Neoklasikisme - Neoclassicism

Daripada Wikipedia, Ensiklopedia Percuma

Pin
Send
Share
Send

Charles Towneley di galeri patungnya; oleh Johann Zoffany; 1782; minyak pada kanvas; tinggi: 127 cm, lebar: 102 cm; Galeri Seni dan Muzium Towneley Hall (Burnley, UK)

Neoklasikisme (juga dieja Neo-klasikisme; dari Bahasa Yunani kaedah nèos, "baru" dan Bahasa Yunani κλασικός klasikόs, "dari peringkat tertinggi")[1] adalah orang Barat pergerakan budaya dalam seni hiasan dan visual, sastera, teater, muzik, dan seni bina yang mendapat inspirasi dari seni dan budaya zaman kuno klasik. Neoklasikisme lahir di Rom sebahagian besarnya terima kasih kepada tulisan dari Johann Joachim Winckelmann, pada masa penemuan semula Pompeii dan Herculaneum, tetapi popularitinya tersebar di seluruh Eropah ketika generasi pelajar seni Eropah menyelesaikannya Lawatan Besar dan kembali dari Itali ke negara asal mereka dengan cita-cita Yunani-Rom yang baru ditemui semula.[2][3] Pergerakan Neoklasik utama bertepatan dengan abad ke-18 Zaman Pencerahan, dan berterusan hingga awal abad ke-19, bersaing dengan Romantikisme. Dalam seni bina, gaya ini berterusan sepanjang abad ke-19, ke-20 dan hingga abad ke-21.

Neoklasikisme Eropah di seni visual bermula c. 1760 bertentangan dengan yang dominan ketika itu Rococo gaya. Seni bina Rococo menekankan rahmat, hiasan dan asimetri; Senibina neoklasik didasarkan pada prinsip kesederhanaan dan simetri, yang dilihat sebagai kebajikan seni Rom dan Yunani purba, dan segera diambil dari abad ke-16 Klasikisme Renaissance. Setiap "neo" -klasisme memilih beberapa model antara pelbagai kemungkinan klasik yang tersedia untuknya, dan mengabaikan yang lain. Penulis dan pembicara Neoklasik, penaung dan pengumpul, seniman dan pemahat 1765-1830 memberi penghormatan kepada idea generasi Phidias, tetapi contoh-contoh arca yang sebenarnya mereka pelik lebih cenderung kepada salinan Rom Hellenistik patung. Mereka tidak menghiraukan seni Yunani kuno dan karya-karya Zaman Akhir Lewat. Seni "Rococo" kuno Palmyra datang sebagai wahyu, melalui ukiran di Wood's Runtuhan Palmyra. Bahkan Yunani tidak dapat dikunjungi, merupakan dasar laut yang kasar Empayar Uthmaniyyah, berbahaya untuk diterokai, jadi penghargaan Neoclassicists terhadap seni bina Yunani dimediasi melalui lukisan dan ukiran, yang secara halus melicinkan dan mengatur, "membetulkan" dan "memulihkan" monumen Yunani, tidak selalu secara sedar.

The Gaya empayar, fasa kedua Neoklasik dalam seni bina dan seni hiasan, mempunyai pusat kebudayaan di Paris di dalam Zaman Napoleon.

Sejarah

Neoclassicism adalah kebangkitan semula banyak gaya dan semangat kuno klasik yang diilhamkan secara langsung dari zaman klasik,[4] yang bertepatan dan mencerminkan perkembangan di falsafah dan bidang-bidang lain dari Zaman Pencerahan, dan pada mulanya merupakan reaksi terhadap keterlaluan sebelumnya Rococo gaya.[5] Sementara pergerakan itu sering digambarkan sebagai rakan lawan Romantikisme, ini adalah penyederhanaan yang luar biasa yang cenderung tidak berkekalan apabila dipertimbangkan artis atau karya tertentu. Kes yang dianggap sebagai juara utama akhir zaman Neoklasikisme, Ingres, menunjukkan ini dengan baik.[6] Kebangkitan semula dapat ditelusuri ke arah pembentukan formal arkeologi.[7][8]

Johann Joachim Winckelmann, sering disebut "bapa arkeologi"[9]

Tulisan dari Johann Joachim Winckelmann penting dalam membentuk pergerakan ini dalam seni bina dan seni visual. Buku-bukunya Pemikiran tentang Peniruan Karya Yunani dalam Lukisan dan Patung (1750) dan Geschichte der Kunst des Alterthums ("Sejarah Seni Kuno", 1764) adalah orang pertama yang membezakan dengan tajam antara seni Yunani Kuno dan seni Rom, dan menentukan tempoh dalam seni Yunani, menelusuri lintasan dari pertumbuhan hingga kematangan dan kemudian tiruan atau kemerosotan yang terus mempengaruhi hingga sekarang hari. Winckelmann percaya bahawa seni harus bertujuan untuk "kesederhanaan mulia dan kemegahan yang tenang",[10] dan memuji idealisme seni Yunani, di mana dia mengatakan bahawa kita dapati "bukan sahaja alam yang paling indah tetapi juga sesuatu yang di luar alam, iaitu bentuk-bentuk keindahan yang ideal, yang, sebagai penafsir kuno Plato mengajar kita, datang dari gambar yang diciptakan oleh akal sahaja ". Teorinya jauh dari yang baru dalam seni Barat, tetapi penekanannya pada penyalinan model Yunani yang dekat adalah:" Satu-satunya cara untuk kita menjadi hebat atau jika ini mungkin, tidak dapat ditiru, adalah meniru orang dahulu ".[11]

Dengan kedatangan Lawatan Besar, sedikit koleksi barang antik bermula yang meletakkan asas banyak koleksi hebat menyebarkan kebangkitan Neoklasik di seluruh Eropah.[12] "Neoklasikisme" dalam setiap seni menyiratkan kanun tertentu dari model "klasik".

Dalam bahasa Inggeris, istilah "Neoclassicism" digunakan terutamanya seni visual; pergerakan serupa di kesusasteraan Bahasa Inggeris, yang bermula lebih awal, dipanggil Sastera Augustan. Ini, yang telah dominan selama beberapa dekad, mulai menurun pada saat Neoklasik dalam seni visual menjadi bergaya. Walaupun istilah berbeza, keadaan dalam kesusasteraan Perancis serupa. Dalam muzik, tempoh itu menyaksikan kenaikan muzik klasik, dan "Neoclassicism" digunakan untuk Perkembangan abad ke-20. Walau bagaimanapun, opera di Christoph Willibald Gluck mewakili pendekatan Neoklasik khusus, yang dinyatakan dalam pendahuluannya untuk skor terbitan Alceste (1769), yang bertujuan untuk mereformasi opera dengan menghapus hiasan, meningkatkan peranan korus seiring dengan Tragedi Yunani, dan menggunakan garis melodi tanpa hiasan yang lebih sederhana.[13]

Anton Raphael Mengs; Penghakiman Paris; sekitar tahun 1757; minyak pada kanvas; tinggi: 226 cm, lebar: 295 cm, dibeli oleh Catherine the Great dari studio; Muzium Pertapaan (Saint Petersburg, Rusia)

Istilah "Neoklasik" tidak diciptakan hingga pertengahan abad ke-19, dan pada masa itu gaya itu digambarkan dengan istilah seperti "gaya sejati", "reformasi" dan "kebangkitan semula"; apa yang dianggap dihidupkan semula sangat berbeza. Model kuno tentunya sangat terlibat, tetapi gaya itu juga dapat dianggap sebagai kebangkitan Renaissance, dan terutama di Perancis sebagai kembalinya ke yang lebih keras dan mulia Barok dari usia Louis XIV, yang mana cukup besar nostalgia telah berkembang ketika kedudukan tentera dan politik yang dominan di Perancis memulakan penurunan yang serius.[14] IngresPotret pertabalan Napoleon malah dipinjam dari Late Antique diptychs konsular dan mereka Carolingian kebangkitan semula, kepada penolakan pengkritik.

