Barok - Baroque

Daripada Wikipedia, Ensiklopedia Percuma

Pin
Send
Share
Send

Orang Barok
WLA metmuseum Venus and Adonis oleh Peter Paul Rubens.jpg
Ekstasi St. Teresa HDR.jpg
Wieskirche 1.2.jpg
Atas: Venus dan Adonis oleh Peter Paul Rubens (1635-40); Pusat: Ekstasi Saint Teresa oleh Bernini (1651); Bawah: The Wieskirche di Bavaria (1754)
tahun aktifAbad ke-17 hingga ke-18

The Barok (UK: /bəˈrɒk/, KAMI: /bəˈrk/; Bahasa Perancis:[baʁɔk]) ialah gaya daripada seni bina, muzik, menari, melukis, patung dan seni lain yang berkembang di Eropah dari awal abad ke-17 hingga 1740-an. Di wilayah empayar Sepanyol dan Portugis termasuk Semenanjung Iberia, ia terus berlanjut, bersama dengan gaya baru, hingga dekad pertama tahun 1800-an. Ia mengikuti Seni Renaissance dan Mannerisme dan mendahului Rococo (pada masa lalu sering disebut sebagai "Baroque lewat") dan Neoklasik gaya. Ia didorong oleh pihak gereja Katolik sebagai kaedah untuk mengatasi kesederhanaan dan kesederhanaan Protestan seni bina, seni dan muzik Seni Barok Lutheran maju di bahagian Eropah juga.[1]

Gaya Baroque menggunakan kontras, pergerakan, perincian yang luar biasa, warna yang mendalam, keagungan dan kejutan untuk mencapai rasa kagum. Gaya bermula pada awal abad ke-17 di Rom, kemudian menyebar dengan cepat ke Perancis, Itali utara, Sepanyol dan Portugal, kemudian ke Austria, Jerman selatan dan Rusia. Menjelang tahun 1730-an, ia telah berkembang menjadi gaya yang lebih flamboyan, disebut rocaille atau Rococo, yang muncul di Perancis dan Eropah Tengah hingga pertengahan hingga akhir abad ke-18.

Di dalam seni hiasan, gaya menggunakan hiasan yang berlimpah dan rumit. Pemergian dari klasikisme Renaissance mempunyai cara tersendiri di setiap negara. Tetapi ciri umum adalah bahawa di mana sahaja titik permulaan adalah elemen hiasan yang diperkenalkan oleh Zaman Renaissance. Repertoar klasik penuh sesak, padat, tumpang tindih, dimuat, untuk memprovokasi kesan kejutan. Motif baru yang diperkenalkan oleh Baroque adalah: rawan, piala dan senjata, bakul buah atau bunga, dan lain-lain, buatan perkahwinan, stuko, atau diukir.[2]

Asal perkataan

Loket dalam bentuk siren, terbuat dari mutiara barok (batang tubuh) dengan pelekap emas enamel yang disertakan dengan rubi, mungkin sekitar tahun 1860, di Muzium Seni Metropolitan (Bandar New York)

Perkataan Inggeris barok datang terus dari Bahasa Perancis (seperti yang dicadangkan ejaan bahasa Inggeris standard moden). Sebilangan sarjana menyatakan bahawa perkataan Perancis berasal dari istilah Portugis baroko ("mutiara cacat"), menunjuk ke[penjelasan diperlukan] bahasa Latin verruca,[3] ("ketuat"), atau kata dengan akhiran -ǒccu (biasa di Iberia pra-Rom).[4][5][6] Sumber lain mencadangkan a Latin abad pertengahan istilah yang digunakan dalam logik, barok, sebagai sumber yang paling mungkin.[7]

Pada abad ke-16, perkataan Latin Abad Pertengahan barok bergerak melampaui logika skolastik dan digunakan untuk mencirikan apa sahaja yang kelihatannya tidak masuk akal. Ahli falsafah Perancis Michel de Montaigne (1533–1592) mengaitkan istilah barok dengan "Pelik dan tidak berguna rumit."[8] Sumber awal lain bersekutu barok dengan sihir, kerumitan, kekeliruan, dan keterlaluan.[7]

Perkataan itu barok juga dikaitkan dengan mutiara yang tidak teratur sebelum abad ke-18. Perancis barok dan Portugis baroko istilah yang sering dikaitkan dengan perhiasan. Contoh dari 1531 menggunakan istilah untuk menggambarkan mutiara dalam inventori Charles V dari Peranciss[penjelasan diperlukan] harta karun.[9] Kemudian, perkataan itu muncul dalam edisi tahun 1694 Le Dictionnaire de l'Académie Française, yang menerangkan barok sebagai "hanya digunakan untuk mutiara yang bulat tidak sempurna."[10] Kamus Portugis 1728 juga menerangkan baroko sebagai berkaitan dengan "mutiara kasar dan tidak rata".[11]

Kata terbitan alternatif barok menunjuk nama pelukis Itali Federico Barocci (1528–1612).[12]

