentuk seni yang unik dan cat aerosol yang dihasilkan khusus dibuat untuk seniman grafiti. A stensil melindungi permukaan, kecuali bentuk tertentu yang akan dicat. Stensil boleh dibeli sebagai huruf bergerak, dipesan sebagai potongan profesional logo atau potong tangan oleh artis.

Tempera

Tempera, juga dikenal sebagai tempera telur, adalah medium lukisan cepat kering yang terdiri dari pigmen berwarna yang dicampur dengan larut dalam air pengikat sederhana (biasanya bahan pulut seperti kuning telur atau yang lain ukuran). Tempera juga merujuk kepada lukisan yang dilakukan dalam medium ini. Lukisan tempera sangat tahan lama, dan contoh dari abad pertama CE masih ada. Telur tempera adalah kaedah utama melukis hingga setelah 1500 ketika digantikan oleh penemuan lukisan minyak. Cat yang biasa disebut tempera (walaupun tidak) yang terdiri dari pigmen dan ukuran gam biasanya digunakan dan disebut oleh beberapa pengeluar di Amerika sebagai cat poster.

Cat minyak yang boleh dicampur air

Cat minyak yang boleh dicampur air (juga disebut "larut dalam air" atau "boleh dicampur air") adalah pelbagai moden cat minyak direkayasa untuk ditipis dan dibersihkan dengan air, daripada harus menggunakan bahan kimia seperti turpentin. Ia boleh dicampurkan dan diaplikasikan menggunakan teknik yang sama dengan cat berasaskan minyak tradisional, tetapi ketika masih basah, ia dapat dikeluarkan dengan berkesan dari berus, palet, dan kain dengan sabun dan air biasa. Keterlarutan airnya berasal dari penggunaan minyak medium di mana satu hujung molekul telah diubah untuk mengikat longgar molekul air, seperti pada a penyelesaian.

Lukisan digital

Lukisan digital adalah kaedah membuat objek seni (lukisan) secara digital dan / atau teknik membuat seni digital di komputer. Sebagai kaedah membuat objek seni, ia mengadaptasi medium lukisan tradisional seperti cat akrilik, minyak, dakwat, cat air, dan lain-lain dan menerapkan pigmen tersebut ke pembawa tradisional, seperti kain kanvas tenunan, kertas, poliester, dll dengan cara komputer perisian memandu robot industri atau mesin pejabat (pencetak). Sebagai teknik, ia merujuk kepada a grafik komputer program perisian yang menggunakan a maya kanvas dan kotak lukisan maya berus, warna, dan bekalan lain. Kotak maya mengandungi banyak instrumen yang tidak ada di luar komputer, dan yang memberikan karya seni digital rupa dan nuansa yang berbeza dari karya seni yang dibuat dengan cara tradisional. Tambahan pula, lukisan digital bukan seni 'dihasilkan komputer' kerana komputer tidak secara automatik membuat gambar di skrin menggunakan beberapa pengiraan matematik. Sebaliknya, artis menggunakan teknik melukisnya sendiri untuk membuat karya tertentu di komputer.[33]

Gaya lukisan

Gaya digunakan dalam dua deria: Ia boleh merujuk kepada elemen visual, teknik, dan kaedah yang khas individu karya artis. Ia juga boleh merujuk kepada pergerakan atau sekolah yang dikaitkan dengan artis. Ini boleh berpunca dari kumpulan sebenar yang dilibatkan oleh artis secara sedar atau boleh menjadi kategori di mana sejarawan seni meletakkan pelukis. Perkataan 'gaya' dalam pengertian terakhir tidak disukai dalam perbincangan akademik mengenai lukisan kontemporari, walaupun terus digunakan dalam konteks yang popular. Pergerakan atau klasifikasi tersebut merangkumi yang berikut:

Barat

Modenisme

Modenisme menerangkan kedua-dua kumpulan kecenderungan budaya dan pelbagai yang berkaitan pergerakan budaya, pada asalnya timbul dari perubahan skala besar dan jauh ke Masyarakat Barat pada akhir abad ke-19 dan awal abad ke-20. Modernisme adalah pemberontakan terhadap nilai-nilai konservatif realisme.[34][35] Istilah ini merangkumi kegiatan dan output dari mereka yang merasakan bentuk "tradisional" seni, seni bina, sastera, kepercayaan agama, organisasi sosial, dan kehidupan sehari-hari menjadi ketinggalan zaman dalam keadaan ekonomi, sosial, dan politik baru dari industri yang muncul sepenuhnya dunia. Ciri khas modenisme adalah kesedaran diri. Ini sering membawa kepada eksperimen dengan bentuk, dan karya yang menarik perhatian pada proses dan bahan yang digunakan (dan kecenderungan abstraksi lebih lanjut).[36]