Neoklasikisme paling kuat di seni bina, patung dan juga seni hiasan, di mana model klasik dalam medium yang sama agak banyak dan mudah diakses; contoh dari lukisan kuno yang menunjukkan kualiti yang terdapat dalam tulisan arca Winckelmann dan kurang. Winckelmann terlibat dalam penyebaran pengetahuan tentang lukisan Rom besar pertama yang ditemui, di Pompeii dan Herculaneum dan, seperti kebanyakan orang sezaman kecuali untuk Gavin Hamilton, tidak terkesan oleh mereka, memetik Pliny the Youngerkomen mengenai penurunan lukisan pada zamannya.[15]

Mengenai lukisan, lukisan Yunani benar-benar hilang: Pelukis Neoklasikis menghidupkannya secara khayalan, sebahagiannya melalui lega friezes, mozek dan lukisan tembikar, dan sebahagiannya melalui contoh lukisan dan hiasan dari Renaissance Tinggi daripada Raphaelgenerasi, lukisan dinding di Nero's Domus Aurea, Pompeii dan Herculaneum, dan melalui kekaguman yang baru Nicholas Poussin. Sebilangan besar lukisan "Neoklasik" lebih mengklasifikasikan subjek daripada yang lain. Perselisihan yang sengit, tetapi sering diberitahu dengan teruk, telah berlangsung selama beberapa dekad mengenai kelebihan seni Yunani dan Rom, dengan Winckelmann dan rakan-rakan Hellenisnya umumnya berada di pihak yang menang.[16]

Lukisan dan pembuatan cetakan

Pemandangan yang disebut Temple of Concord dengan Temple of Saturn, di sebelah kanan Arch of Septimius Severus; oleh Giovanni Battista Piranesi; 1760–1778; ukiran; saiz keseluruhan helaian: 53.8 x 79.2 cm; Muzium Seni Metropolitan (Bandar New York)

Sukar untuk menangkap semula sifat lukisan Neoklasik klasik yang radikal dan menarik bagi penonton kontemporari; sekarang penulis bahkan cenderung menganggapnya sebagai "tidak sopan" dan "hampir sama sekali tidak menarik bagi kita" - beberapa Kenneth Clarkkomen mengenai Anton Raphael Mengs'bercita-cita tinggi Parnassus dekat Villa Albani,[17] oleh artis yang digambarkan oleh rakannya Winckelmann sebagai "seniman terhebatnya sendiri, dan mungkin pada masa-masa kemudian".[18] Lukisan, kemudian berubah menjadi cetakan, daripada John Flaxman menggunakan lukisan garis yang sangat sederhana (dianggap sebagai media klasik paling murni[19]) dan angka yang kebanyakannya dalam profil untuk digambarkan The Odyssey dan subjek lain, dan pernah "memecat pemuda artistik Eropah" tetapi sekarang "diabaikan",[20] Sementara lukisan sejarah daripada Angelica Kauffman, terutamanya seorang potretis, digambarkan mempunyai "kelembutan dan kelembutan yang tidak teratur" oleh Fritz Novotny.[21] Rococo frivolity dan Baroque gerakan telah dilucutkan tetapi banyak seniman berjuang untuk meletakkan apa sahaja di tempat mereka, dan jika tidak ada contoh kuno untuk lukisan sejarah, selain Pasu Yunani digunakan oleh Flaxman, Raphael cenderung digunakan sebagai model pengganti, seperti yang disarankan oleh Winckelmann.

Sumpah Horatii; oleh Jacques-Louis David; 1784; minyak pada kanvas; tinggi: 330 cm, lebar: 425 cm; Louvre
Diana dan Cupid; oleh Pompeo Batoni; 1761; minyak pada kanvas; 124.5 x 172.7 cm; Muzium Seni Metropolitan

Karya seniman lain, yang tidak dapat dengan mudah digambarkan sebagai tidak enak, menggabungkan aspek Romantik dengan gaya Neoklasik umumnya, dan menjadi sebahagian daripada sejarah kedua gerakan tersebut. Pelukis Jerman-Denmark Asmus Jacob Carstens menyelesaikan sedikit karya mitologi besar yang dirancangnya, meninggalkan kebanyakan lukisan dan kajian warna yang sering berjaya mendekati preskripsi Winckelmann "kesederhanaan mulia dan kehebatan yang tenang".[22] Tidak seperti skema Carstens yang tidak direalisasikan, the ukiran daripada Giovanni Battista Piranesi banyak dan menguntungkan, dan diambil kembali oleh mereka yang membuat Lawatan Besar ke seluruh pelosok Eropah. Subjek utamanya adalah bangunan dan reruntuhan Rom, dan dia lebih terangsang oleh kuno daripada yang moden. Suasana yang agak mengasyikkan dari kebanyakannya Vedute (pandangan) menjadi dominan dalam siri 16 cetakan terbitannya Carceri d'Invenzione ("Penjara Imajiner") yang "senibina siklopean yang menindas" menyampaikan "mimpi ketakutan dan kekecewaan".[23] Anak kelahiran Switzerland Johann Heinrich Füssli menghabiskan sebahagian besar kariernya di England, dan sementara gaya asasnya didasarkan pada prinsip-prinsip Neoklasik, subjek dan perlakuannya lebih sering mencerminkan ketegangan "Gothic" Romantikisme, dan berusaha membangkitkan drama dan kegembiraan.