Pada abad ke-18 istilah ini mula digunakan untuk menggambarkan muzik, dan bukan dengan cara yang memuji. Dalam tinjauan satira tanpa nama mengenai tayangan perdana Jean-Philippe Rameaus Hippolyte et Aricie pada bulan Oktober 1733, yang dicetak di Mercure de France pada bulan Mei 1734, pengkritik menulis bahawa kebaruan dalam opera ini adalah "du barocque", mengeluh bahawa muzik itu tidak mempunyai melodi yang koheren, tidak bersikap tidak puas hati, terus berubah kunci dan meter, dan dengan cepat melintasi setiap alat komposisi.[13]

Pada tahun 1762 Le Dictionnaire de l'Académie Française mencatatkan bahawa istilah itu secara kiasan dapat menggambarkan sesuatu yang "tidak teratur, pelik atau tidak sama".[14]

Jean-Jacques Rousseau, yang merupakan pemuzik dan komposer serta ahli falsafah, menulis pada tahun 1768 di Ensiklopedia: "Muzik Baroque adalah yang mana kerukunannya keliru, dan sarat dengan modulasi dan ketidakcocokan. Nyanyiannya keras dan tidak wajar, intonasi sukar, dan pergerakannya terbatas. Nampaknya istilah itu berasal dari perkataan 'baroco' yang digunakan oleh ahli logik . "[8][15]

Pada tahun 1788 Quatremère de Quincy ditakrifkan istilah di Encyclopédie Méthodique sebagai "gaya seni bina yang sangat dihiasi dan diseksa".[16]

Istilah Perancis gaya barok dan muak barok muncul di Le Dictionnaire de l'Académie Française pada tahun 1835.[17] Menjelang pertengahan abad ke-19, pengkritik seni dan sejarawan telah mengadopsi istilah "barok" sebagai cara untuk memperlekehkan seni pasca Renaissance. Ini adalah pengertian kata seperti yang digunakan pada tahun 1855 oleh sejarawan seni terkemuka Jacob Burckhardt, yang menulis bahawa seniman barok "menghina dan menyalahgunakan perincian" kerana mereka tidak "menghormati tradisi".[18]

Pada tahun 1888 ahli sejarah seni Heinrich Wölfflin menerbitkan karya akademik serius pertama mengenai gaya, Renaissance und Barock, yang menggambarkan perbezaan antara lukisan, patung, dan seni bina Renaissance dan Baroque.[19]

Senibina: asal usul dan ciri

Quadratura atau trompe-l'œil siling Gereja Gesù dari Rom, oleh Giovanni Battista Gaulli, dari tahun 1673 hingga 1678[20]

Gaya seni bina Barok adalah hasil dari doktrin yang dianut oleh gereja Katolik dekat Majlis Trent pada tahun 1545–63, sebagai tindak balas kepada Reformasi Protestan. Fasa pertama Pembalikan Reformasi telah menerapkan gaya akademik yang keras pada seni bina keagamaan, yang menarik bagi para intelektual tetapi tidak banyak orang gereja. Majlis Trent memutuskan untuk menarik penonton yang lebih popular, dan menyatakan bahawa seni harus menyampaikan tema keagamaan dengan penglibatan langsung dan emosi.[21][22] Seni Lutheran Baroque dikembangkan sebagai penanda identiti pengakuan, sebagai tindak balas kepada Ikonoklasma Hebat daripada Calvinis.[23]

Gereja-gereja Baroque dirancang dengan ruang tengah yang besar, di mana para penyembah boleh berada dekat dengan mezbah, dengan kubah atau kubah tinggi di atasnya, yang memungkinkan cahaya menerangi gereja di bawah ini. Kubah itu adalah salah satu ciri simbolik utama seni bina Barok yang menggambarkan penyatuan antara langit dan bumi, Bahagian dalam kubah dihiasi dengan mewah dengan lukisan malaikat dan orang suci, dan dengan patung malaikat stuko, memberikan kesan kepada yang di bawah melihat ke syurga.[24]Ciri lain dari gereja Baroque adalah quadratura; trompe-l'œil lukisan di siling dalam bingkai stuko, sama ada nyata atau dicat, dipenuhi dengan lukisan orang suci dan malaikat dan dihubungkan dengan perincian seni bina dengan langsir dan konsol. Quadratura lukisan dari Atlantes di bawah sudut kelihatan menyokong langit-langit gereja. Tidak seperti langit-langit Michelangelo yang dilukis di Kapel Sistine, yang menggabungkan pemandangan yang berbeza, masing-masing dengan perspektif sendiri, untuk dilihat satu per satu, lukisan siling Baroque dibuat dengan teliti sehingga penonton di lantai gereja akan melihat keseluruhan siling dalam perspektif yang betul, seolah-olah angka itu nyata.