Impresionisme

Contoh modenisme dalam lukisan ialah impresionisme, sekolah lukisan yang pada awalnya memfokuskan pada kerja yang dilakukan, bukan di studio, tetapi di luar rumah (en plein udara). Lukisan impresionis menunjukkan bahawa manusia tidak melihat objek, sebaliknya melihat cahaya itu sendiri. Sekolah ini mengumpulkan pengikut walaupun terdapat perpecahan dalaman di kalangan pengamalnya dan menjadi semakin berpengaruh. Mula-mula ditolak dari pertunjukan komersial yang paling penting pada masa itu, yang ditaja oleh kerajaan Salon Paris, Impresionis menganjurkan pameran kumpulan tahunan di tempat-tempat komersial pada tahun 1870-an dan 1880-an, menjadikannya bertepatan dengan Salon rasmi. Peristiwa penting pada tahun 1863 adalah Salon des Refusés, dicipta oleh Maharaja Napoleon III untuk memaparkan semua lukisan yang ditolak oleh Paris Salon.

Gaya abstrak

Lukisan abstrak menggunakan a bahasa visual bentuk, warna dan garis untuk membuat komposisi yang mungkin wujud dengan tahap kebebasan dari rujukan visual di dunia.[37][38] Ekspresionisme abstrak adalah seorang post AmerikaPerang Dunia II pergerakan seni yang menggabungkan intensiti emosi dan penolakan diri orang Jerman Ekspresionis dengan estetika anti-kiasan sekolah abstrak Eropah - seperti Futurisme, Bauhaus dan Kubisme, dan gambaran sebagai pemberontak, anarkis, sangat idiosinkratik, dan, ada yang merasa, nihilistik.[39]

Lukisan aksi, kadang-kadang dipanggil abstraksi isyarat, adalah gaya lukisan di mana cat secara spontan menggelecek, memercikkan atau mengoleskan ke kanvas, daripada diterapkan dengan hati-hati.[40] Karya yang dihasilkan sering menekankan tindakan fizikal melukis dirinya sebagai aspek penting dari karya yang sudah siap atau menjadi perhatian senimannya. Gaya ini tersebar luas dari tahun 1940-an hingga awal 1960-an, dan berkait rapat dengan ekspresionisme abstrak (beberapa pengkritik telah menggunakan istilah "lukisan tindakan" dan "ekspresionisme abstrak" secara bergantian).

Gaya moden lain termasuk:

Seni orang luar

Istilah seni orang luar dicipta oleh pengkritik seni Roger Cardinal pada tahun 1972 sebagai sinonim Inggeris untuk art brut (Bahasa Perancis:[aʁ bʁyt], "seni mentah" atau "seni kasar"), label yang dibuat oleh Bahasa Perancis artis Jean Dubuffet untuk menerangkan seni diciptakan di luar batas budaya rasmi; Dubuffet memberi tumpuan terutamanya pada seni oleh rumah sakit jiwa banduan.[41] Seni luar telah muncul sebagai kategori pemasaran seni yang berjaya (Outsider Art Fair tahunan telah berlangsung di New York sejak tahun 1992). Istilah ini kadang-kadang salah digunakan sebagai label pemasaran untuk seni yang dicipta oleh orang-orang di luar "dunia seni" arus perdana, tanpa mengira keadaan atau kandungan karya mereka.

Fotorealisme

Fotorealisme adalah genre lukisan berdasarkan penggunaan kamera dan gambar untuk mengumpulkan maklumat dan kemudian dari maklumat ini, membuat lukisan yang nampaknya sangat realistik seperti gambar. Istilah ini terutama digunakan untuk lukisan dari Amerika Syarikat pergerakan seni yang bermula pada akhir 1960-an dan awal 1970-an. Sebagai gerakan seni yang penuh, Photorealism berkembang dari Seni Pop[42][43][44] dan sebagai pembanding untuk Ekspresionisme Abstrak.