Neoklasik dalam melukis memperoleh rasa arah baru dengan kejayaan sensasi Jacques-Louis Davids Sumpah Horatii dekat Salon Paris tahun 1785. Meskipun telah membangkitkan kebajikan republik, ini adalah tugas pemerintah kerajaan, yang ditekankan oleh David untuk melukis di Roma. David berjaya menggabungkan gaya idealis dengan drama dan kekuatan. Perspektif pusat adalah tegak lurus dengan bidang gambar, dibuat lebih tegas oleh arked redup di belakang, yang menentang tokoh-tokoh kepahlawanan seperti dalam duka, dengan sedikit pencahayaan dan pementasan buatan opera, dan pewarnaan klasik dari Nicholas Poussin. David dengan cepat menjadi pemimpin seni Perancis, dan selepas itu revolusi Perancis menjadi ahli politik yang mempunyai banyak kawalan kerajaan dalam bidang seni. Dia berjaya mengekalkan pengaruhnya di Napoleon tempoh, beralih ke karya propaganda secara terus terang, tetapi harus meninggalkan Perancis untuk diasingkan di Brussels di Pemulihan Bourbon.[24]

Termasuk banyak pelajar David Jean-Auguste-Dominique Ingres, yang melihat dirinya sebagai pemain klasik sepanjang kariernya yang panjang, walaupun gaya matang yang mempunyai hubungan yang tegas dengan arus utama Neoklasikisme, dan banyak lagi perubahan kemudian menjadi Orientalisme dan juga Gaya Troubadour yang sukar untuk dibezakan dengan orang-orang dari sezamannya yang Romantik, kecuali dengan keutamaan karya-karyanya selalu memberikan gambaran. Dia membuat pameran di Salon selama lebih dari 60 tahun, dari tahun 1802 hingga awal tahun Impresionisme, tetapi gayanya, setelah dibentuk, berubah sedikit.[25]

Arca

Perbandingan antara abad ke-1 abad ke-2 AD dewi Roma di dalam Louvre; dan patung yang diukir sekitar tahun 1821/1824 oleh Bertel Thorvaldsen daripada Galeri Seni Negara (Washington DC.)

Sekiranya lukisan Neoklasik mengalami kekurangan model kuno, patung Neoklasik cenderung menderita kelebihannya, walaupun contoh patung Yunani yang sebenarnya dari "zaman klasik" yang bermula pada sekitar 500 SM pada masa itu sangat sedikit; karya yang paling disukai kebanyakannya adalah salinan Rom.[26] Pemahat Neoklasik terkenal menikmati reputasi besar pada zaman mereka sendiri, tetapi sekarang kurang dipandang, kecuali Jean-Antoine Houdon, yang karyanya utamanya adalah potret, sering kali sebagai bust, yang tidak mengorbankan kesan kuat keperibadian pengasuh terhadap idealisme. Gayanya menjadi lebih klasik kerana kariernya yang panjang terus berlanjutan, dan mewakili kemajuan yang agak lancar dari pesona Rococo menjadi martabat klasik. Tidak seperti beberapa pengukir Neoklasik, dia tidak memaksa pengasuhnya mengenakan pakaian Rom, atau tidak berpakaian. Dia menggambarkan sebahagian besar tokoh Pencerahan, dan pergi ke Amerika untuk menghasilkan patung George Washington, serta patah tulang Thomas Jefferson, Ben Franklin dan pencahayaan lain di republik baru.[27][28]

Antonio Canova dan Dane Bertel Thorvaldsen kedua-duanya berpusat di Rom, dan juga potret menghasilkan banyak tokoh dan kumpulan ukuran hidup yang bercita-cita tinggi; kedua-duanya mewakili kecenderungan yang sangat ideal dalam arca Neoklasik. Canova mempunyai ringan dan rahmat, di mana Thorvaldsen lebih teruk; perbezaan ditunjukkan dalam kumpulan masing-masing Tiga Rahmat.[29] Semua ini, dan Flaxman, masih aktif pada tahun 1820-an, dan Romantisisme lambat memberi kesan kepada patung, di mana versi Neoklasikisme tetap menjadi gaya yang dominan untuk sebahagian besar abad ke-19.

Neoklasik pada awal arca adalah orang Sweden Johan Tobias Sergel.[30] John Flaxman juga, atau terutamanya, seorang pemahat, yang kebanyakannya menghasilkan relief klasik yang sebanding dengan gaya cetakannya; dia juga merancang dan memodelkan seramik Neoklasik untuk Josiah Wedgwood untuk beberapa tahun. Johann Gottfried Schadow dan anaknya Rudolph, salah satu daripada beberapa pemahat Neoklasik yang mati muda, adalah seniman Jerman terkemuka,[31] dengan Franz Anton von Zauner di Austria. Pengukir Austria Baroque yang lewat Franz Xaver Messerschmidt beralih ke Neoklasik dalam pertengahan karier, tidak lama sebelum dia nampaknya menderita semacam krisis mental, setelah itu dia bersara ke negara itu dan mengabdikan dirinya pada "watak kepala" tokoh-tokoh botak yang sangat khas menarik ekspresi wajah yang ekstrem.[32] Seperti Piranesi Carceri, ini menikmati kebangkitan semula minat yang besar semasa usia psikoanalisis pada awal abad ke-20. Pemahat Neoklasik Belanda Mathieu Kessels belajar dengan Thorvaldsen dan bekerja hampir secara eksklusif di Rom.

Sejak sebelum tahun 1830-an, Amerika Serikat tidak memiliki tradisi patung sendiri, kecuali di daerah batu nisan, kubah cuaca dan kepala kapal,[33] cara Neoklasik Eropah diadopsi di sana, dan itu berlaku selama beberapa dekad dan dicontohkan dalam patung-patung Horatio Greenough, Harriet Hosmer, Kuasa Hiram, Randolph Rogers dan William Henry Rinehart.

Seni bina dan seni hiasan

Gaya Adam, bahagian dalam Rumah Syon di London, yang dirancang oleh Robert Adam pada tahun 1760an
"Yang Etruscan bilik ", dari Potsdam (Jerman), ilustrasi oleh Friedrich Wilhelm Klose pada sekitar tahun 1840

Seni neoklasik adalah tradisional dan baru, bersejarah dan moden, konservatif dan progresif pada masa yang sama.[34]

Neoklasikisme mula-mula mendapat pengaruh di England dan Perancis, melalui generasi pelajar seni Perancis yang dilatih di Rom dan dipengaruhi oleh tulisan Winckelmann, dan ia dengan cepat diadopsi oleh kalangan progresif di negara lain seperti Sweden, Poland dan Rusia. Pada mulanya, hiasan klasik melekat pada bentuk-bentuk Eropah yang tidak asing lagi, seperti di kawasan pedalaman Catherine IIkekasih, Kira Orlov, direka oleh arkitek Itali dengan pasukan Itali stuccadori: hanya medali bujur terpencil seperti cameo dan lega petanda Neoklasikisme di luar rumah; perabotnya adalah sepenuhnya Rococo Itali.

Gelombang Neoklasik kedua, lebih parah, lebih banyak dikaji (melalui medium ukiran) dan lebih arkeologi secara sedar, dikaitkan dengan ketinggian Empayar Napoleon. Di Perancis, fasa pertama Neoklasikisme dinyatakan dalam "gaya Louis XVI", dan yang kedua dalam gaya yang disebut "Directoire" atau Empayar. Gaya Rococo tetap popular di Itali sehingga rejim Napoleon membawa klasikisme arkeologi baru, yang dipeluk sebagai pernyataan politik oleh orang-orang Itali muda, progresif, urban dengan kecenderungan republik.[mengikut siapa?]

Dalam seni hiasan, Neoclassicism dicontohkan dalam perabot Empire yang dibuat di Paris, London, New York, Berlin; dalam Biedermeier perabot yang dibuat di Austria; dalam Karl Friedrich Schinkelmuzium di Berlin, Tuan John SoaneBank of England di London dan yang baru dibina "ibu kota"di Washington, DC; dan di Kayu Wedgwoods relief dan "basalt hitam" pasu. Gaya itu antarabangsa; Arkitek Scots Charles Cameron mencipta hiasan dalaman Italia yang indah untuk kelahiran Jerman Catherine II yang Hebat, di St Petersburg Rusia.

Di dalam ruangan, Neoklasikisme membuat penemuan dalaman klasik asli, yang diilhamkan oleh penemuan semula di Pompeii dan Herculaneum. Ini bermula pada akhir 1740-an, tetapi hanya mendapat khalayak luas pada tahun 1760-an,[35] dengan jumlah pengagihan mewah pertama yang terkawal dengan ketat Le Antichità di Ercolano (Zaman Purba Herculaneum). Zaman purba Herculaneum menunjukkan bahawa bahagian dalaman yang paling klasik Barok, atau bilik paling "Roman" di William Kent berdasarkan basilika dan kuil seni bina luaran berpaling ke luar, oleh itu penampilan mereka yang sangat bombastik pada mata moden: berkebun bingkai tingkap berubah menjadi disepuh cermin, perapian dihiasi dengan bahagian depan kuil. Bahagian dalaman yang baru berusaha mencipta semula perbendaharaan kata dalam bahasa Romawi dan asli.

Teknik yang digunakan dalam gaya itu merangkumi motif yang lebih rata, lebih ringan, diukir dengan rendah duka-melegakan seperti atau dicat dengan monoton en camaïeu ("seperti cameo"), medali terpencil atau pasu atau patung atau bucrania atau motif lain, digantung pada swag dari laurel atau pita, dengan arabesque langsing dengan latar belakang, mungkin, dari "Pompeiian red" atau warna pucat, atau warna batu. Gaya di Perancis pada mulanya adalah gaya Paris, yang Pergi ke grec ("Gaya Yunani"), bukan gaya mahkamah; bila Louis XVI masuk takhta pada tahun 1774, Marie Antoinette, Ratu yang gemar bergaya, membawa gaya "Louis XVI" ke mahkamah. Walau bagaimanapun, tidak ada usaha nyata untuk menggunakan bentuk asas perabot Rom sehingga sekitar abad ini, dan pembuat perabot lebih cenderung untuk meminjam dari seni bina kuno, sama seperti tukang perak lebih cenderung mengambil dari tembikar kuno dan batu- ukiran daripada karya logam: "Pereka dan pengrajin ... nampaknya sangat senang memindahkan motif dari satu medium ke medium yang lain".[36]

Dari sekitar tahun 1800 kemasukan contoh seni bina Yunani yang baru, yang dilihat melalui media ukiran dan ukiran, memberi dorongan baru kepada Neoklasikisme, Kebangkitan Yunani. Pada masa yang sama Gaya empayar adalah gelombang Neoclassicism yang lebih megah dalam seni bina dan seni hiasan. Terutama berdasarkan gaya Imperial Rom, ia berasal dari, dan mengambil namanya dari, aturan Napoleon di dalam Empayar Perancis Pertama, di mana ia bertujuan untuk mengidealkan kepemimpinan Napoleon dan negara Perancis. Gaya sesuai dengan yang lebih borjuasi Biedermeier gaya di tanah berbahasa Jerman, Gaya persekutuan di Amerika Syarikat,[35] yang Gaya kabupaten di Britain, dan Gaya Napoleon di Sweden. Menurut sejarawan seni Hugh Yang Berhormat "Jauh dari menjadi, seperti yang kadang-kadang seharusnya, kemuncak gerakan Neoklasik, Kerajaan menandakan kemerosotan dan transformasinya yang cepat sekali lagi menjadi kebangkitan antik semata-mata, terkuras dari semua idea dan kekuatan keyakinan yang berpikiran tinggi yang telah mengilhami karya agungnya ".[37] Fasa gaya yang lebih awal disebut Gaya Adam di Great Britain dan "Louis Seize", atau Louis XVI, di Perancis.

Neoklasikisme terus menjadi kekuatan utama di seni akademik hingga abad ke-19 dan seterusnya - antitesis berterusan untuk Romantikisme atau Kebangkitan semula Gothic -, walaupun sejak akhir abad ke-19 ia sering dianggap anti-moden, atau bahkan reaksioner, dalam kalangan kritikal yang berpengaruh.[who?] Pusat-pusat beberapa bandar Eropah, terutamanya St Petersburg dan Munich, kelihatan seperti muzium seni bina Neoklasik.

Seni bina kebangkitan Gothic (sering dikaitkan dengan gerakan budaya Romantik), gaya yang berasal dari abad ke-18 yang semakin popular sepanjang abad ke-19, berbeza dengan Neoklasikisme. Walaupun Neoklasikisme dicirikan oleh gaya, garis geometri dan susunan geometri yang dipengaruhi oleh Yunani dan Rom, seni bina kebangkitan Gothic memberikan penekanan pada bangunan-bangunan yang kelihatan pada abad pertengahan, yang sering dibuat untuk memiliki penampilan "romantis" pedesaan.

Gaya Louis XVI (1760-1789)

The Hôtel de Coislin dari Paris, dibina pada tahun 1770

Ini menandakan peralihan dari Rococo kepada Klasikisme. Tidak seperti Klasikisme Louis XIV, yang mengubah ornamen menjadi simbol, gaya Louis XVI melambangkannya sebagai realistik dan semula jadi yang mungkin, iaitu cabang laurel benar-benar cabang laurel, bunga ros sama, dan sebagainya. Salah satu prinsip hiasan utama adalah simetri. Di bahagian dalam, warna yang digunakan sangat terang, termasuk putih, kelabu muda, bleu terang, merah jambu, kuning, lila sangat terang, dan emas. Lebihan hiasan dielakkan.[38] Kembalinya ke zaman kuno adalah sinonim dengan yang paling utama dengan pengembalian ke garis lurus: menegak dan cakrawala yang ketat adalah susunan hari itu. Serpentine tidak lagi ditoleransi, kecuali separuh bulatan atau bujur sekali-sekala. Hiasan dalaman juga memenuhi rasa ketegasan ini, dengan hasilnya permukaan rata dan sudut yang tepat kembali bergaya. Hiasan digunakan untuk mengatasi keparahan ini, tetapi tidak pernah mengganggu garis asas dan selalu dibuang secara simetris di sekitar paksi pusat. Walaupun begitu, ébénistes sering mengemukakan sudut depan untuk mengelakkan ketegaran yang berlebihan.[39]

Motif hiasan gaya Louis XVI diilhamkan oleh zaman kuno, Gaya Louis XIV, dan alam semula jadi. Unsur-unsur ciri gaya: cakera terpadu, guilloché, simpul busur berganda, brazer merokok, pengulangan linear motif kecil (roset, manik, oves), piala atau medali bunga yang tergantung dari pita yang diikat, acanthus daun, gadrooning, selang, pengembara, cornucopias, tukang batu, Guci kuno, tripod, pembakar minyak wangi, lumba-lumba, kepala ram dan singa, chimeras, dan gryphons. Motif seni bina Yunani-Rom juga sangat digunakan: kepak, juruterbang (seruling dan tidak berlipat), balusters bergelombang (berpintal dan lurus), lajur (bertunang dan tidak terkawal, kadang-kadang digantikan oleh caryathids), volute korel, triglis dengan guttae (dalam kelegaan dan trompe-l'œil).[40]