Hyperrealisme adalah genre lukisan dan patung yang menyerupai resolusi tinggi gambar. Hyperrealisme adalah sekolah yang lengkap di seni dan dapat dianggap sebagai kemajuan Fotorealisme dengan kaedah yang digunakan untuk membuat lukisan atau patung yang dihasilkan. Istilah ini terutama digunakan untuk gerakan seni dan gaya seni yang bebas di Amerika Syarikat dan Eropah yang telah berkembang sejak awal tahun 2000-an.[45]

Surrealisme

Surrealisme adalah gerakan budaya yang bermula pada awal 1920-an, dan terkenal dengan produksi seni dan sastera mereka yang berafiliasi dengan Pergerakan Surrealis. Karya seni surealis menampilkan unsur kejutan, penyimpangan luar biasa, tidak sedar, tidak dijangka dan bukan urutan; namun, banyak seniman dan penulis Surrealist menganggap karya mereka sebagai ungkapan gerakan falsafah pertama dan paling utama, dengan karya-karya itu adalah artifak. Ketua André Breton secara tegas dalam pernyataannya bahawa Surrealisme adalah gerakan revolusioner.

Surrealisme berkembang daripada Dada aktiviti dari Perang Dunia I dan pusat pergerakan yang paling penting adalah Paris. Dari tahun 1920-an dan seterusnya, pergerakan itu tersebar di seluruh dunia, akhirnya mempengaruhi seni visual, sastera, filem dan muzik banyak negara, juga politik pemikiran dan amalan, falsafah dan teori sosial.

Asia Timur

Islamik

Orang India

Orang Afrika

Seni kontemporari

1950-an

1960-an

1970-an

1980-an

1990-an

2000-an

Jenis-jenis lukisan

Curang

Curang ialah kiasan mod perwakilan menyampaikan makna selain harfiah. Allegory menyampaikan mesejnya melalui simbolik tokoh, tindakan, atau perwakilan simbolik. Kesalahan secara amnya dianggap sebagai angka retorik, tetapi alegori tidak harus dinyatakan dalam bahasa: ini mungkin ditujukan ke mata dan sering dijumpai dalam lukisan yang realistik. Contoh alegori visual yang sederhana adalah gambar penuai suram. Penonton memahami bahawa gambar penuai suram adalah simbolik kematian.

Bodegón

Francisco de Zurbarán, Masih Hidup dengan Balang Tembikar (Sepanyol: Penerima Bodegón) (1636), minyak pada kanvas, 46 x 84 cm, Museo del Prado, Madrid

Dalam Seni Sepanyol, a bodegón ialah masih hidup lukisan yang menggambarkan barang-barang pantri, seperti minuman keras, permainan, dan minuman, sering disusun di atas papak batu sederhana, dan juga lukisan dengan satu atau lebih angka, tetapi unsur-unsur hidup yang ketara, biasanya dipasang di dapur atau kedai. Bermula di Barok tempoh, lukisan seperti itu menjadi popular di Sepanyol pada suku kedua abad ke-17. Tradisi lukisan hidup masih nampaknya bermula dan jauh lebih popular pada masa kini Negara Rendah, hari ini Belgium dan Belanda (ketika itu seniman Flemish dan Belanda), daripada sebelumnya Eropah selatan. Utara masih hidup mempunyai banyak subgenre: the sekeping sarapan ditambah oleh trompe-l'œil, sejambak bunga, dan juga vanitas. Di Sepanyol, terdapat lebih sedikit pelanggan untuk perkara seperti ini, tetapi jenis sekeping sarapan menjadi popular, menampilkan beberapa objek makanan dan pinggan mangkuk yang diletakkan di atas meja.

Lukisan gambar

A lukisan angka ialah karya seni di mana-mana media lukisan dengan subjek utama adalah sosok manusia, sama ada berpakaian atau bogel.Lukisan gambar juga boleh merujuk kepada aktiviti membuat karya sedemikian. Tokoh manusia telah menjadi salah satu subjek seni kontras sejak lukisan gua Zaman Batu pertama, dan telah ditafsirkan semula dalam pelbagai gaya sepanjang sejarah.[46] Beberapa seniman yang terkenal dengan lukisan tokoh adalah Peter Paul Rubens, Edgar Degas, dan Manet Édouard.