Gaya Empayar (1804-1815)

Château de Compiègne, kediaman diraja yang dibina untuk Louis XV dan dipulihkan oleh Napoleon

Ia mewakili masyarakat Perancis baru yang telah keluar dari revolusi yang menetapkan nada dalam semua bidang kehidupan, termasuk seni. The Mesin Jacquard diciptakan dalam tempoh ini (yang merevolusikan keseluruhan sistem jahitan, manual sehingga kemudian). Salah satu warna yang dominan adalah merah, dihiasi dengan gangsa emas. Warna terang juga digunakan, termasuk putih, krim, ungu, coklat, bleu, merah gelap, dengan sedikit hiasan dari gangsa emas. Seni bina dalaman merangkumi panel kayu yang dihiasi dengan warna emas kelegaan (pada latar belakang putih atau berwarna). Motif diletakkan secara geometri. Dinding ditutup dalam stuko, kain kertas dinding pr. Mantel perapian diperbuat daripada marmar putih, mempunyai karyatid di sudut mereka, atau unsur lain: obelisk, sphinx, singa bersayap, dan sebagainya. Objek gangsa diletakkan di bahagian atasnya, termasuk jam mantel. Pintu terdiri daripada panel segi empat tepat yang sederhana, dihiasi dengan sosok pusat yang diilhamkan oleh Pompeian. Fabrik Empire adalah damask dengan latar belakang bleu atau coklat, satin dengan latar hijau, merah jambu atau ungu, baldu dengan warna yang sama, bros yang disalut dengan emas atau perak, dan kain kapas. Semua ini digunakan di bahagian dalam untuk langsir, untuk menutup perabot tertentu, untuk bantal atau pelapis (busa juga digunakan untuk pelapis).[42]

Semua hiasan Empire diatur oleh semangat simetri yang ketat yang mengingatkan pada Gaya Louis XIV. Secara amnya, motif di bahagian kanan dan kiri sehelai sepadan antara satu sama lain dalam setiap perincian; apabila tidak, motif individu itu sendiri sepenuhnya simetri dalam komposisi: kepala antik dengan jejak yang sama jatuh di setiap bahu, angka Kemenangan frontal dengan tunik yang disusun secara simetri, roset yang sama atau angsa yang mengapit plat kunci, dll. Seperti Louis XIV, Napoleon memiliki sekumpulan lambang yang jelas berkaitan dengan pemerintahannya, terutama helang, lebah, bintang, dan inisial Saya (untuk Imperator) dan N (untuk Napoleon), yang biasanya tertulis di mahkota laurel kekaisaran. Motif yang digunakan merangkumi: angka dari Kemenangan menanggung dahan palma, penari Yunani, wanita bogel dan berpakaian, tokoh kereta antik, bersayap putti, tukang batu daripada Apollo, Hermes dan juga Gorgon, angsa, singa, kepala lembu, kuda dan binatang buas, rama-rama, cakar, bersayap chimeras, sphinx, bucrania, kuda laut, karangan bunga ek yang diikat dengan pita belakang tipis, memanjat anggur, poppy rinceaux, roset, dahan sawit, dan laurel. Terdapat banyak bahasa Yunani-Rom: kaku dan rata acanthus daun, tapak tangan, cornucopias, manik, amphora, tripod, cakera padat, caduceuses daripada Merkuri, pasu, topi keledar, obor pembakar, pemain sangkakala bersayap, dan alat muzik kuno (tubas, gemerincing dan terutamanya pengkhianat). Walaupun mereka berasal dari antik, yang seruling dan triglis jadi lazim di bawah Louis XVI ditinggalkan. Kebangkitan Mesir motif sangat biasa pada awal tempoh: selendang, teratai ibu kota, cakera bersayap, obelisk, piramid, angka memakai nemeses, karyatid en gaine disokong oleh kaki telanjang dan dengan hiasan kepala wanita Mesir.[43]

Taman

Di England, sastra Augustan mempunyai keseimbangan langsung dengan gaya reka bentuk lanskap Augustan. Pautan itu jelas kelihatan dalam karya Alexander Pope. Contoh terbaik dari kebun Inggeris Neoklasik ialah Rumah Chiswick, Rumah Stowe dan Stourhead.[45]

Neoklasikisme dan fesyen

Sosialis revolusi Thérésa Tallien
Potret dari Antoine Valedau dari tahun 1809

Dalam fesyen, Neoklasikisme mempengaruhi kesederhanaan pakaian wanita yang lebih besar, dan fesyen tahan lama untuk warna putih, dari sebelum Revolusi Perancis, tetapi tidak sampai selepas itu percubaan menyeluruh untuk meniru gaya kuno menjadi bergaya di Perancis, sekurang-kurangnya untuk wanita. Kostum klasik telah lama dipakai oleh wanita bergaya yang berpose sebagai tokoh dari mitos Yunani atau Rom dalam potret (khususnya terdapat ruam potret model muda seperti itu Emma, ​​Lady Hamilton dari tahun 1780-an), tetapi kostum seperti itu hanya dipakai untuk potret duduk dan bola penyamaran sehingga zaman Revolusi, dan mungkin, seperti gaya eksotik lain, sebagai pakaian di rumah. Tetapi gaya yang dipakai dalam potret oleh Juliette Récamier, Joséphine de Beauharnais, Thérésa Tallien dan penentu trend Paris yang lain juga untuk keluar di khalayak ramai. Melihat Cik Tallien di opera, Talleyrand menyindir bahawa: "Tidak semestinya mungkin de s'exposer plus somptueusement!"(" Orang tidak boleh lebih banyak menanggalkan pakaian "). Pada tahun 1788, tepat sebelum Revolusi, pengadilan potret Louise Élisabeth Vigée Le Brun telah mengadakan perjamuan Yunani di mana para wanita mengenakan jubah Yunani berwarna putih.[46] Gaya rambut klasik yang lebih pendek, jika mungkin dengan keriting, kurang kontroversi dan diguna pakai secara meluas, dan rambut kini tidak dapat ditemui walaupun di luar rumah; kecuali pakaian malam, bonet atau penutup lain biasanya dipakai walaupun di dalam rumah sebelumnya. Pita atau fillet gaya Yunani tipis digunakan untuk mengikat atau menghias rambut sebagai gantinya.