Reza Abbasi, Dua Kekasih (1630)

Lukisan ilustrasi

Ilustrasi lukisan adalah yang digunakan sebagai ilustrasi dalam buku, majalah, dan teater atau filem poster dan buku komik. Hari ini, minat yang semakin meningkat untuk mengumpulkan dan mengagumi karya seni yang asli. Pelbagai pameran muzium, majalah, dan galeri seni telah memberi ruang kepada ilustrator masa lalu. Dalam dunia seni visual, ilustrator kadang-kadang dianggap kurang penting jika dibandingkan dengan seniman dan pereka grafik. Tetapi sebagai hasil daripada permainan komputer dan pertumbuhan industri komik, ilustrasi menjadi bernilai sebagai karya seni yang popular dan menguntungkan yang dapat memperoleh pasaran yang lebih luas daripada dua yang lain, terutamanya di Korea, Jepun, Hong Kong dan Amerika Syarikat.

Lukisan landskap

Andreas Achenbach, Menjernihkan, Pantai Sicily (1847), Muzium Seni Walters[47][48]

Lukisan landskap adalah istilah yang merangkumi penggambaran pemandangan semula jadi seperti gunung, lembah, pohon, sungai, dan hutan, dan terutama seni di mana subjek utamanya adalah pandangan luas, dengan unsur-unsurnya disusun menjadi komposisi yang koheren. Dalam karya lain latar belakang latar untuk tokoh masih boleh menjadi bahagian penting dalam karya. Langit hampir selalu termasuk dalam pemandangan, dan cuaca selalunya merupakan unsur komposisi. Lanskap terperinci sebagai subjek yang berbeza tidak terdapat dalam semua tradisi seni dan berkembang apabila sudah ada tradisi yang canggih untuk mewakili mata pelajaran lain. Dua tradisi utama bermula dari Lukisan Barat dan Seni cina, kembali lebih dari seribu tahun dalam kedua kes tersebut.

Lukisan potret

Lukisan potret adalah perwakilan seseorang, di mana wajah dan ekspresinya dominan. Tujuannya adalah untuk menunjukkan kesamaan, keperibadian, dan juga mood orang itu. Seni potret berkembang dalam bahasa Yunani Kuno dan terutamanya Arca Rom, di mana pengasuh menuntut potret yang individual dan realistik, bahkan yang tidak menarik. Salah satu potret terkenal di dunia Barat adalah Leonardo da Vincilukisan bertajuk Mona Lisa, yang dianggap sebagai potret Lisa Gherardini, isteri Francesco del Giocondo.[49]

Masih hidup

Otto Marseus van Schrieck, Hutan Masih Lantai Hutan (1666)

A masih hidup adalah karya seni menggambarkan sebahagian besarnya tidak bernyawa isi pokok, objek biasa - yang mungkin semula jadi (makanan, bunga, tumbuh-tumbuhan, batu, atau kerang) atau buatan manusia (gelas minum, buku, pasu, perhiasan, duit syiling, paip, dan sebagainya). Dengan asal-usul pada Zaman Pertengahan dan seni Yunani Kuno / Rom, lukisan masih hidup memberi artis lebih banyak kelonggaran dalam penyusunan elemen reka bentuk dalam komposisi daripada lukisan jenis subjek lain seperti pemandangan atau potret. Lukisan yang masih hidup, terutama sebelum tahun 1700, sering berisi simbolisme agama dan kiasan yang berkaitan dengan objek yang digambarkan. Beberapa kehidupan diam moden memecahkan halangan dua dimensi dan menggunakan media campuran tiga dimensi, dan menggunakan objek yang dijumpai, fotografi, grafik komputer, serta video dan suara.

Veduta

A veduta adalah lukisan berskala besar yang biasanya terperinci pemandangan bandar atau beberapa vista lain. Ini genre daripada pemandangan berasal dari Flanders, di mana artis seperti Paul Bril dicat mundur seawal abad ke-16. Sebagai jadual perjalanan Lawatan Besar menjadi agak standard, mundur adegan biasa seperti Roman Forum atau Grand Canal mengingatkan usaha awal ke Benua untuk orang Inggeris bangsawan. Pada abad ke-19, lebih banyak kesan peribadi dari pemandangan bandar menggantikan keinginan untuk ketepatan topografi, yang dipuaskan sebaliknya dengan dicat panorama.