Gaun yang sangat ringan dan longgar, biasanya berwarna putih dan sering dengan lengan kosong yang mengejutkan, naik tipis dari pergelangan kaki hingga tepat di bawah korset, di mana terdapat lekukan atau tali leher nipis yang sangat ditekankan di seluruh badan, sering dengan warna yang berbeza. Bentuknya sekarang sering dikenali sebagai Siluet empayar walaupun ia mendahului Empayar Perancis Pertama Napoleon, tetapi Permaisuri pertamanya Joséphine de Beauharnais berpengaruh menyebarkannya ke seluruh Eropah. Selendang atau bungkus segi empat tepat panjang, sering kali berwarna merah polos tetapi dengan perbatasan yang dihiasi dalam potret, membantu dalam cuaca yang lebih sejuk, dan nampaknya diletakkan di sekitar tengah ketika duduk - yang mana disukai postur separa berbaring.[47] Pada awal abad ke-19, gaya seperti itu telah tersebar luas di seluruh Eropah.

Fesyen neoklasik untuk lelaki jauh lebih bermasalah, dan tidak pernah terlepas daripada rambut, di mana ia memainkan peranan penting dalam gaya yang lebih pendek yang akhirnya menghantar penggunaan rambut palsu, dan kemudian serbuk rambut putih, untuk lelaki muda. Seluar itu adalah simbol barbar kepada orang Yunani dan Rom, tetapi di luar pelukis atau, terutama, studio pemahat, hanya sedikit lelaki yang bersedia meninggalkannya. Sesungguhnya, tempoh tersebut menyaksikan kemenangan seluar murni, atau pantaloon, melebihi cullottes atau sakit lutut daripada Ancien Régime. Bahkan ketika David merancang "kostum nasional" Perancis baru atas permintaan pemerintah semasa kegembiraan Revolusi untuk mengubah segalanya pada tahun 1792, ia termasuk legging yang agak ketat di bawah mantel yang berhenti di atas lutut. Sebilangan besar pemuda yang kaya raya menghabiskan banyak masa penting dalam perkhidmatan ketenteraan kerana Perang Revolusi Perancis, dan pakaian seragam tentera, yang mula menekankan jaket yang pendek di bahagian depan, memberikan gambaran lengkap mengenai seluar ketat, sering dipakai ketika tidak bertugas, dan mempengaruhi gaya lelaki cilivian.

Masalah seluar telah diakui oleh para seniman sebagai penghalang untuk mencipta kontemporari lukisan sejarah; seperti elemen pakaian kontemporari yang lain, mereka dilihat sebagai sangat buruk dan tidak serasi oleh banyak artis dan pengkritik. Berbagai strategi digunakan untuk mengelakkan penggambarannya dalam pemandangan moden. Dalam James Dawkins dan Robert Wood Menemui Reruntuhan Palmyra (1758) oleh Gavin Hamilton, dua barang antik lelaki ditunjukkan dalam toga-seperti jubah Arab. Dalam Watson dan Shark (1778) oleh John Singleton Copley, tokoh utama boleh dilihat telanjang, dan komposisi seperti yang ditunjukkan oleh lapan lelaki lain, hanya satu yang menunjukkan satu berangin kaki dengan jelas. Bagaimanapun orang Amerika Copley dan Benjamin Barat memimpin para seniman yang berjaya menunjukkan bahawa seluar boleh digunakan dalam adegan heroik, dengan karya seperti karya West Kematian Jeneral Wolfe (1770) dan Copley's Kematian Mejar Peirson, 6 Januari 1781 (1783), walaupun seluar itu masih dihindari dengan hati-hati Rakit Medusa, siap pada tahun 1819.

Gaya rambut lelaki yang diilhamkan secara klasik termasuk Tanaman Bedford, boleh dikatakan pendahulu gaya lelaki moden yang paling polos, yang diciptakan oleh ahli politik radikal Francis Russell, Duke of Bedford ke-5 sebagai tunjuk perasaan terhadap a cukai ke atas serbuk rambut; dia mendorong rakan-rakannya untuk menerimanya dengan bertaruh bahawa mereka tidak akan melakukannya. Gaya lain yang berpengaruh (atau kumpulan gaya) dinamakan oleh "à la Titus" Perancis Titus Junius Brutus (sebenarnya bukan Maharaja Rom Titus seperti yang sering diandaikan), dengan rambut pendek dan berlapis tetapi agak menumpuk di atas mahkota, selalunya dengan kancing atau kunci terkunci yang digantung; varian biasa dari rambut kedua-duanya Napoleon dan George IV dari United Kingdom. Gaya itu seharusnya diperkenalkan oleh pelakon itu François-Joseph Talma, yang mementaskan pelakonnya yang bergoyang ketika tampil dalam produksi karya seperti Voltaires Brutus (kira-kira Lucius Junius Brutus, yang memerintahkan pembunuhan anaknya Titus). Pada tahun 1799 sebuah majalah fesyen Paris melaporkan bahawa bahkan lelaki botak mengadopsi rambut palsu Titus,[48] dan gaya juga dipakai oleh wanita, yang Jurnal de Paris melaporkan pada tahun 1802 bahawa "lebih dari separuh wanita anggun memakai rambut atau rambut palsu à la Titus.[49]

Neoklasikisme Kemudian

Bangunan Barat (1941) Galeri Seni Negara di Washington
The Rumah Assan dari Bucharest (Romania), 1906-1914, dibina mengikut reka bentuk arkitek Ion D. Berindey, dalam bahasa Perancis Neoklasik gaya

Dalam seni bina Amerika, Neoklasik merupakan salah satu ungkapan dari Renaissance Amerika pergerakan, kira-kira 1890–1917; manifestasi terakhirnya adalah pada Seni bina Beaux-Arts, dan projek awam besar terakhirnya adalah Peringatan Lincoln (sangat dikritik ketika itu), Galeri Seni Negara di Washington, D.C. (juga dikritik hebat oleh komuniti seni bina sebagai pemikiran mundur dan kuno dalam reka bentuknya), dan Muzium Sejarah Alam AmerikaPeringatan Roosevelt. Ini dianggap sebagai gaya anachronisme ketika selesai. Di Raj Inggeris, Tuan Edwin Lutyens'perancangan bandar monumental untuk New Delhi menandakan kegemilangan Neoklasikisme. Perang Dunia II adalah untuk menghancurkan rindu (dan peniruan) masa-masa mitos dan kepahlawanan.

Konservatif moden arkitek seperti Auguste Perret di Perancis menyimpan irama dan jarak seni bina kolumnar walaupun di bangunan kilang. Di mana a tiang tiang akan dinyatakan sebagai "reaksioner", sebuah bangunan juruterbang-seperti seruling panel di bawah pengulangan duka kelihatan "progresif". Pablo Picasso bereksperimen dengan motif klasik pada tahun-tahun berikutnya Perang Dunia I, dan juga Hiasan seni gaya yang muncul selepas Paris tahun 1925 Exposition des Arts Décoratifs, sering menggunakan motif Neoklasik tanpa menyatakannya secara terang-terangan: teruk, tersekat komoditi oleh É.-J. Ruhlmann atau Süe & Mare; crisp, extremely low-relief friezes of damsels and gazelles in every medium; fashionable dresses that were draped or cut on the bias to recreate Grecian lines; the art dance of Isadora Duncan; yang Selaraskan Moderne styling of U.S. post offices and county court buildings built as late as 1950; dan juga Roosevelt sepeser pun.

There was an entire 20th-century movement in the Arts which was also called Neoclassicism. It encompassed at least music, philosophy and literature. It was between the end of World War I and the end of World War II. (For information on the musical aspects, see Muzik klasik abad ke-20 dan Neoclassicism in music. For information on the philosophical aspects, see Buku Hebat.)

This literary Neoclassical movement rejected the extreme romanticism of (for example) Dada, in favour of restraint, religion (specifically Christianity) and a reactionary political program. Although the foundations for this movement in kesusasteraan Bahasa Inggeris were laid by T. E. Hulme, the most famous Neoclassicists were T. S. Eliot dan Wyndham Lewis. In Russia, the movement crystallized as early as 1910 under the name of Akmeisme, dengan Anna Akhmatova dan Osip Mandelshtam as the leading representatives.

Dalam muzik

Neoclassicism in music is a 20th-century movement; in this case it is the Klasik dan Barok musical styles of the 17th and 18th centuries, with their fondness for Greek and Roman themes, that were being revived, not the music of the ancient world itself. (The early 20th century had not yet distinguished the Baroque period in music, on which Neoclassical composers mainly drew, from what we now call the Classical period.) The movement was a reaction in the first part of the 20th century to the disintegrating chromaticism of late-Romanticism and Impressionism, emerging in parallel with musical Modernism, which sought to abandon key tonality altogether. It manifested a desire for cleanness and simplicity of style, which allowed for quite dissonant paraphrasing of classical procedures, but sought to blow away the cobwebs of Romanticism and the twilit glimmerings of Impresionisme in favour of bold rhythms, assertive harmony and clean-cut sectional forms, coinciding with the vogue for reconstructed "classical" dancing and costume in balet dan pendidikan Jasmani.

The 17th-18th century dance suite had had a minor revival before Perang Dunia I but the Neoclassicists were not altogether happy with unmodified diatonicism, and tended to emphasise the bright dissonance of suspensions and ornaments, the angular qualities of 17th-century modal harmony and the energetic lines of countrapuntal part-writing. Respighi Udara dan Tarian Purba (1917) led the way for the sort of sound to which the Neoclassicists aspired. Although the practice of borrowing musical styles from the past has not been uncommon throughout musical history, art musics have gone through periods where musicians used modern techniques coupled with older forms or harmonies to create new kinds of works. Notable compositional characteristics are: referencing diatonic tonality, conventional forms (dance suites, concerti grossi, sonata forms, etc.), the idea of absolute music untramelled by descriptive or emotive associations, the use of light musical textures, and a conciseness of musical expression. In classical music, this was most notably perceived between the 1920s and the 1950s. Igor Stravinsky is the best-known composer using this style; he effectively began the musical revolution with his Bach-like Octet untuk Instrumen Angin (1923). A particular individual work that represents this style well is Prokofievs Simfoni Klasik No. 1 in D, which is reminiscent of the symphonic style of Haydn atau Mozart. Balet neoklasik as innovated by George Balanchine de-cluttered the Russian Imperial style in terms of costume, steps and narrative, while also introducing technical innovations.

Architecture in Russia and the Soviet Union

Istana Ostankino, direka oleh Francesco Camporesi and completed in 1798, in Moscow, Russia

In 1905–1914 Russian architecture passed through a brief but influential period of Kebangkitan semula neoklasik; the trend began with recreation of Empire style of alexandrine period and quickly expanded into a variety of neo-Renaissance, Palladian and modernized, yet recognizably classical schools. They were led by architects born in the 1870s, who reached creative peak before World War I, like Ivan Fomin, Vladimir Shchuko dan Ivan Zholtovsky. When economy recovered in the 1920s, these architects and their followers continued working in primarily moden persekitaran; some (Zholtovsky) strictly followed the classical canon, others (Fomin, Schuko, Ilya Golosov) developed their own modernized styles.[50]

With the crackdown on architects' independence and official denial of modernism (1932), demonstrated by the international contest for the Istana Soviet, Neoclassicism was instantly promoted as one of the choices in Senibina stalinis, although not the only one. It coexisted with moderately modernist architecture of Boris Iofan, bordering with contemporary Hiasan seni (Schuko); again, the purest examples of the style were produced by Zholtovsky school that remained an isolated phenomena. The political intervention was a disaster for konstruktivis leaders yet was sincerely welcomed by architects of the classical schools.

Neoclassicism was an easy choice for the USSR since it did not rely on modern construction technologies (rangka keluli atau konkrit bertetulang) and could be reproduced in traditional tukang batu. Thus the designs of Zholtovsky, Fomin and other old masters were easily replicated in remote towns under strict material catuan. Improvement of construction technology after World War II permitted Stalinist architects to venture into skyscraper construction, although stylistically these skyscrapers (including "exported" architecture of Istana Budaya dan Sains, Warsaw dan juga Shanghai International Convention Centre) share little with the classical models. Neoclassicism and neo-Renaissance persisted in less demanding residential and office projects until 1955, when Nikita Khrushchev put an end to expensive Stalinist architecture.

Architecture in the 21st century

After a lull during the period of modern architectural dominance (roughly post-World War II until the mid-1980s), Neoclassicism has seen something of a resurgence.

As of the first decade of the 21st century, contemporary Neoclassical architecture is usually classed under the umbrella term of Senibina Klasik Baru. Sometimes it is also referred to as Neo-Historicism or Traditionalism.[51] Also, a number of pieces of seni bina pascamoden draw inspiration from and include explicit references to Neoclassicism, Daerah Antigone dan juga Teater Nasional Catalonia dalam Barcelona antaranya. Senibina pascamoden occasionally includes historical elements, like columns, capitals or the tympanum.

For sincere traditional-style architecture that sticks to regional architecture, materials and craftsmanship, the term Senibina Tradisional (or vernacular) is mostly used. The Hadiah Senibina Driehaus is awarded to major contributors in the field of 21st century traditional or classical architecture, and comes with a prize money twice as high as that of the modernist Hadiah Pritzker.[52]

In the United States, various contemporary public buildings are built in Neoclassical style, with the 2006 Pusat Simfoni Schermerhorn dalam Nashville menjadi contoh.

In Britain, a number of architects are active in the Neoclassical style. Examples of their work include two university libraries: Quinlan Terry's Maitland Robinson Library at Kolej Downing and Robert Adam Architects' Perpustakaan Sackler.