Lihat juga

Catatan

  1. ^ "Cat - Definisi". Merriam-webster.com. 2012. Diperoleh 13 Mac 2014.
  2. ^ Perry, Lincoln (Musim Panas 2014). "Muzik Lukisan". Cendekiawan Amerika. 83 (3): 85.
  3. ^ Johann Wolfgang von Goethe, teori warna Goethe, John Murray, London 1840
  4. ^ Wassily Kandinsky Mengenai Spiritual dalam Seni, [Diterjemahkan oleh Michael T. H. Sadler, pdf.
  5. ^ Surat kepada Royal Society yang mengemukakan teori baru mengenai warna dan warna Isaac Newton, 1671 pdf
  6. ^ Pigmen di ColourLex
  7. ^ Jean Metzinger, sekitar tahun 1907, dipetik oleh Georges Desvallières dalam La Grande Revue, vol. 124, 1907
  8. ^ a b Eiichi Tosaki, Falsafah Mondrian Falsafah Visual: Fenomenologi, Wittgenstein, dan pemikiran Timur, Jilid 23 dari Sophia Kajian dalam Falsafah Merentas Budaya Tradisi dan Budaya, Springer, 15 Nov 2017, hlm 108–109, 130, 139, 158, ISBN 9402411984
  9. ^ Piet Mondrian, Neo-Plastikisme: Keinsafannya dalam Muzik dan Teater Masa Depan, 1922
  10. ^ "Wassily Kandinsky - Petikan". www.wassilykandinsky.net. Diperoleh 17 September 2016.
  11. ^ , François Le Targat, Kandinsky, Siri master Twentieth Century, Random House Incorporated, 1987, hlm. 7, ISBN 0847808106
  12. ^ Susan B. Hirschfeld, Muzium Solomon R. Guggenheim, Yayasan Hilla von Rebay, Cat Air oleh Kandinsky di Muzium Guggenheim: pilihan dari Muzium Solomon R. Guggenheim dan Yayasan Hilla von Rebay, 1991
  13. ^ Fiedler, Jeannine (2013). Bauhaus. Jerman: h.f.ullmann menerbitkan GmbH. hlm. 262. ISBN 978-3-8480-0275-7.
  14. ^ Persimpangan dengan seni dan muzik, Rothko dan Pollock
  15. ^ "Berapa Lama Art Rock Australia?". Aboriginalartonline.com. Diperoleh 13 Mac 2014.
  16. ^ "Milhares de pinturas rupestres são descobertas em cavernas no México". Berita BBC Brasil (dalam bahasa Portugis). 23 Mei 2013.
  17. ^ "Estetika Plato". www.rowan.edu. Diarkibkan daripada asal pada 1 Oktober 2017. Diperoleh 1 Oktober 2017.
  18. ^ Rollason, C., & Mittapalli, R. (2002). Kritikan moden. New Delhi: Penerbit dan Pengedar Atlantik. hlm. 196. ISBN 81-269-0187-X
  19. ^ Craig, Edward. Encyclopedia of Philosophy Routledge: Salasilah kepada Iqbal. Laluan Laluan. 1998. hlm. 278. ISBN 978-0-415-18709-1.
  20. ^ "Lukisan dan muzik adalah seni romantis yang istimewa. Terakhir, sebagai penyatuan seni lukis dan muzik muncul puisi, di mana elemen sensual lebih dari sebelumnya bergantung pada semangat." Dipetik dari Encyclopædia Britannica 1911
  21. ^ Franciscono, Marcel, Paul Klee: Karya dan Pemikirannya, bahagian 6 'The Bauhaus and Düsseldorf', bab. 'Kursus teori Klee', hlm. 246 dan di bawah 'nota hlm. 245-54' hlm. 365
  22. ^ Barasch, Moshe (2000) Teori seni - dari impresionisme hingga Kandinsky, bahagian IV 'Seni abstrak', bab. 'Warna' ms 332–33
  23. ^ Jones, Howard (Oktober 2014). "Varieti Pengalaman Estetik". Jurnal untuk Kajian Kerohanian & Kesedaran. 37 (4): 541–252.[halaman diperlukan]
  24. ^ Ensiklopedia Encarta Diarkibkan 4 Julai 2008 di Mesin Wayback
  25. ^ "Ulasan oleh sejarawan seni David Cohen". Artnet.com. Diperoleh 13 Mac 2014.
  26. ^ Bell, Julian (2007). Cermin Dunia: Sejarah Seni Baru. Thames dan Hudson. hlm. 496. ISBN 978-0-500-23837-0.