Lihat juga

Catatan

  1. ^ "Etymology of the English word "neo-classical"". myetymology.com. Diperoleh 2016-05-09.
  2. ^ Stevenson, Angus (2010-08-19). Kamus Bahasa Inggeris Oxford. ISBN 9780199571123.
  3. ^ Kohle, Hubertus (August 7, 2006). "The road from Rome to Paris. The birth of a modern Neoclassicism". Jacques Louis David. Perspektif baru.
  4. ^ Irwin, David G. (1997). Neoclassicism A&I (Art and Ideas). Akhbar Phaidon. ISBN 978-0-7148-3369-9.
  5. ^ Honour, 17-25; Novotny, 21
  6. ^ A recurring theme in Clark: 19-23, 58-62, 69, 97-98 (on Ingres); Honour, 187-190; Novotny, 86-87
  7. ^ Lingo, Estelle Cecile (2007). François Duquesnoy and the Greek ideal. Akhbar Universiti Yale; Edisi pertama. hlm.161. ISBN 978-0-300-12483-5.
  8. ^ Talbott, Page (1995). Classical Savannah: fine & decorative arts, 1800-1840. University of Georgia Press. hlm. 6. ISBN 978-0-8203-1793-9.
  9. ^ Cunningham, Reich, Lawrence S., John J. (2009). Culture and values: a survey of the humanities. Wadsworth Publishing; Edisi 7. hlm. 104. ISBN 978-0-495-56877-3.
  10. ^ Honour, 57-62, 61 quoted
  11. ^ Both quotes from the first pages of "Thoughts on the Imitation of Greek Works in Painting and Sculpture"
  12. ^ Dyson, Stephen L. (2006). Dalam Mengejar Pasti Kuno: Sejarah Arkeologi Klasik pada Abad Kesembilan belas dan Kedua Puluh. Akhbar Universiti Yale. hlm xii. ISBN 978-0-300-11097-5.
  13. ^ Honour, 21
  14. ^ Honour, 11, 23-25
  15. ^ Honour, 44-46; Novotny, 21
  16. ^ Honour, 43-62
  17. ^ Clark, 20 (quoted); Honour, 14; image of the painting (in fairness, other works by Mengs are more successful)
  18. ^ Honour, 31-32 (31 quoted)
  19. ^ Honour, 113-114
  20. ^ Honour, 14
  21. ^ Novotny, 62
  22. ^ Novotny, 51-54
  23. ^ Clark, 45-58 (47-48 quoted); Honour, 50-57
  24. ^ Honour, 34-37; Clark, 21-26; Novotny, 19-22
  25. ^ Novotny, 39-47; Clark, 97-145; Honour, 187-190
  26. ^ Novotny, 378
  27. ^ Novotny, 378–379
  28. ^ Chinard, Gilbert, ed., Houdon in America Arno PressNy, 1979, a reprint of a book published by Johns Hopkins University, 1930
  29. ^ Novotny, 379-384
  30. ^ Novotny, 384-385
  31. ^ Novotny, 388-389
  32. ^ Novotny, 390-392
  33. ^ Gerdts, William H., American Neo-Classic Sculpture: The Marble Resurrection, Viking Press, New York, 1973 p. 11
  34. ^ Palmer, Alisson Lee. Historical dictionary of neoclassical art and architecture. hlm. 1.
  35. ^ a b Gontar
  36. ^ Honour, 110–111, 110 quoted
  37. ^ Honour, 171–184, 171 quoted
  38. ^ Graur, Neaga (1970). Stiluri în arta decorativă (dalam bahasa Romania). Cerces. hlm. 200, 201 & 202.
  39. ^ Sylvie, Chadenet (2001). French Furniture • From Louis XIII to Art Deco. Little, Brown dan Syarikat. hlm. 71.
  40. ^ Sylvie, Chadenet (2001). French Furniture • From Louis XIII to Art Deco. Little, Brown dan Syarikat. hlm. 72.
  41. ^ https://www.artic.edu/artworks/96539/corner-cabinet. Hilang atau kosong | tajuk = (menolong)
  42. ^ Graur, Neaga (1970). Stiluri în arta decorativă (dalam bahasa Romania). Cerces. hlm. 217, 219, 220 & 221.
  43. ^ Sylvie, Chadenet (2001). French Furniture • From Louis XIII to Art Deco. Little, Brown dan Syarikat. hlm. 103 & 105.
  44. ^ Odile, Nouvel-Kammerer (2007). Symbols of Power • Napoleon and the Art of the Empire Style • 1800-1815. hlm. 209. ISBN 978-0-8109-9345-7.
  45. ^ Turner, Turner (2013). British gardens: history, philosophy and design, Chapter 6 Neoclassical gardens and landscapes 1730-1800. London: Routledge. hlm. 456. ISBN 978-0415518789.
  46. ^ Hunt, 244
  47. ^ Hunt, 244-245
  48. ^ Hunt, 243
  49. ^ Rifelj, 35
  50. ^ "Asal-usul Modernisme dalam Senibina Rusia". Kandungan.cdlib.org. Diperoleh 2012-02-12.
  51. ^ "Neo-classicist Architecture. Traditionalism. Historicism".
  52. ^ Driehaus Prize for New Classical Architecture at Notre Dame SoATogether, the $200,000 Driehaus Prize and the $50,000 Reed Award represent the most significant recognition for classicism in the contemporary built environment.; retained March 7, 2014

Rujukan

  • Clark, Kenneth, The Romantic Rebellion: Romantic versus Classic Art, 1976, Omega. ISBN 0-86007-718-7.
  • Yang Berhormat, Hugh, Neo-klasikisme. Gaya dan Tamadun 1968 (reprinted 1977), Penguin
  • Gontar, Cybele, "Neoclassicism", In Heilbrunn Timeline of Art History. New York: Muzium Seni Metropolitan, 2000– dalam talian
  • Hunt, Lynn, "Freedom of Dress in Revolutionary France", in Dari Kerajaan hingga Badan Republikan: Menggabungkan Politik di Abad ke-17 dan Abad ke-18 Perancis, Penyunting: Sara E. Melzer, Kathryn Norberg, 1998, University of California Press, 1998, ISBN 0520208072,9780520208070
  • Fritz Novotny, Painting and Sculpture in Europe, 1780–1880, 2nd edition (reprinted 1980).
  • Rifelj, Carol De Dobay, Kepingan: Rambut dalam Kesusasteraan dan Budaya Perancis Abad Kesembilan belas, 2010, University of Delaware Press, ISBN 0874130999, 9780874130997, buku google

Bacaan lanjut

  • Brown, Kevin (2017). Artist and Patrons: Court Art and Revolution in Brussels at the end of the Ancien Regime, Dutch Crossing, Taylor and Francis
  • Eriksen, Svend. Early Neoclassicism in France (1974)
  • Friedlaender, Walter (1952). David ke Delacroix (originally published in German; reprinted 1980)
  • Gromort, Georges, with introductory essay by Richard Sammons (2001). Unsur Seni Bina Klasik (Classical America Series in Art and Architecture)
  • Harrison, Charles; Paul Wood and Jason Gaiger (eds) (2000; repr. 2003). Art in Theory 1648–1815: An Anthology of Changing Ideas
  • Hartop, Christopher, with foreword by Tim Knox (2010). The Classical Ideal: English Silver, 1760–1840, exh. kucing. Cambridge: John Adamson ISBN 978-0-9524322-9-6
  • Irwin, David (1966). English Neoclassical Art: Studies in Inspiration and Taste
  • Johnson, James William. “What Was Neo-Classicism?” Jurnal Pengajian Inggeris, jilid 9, tidak. 1, 1969, pp. 49–70. dalam talian
  • Rosenblum, Robert (1967). Transformations in Late Eighteenth-Century Art

Pautan luaran

Pin
Send
Share
Send