  27. ^ Mayer, Ralph, Buku Bahan dan Teknik Artis, Edisi Ketiga, New York: Viking, 1970, hlm. 312.
  28. ^ Mayer, Ralph. Buku Bahan dan Teknik Artis. Dewasa Viking; Edisi ke-5 yang disemak dan dikemas kini, 1991. ISBN 0-670-83701-6
  29. ^ Cohn, Marjorie B., Basuh dan Gouache, Muzium Fogg, 1977.
  30. ^ Mayer, Ralph,Buku Bahan dan Teknik Artis, Edisi Ketiga, New York: Viking, 1970, hlm. 375.
  31. ^ McNally, Rika Smith, "Enamel", Oxford Art Dalam Talian
  32. ^ Mayer, Ralph, Buku Bahan dan Teknik Artis, Edisi Ketiga, New York: Viking, 1970, hlm. 371.
  33. ^ "Apa itu lukisan digital?". Seni Titik Balik. 1 November 2008. Diperoleh 17 Mei 2017.
  34. ^ Barth, John (1979) Kesusasteraan Pengisian, kemudian diterbitkan semula dalam Buku Jumaat'(1984)'.
  35. ^ Graff, Gerald (1975) Babbitt at the Abyss: The Social Context of Postmodern. Fiksyen Amerika, TriQuarterly, No. 33 (Spring 1975), hlm. 307–37; dicetak semula dalam Putz dan Freese, eds., Postmodernisme dan Sastera Amerika.
  36. ^ Gardner, Helen, Horst De la Croix, Richard G. Tansey, dan Diane Kirkpatrick. Seni Gardner Sepanjang Zaman (San Diego: Harcourt Brace Jovanovich, 1991). ISBN 0-15-503770-6. hlm. 953.
  37. ^ Arnheim, Rudolph, 1969, Pemikiran Visual
  38. ^ Key, Joan (September 2009). "Penggunaan Masa Depan: Lukisan Abstrak". Teks Ketiga. 23 (5): 557–63. doi:10.1080/09528820903184666. S2CID 144061791.
  39. ^ Shapiro, David / Cecile (2000): Ekspresionisme Abstrak. Politik lukisan apolitik. hlm. 189-90 In: Frascina, Francis (2000): Pollock dan After. Perbahasan kritikal. Edisi ke-2. London: Routledge
  40. ^ Boddy-Evans, Marion. "Glosari Seni: Lukisan Tindakan". Mengenai.com. Diperoleh 20 Ogos 2006.
  41. ^ Kardinal, Roger, Seni Orang Luar, London, 1972
  42. ^ Lindey, Christine Lukisan dan Arca Superrealis, William Morrow and Company, New York, 1980, hlm.27–33.
  43. ^ Chase, Linda, Fotorealisme di Milenium, Mata Tidak Tidak Bersalah: Fotorealisme dalam Konteks. Harry N. Abrams, Inc. New York, 2002. hlm.14–15.
  44. ^ Nochlin, Linda, Jenayah Realis dan Undang-undang Abstrak II, Seni di Amerika. 61 (November - Disember 1973), hlm.98.
  45. ^ Bredekamp, ​​Horst, Hyperrealism - Selangkah Selebihnya. Muzium Tate, Penerbit, UK. 2006. hlm. 1
  46. ^ Droste, Balik (Oktober 2014). "Lukisan Gua pada Zaman Batu Awal". Semiotica. 2014 (202): 155–165. doi:10.1515 / sem-2014-0035. S2CID 170631343.
  47. ^ Achenbach mengkhususkan diri dalam mod lukisan lanskap "luhur" di mana manusia kerdil oleh kekuatan dan kemarahan alam.
  48. ^ "Membersihkan - Pantai Sicily". Muzium Seni Walters.
  49. ^ "Mona Lisa - Potret Lisa Gherardini, isteri Francesco del Giocondo". Muzium Louvre. c. 1503-19. Diarkibkan daripada asal pada 30 Julai 2014. Diperoleh 2014-03-13. Periksa nilai tarikh di: | tarikh = (menolong)

Bacaan lanjut

  • Daniel, H. (1971). Ensiklopedia Tema dan Subjek dalam Lukisan; Mitologi, Alkitab, Sejarah, Sastera, Allegorikal, dan Topikal. New York: Harry N. Abrams Inc.
  • W. Stanley Jr. Taft, James W. Mayer, Ilmu Lukisan, Edisi Pertama, Springer, 2000.

Pin
Send
Share
Send