Bahagian dalam gereja Baroque menjadi semakin hiasan di High Baroque, dan tertumpu di sekitar mezbah, biasanya diletakkan di bawah kubah. Karya hiasan barok yang paling terkenal di High Baroque adalah Ketua Saint Peter (1647-53) dan Baldachino St. Peter (1623–34), keduanya oleh Gian Lorenzo Bernini, dalam Basilika St. Petrus di Rom. Baldequin St Peter adalah contoh keseimbangan lawan dalam seni Barok; bahagian besar dari sekeping itu, dengan cahaya kanopi yang jelas; dan kontras antara tiang terpintal padat, gangsa, emas dan marmar dari sekeping dengan tirai malaikat yang mengalir di kanopi.[25] The Dresden Frauenkirche berfungsi sebagai contoh terkenal seni Lutheran Baroque, yang diselesaikan pada tahun 1743 setelah ditugaskan oleh dewan kota Lutheran Dresden dan "dibandingkan oleh pemerhati abad kelapan belas dengan St Peter's di Rom".[1]

Tiang berpintal di bahagian dalam gereja adalah salah satu ciri khas Baroque. Ia memberikan rasa gerak dan juga cara baru yang dramatis untuk memantulkan cahaya rawan adalah satu lagi ciri khas hiasan Barok. Ini adalah plak besar yang diukir dari marmar atau batu, biasanya bujur dan dengan permukaan bulat, yang membawa gambar atau teks dengan huruf berlapis emas, dan ditempatkan sebagai hiasan dalaman atau di atas pintu bangunan, menyampaikan pesan kepada yang di bawah. Mereka menunjukkan berbagai penemuan, dan ditemukan di semua jenis bangunan, dari katedral dan istana hingga kapel kecil.[26]

Arkitek Barok kadang-kadang digunakan perspektif paksa untuk mencipta ilusi. Untuk Palazzo Spada di Rom, Borromini menggunakan tiang dengan ukuran yang semakin berkurang, lantai yang menyempit dan patung miniatur di taman di luar untuk menciptakan ilusi bahawa lorong itu panjangnya tiga puluh meter, padahal panjangnya hanya tujuh meter. Sebuah patung di hujung lorong kelihatan seukuran hidup, walaupun tingginya hanya enam puluh sentimeter. Borromini merancang ilusi dengan bantuan ahli matematik.

Barok Itali

Saint Ignatius dari Rom (1626–1650)

Bangunan pertama di Rom yang mempunyai fasad Baroque adalah bangunan Gereja Gesù pada tahun 1584; itu jelas oleh standard Baroque kemudian, tetapi menandakan penembusan dengan fasad Renaissance tradisional yang mendahuluinya. Bahagian dalam gereja ini tetap sangat keras hingga Baroque yang tinggi, ketika ia dihiasi dengan mewah.

Di Rom pada tahun 1605, Paul V menjadi yang pertama dari siri popes yang menugaskan bangunan basilika dan gereja yang dirancang untuk menginspirasi emosi dan kagum melalui percambahan bentuk, dan kekayaan warna dan kesan dramatik.[27] Antara monumen paling berpengaruh pada awal Baroque adalah fasad Basilika St. Petrus (1606–1619), dan nave dan loggia baru yang menghubungkan fasad dengan kubah Michelangelo di gereja sebelumnya. Reka bentuk baru mencipta kontras dramatik antara kubah melambung dan fasad lebar yang tidak seimbang, dan kontras pada fasad itu sendiri antara tiang Doric dan besarnya portico.[28]

Pada pertengahan hingga akhir abad ke-17 gaya ini mencapai kemuncaknya, kemudian disebut High Baroque. Banyak karya monumental ditugaskan oleh Popes Bandar VIII dan Alexander VII. Pengukir dan arkitek Gian Lorenzo Bernini merancang sebuah tiang empat tiang baru di sekitar St Peter's Square (1656 hingga 1667). Tiga galeri tiang dalam elips raksasa menyeimbangkan kubah yang besar dan memberikan Gereja dan perpaduan dan perasaan teater gergasi.[29]

Salute Santa Maria della dalam Venice (1631–1687)

Satu lagi inovator utama Baroque Tinggi Itali adalah Francesco Borromini, yang kerja utamanya adalah Gereja San Carlo alle Quattro Fontane atau Saint Charles dari Empat Air Mancur (1634–46). Rasa pergerakan tidak diberikan oleh hiasan, tetapi oleh dinding sendiri, yang bergelombang dan oleh unsur cekung dan cembung, termasuk menara bujur dan balkon yang dimasukkan ke dalam lengkungan cekung. Bahagian dalamannya sama revolusioner; ruang utama gereja adalah bujur, di bawah kubah bujur.[29]

Siling yang dilukis, penuh sesak dengan malaikat dan orang suci dan trompe-l'œil kesan seni bina, merupakan ciri penting Baroque Tinggi Itali. Kerja-kerja utama termasuk Kemasukan Saint Ignace ke Syurga oleh Andrea Pozzo (1685–1695) di Gereja Saint Ignatius di Rom, dan Kemenangan nama Yesus oleh Giovanni Battista Gaulli di dalam Gereja Gesù di Rom (1669–1683), yang menampilkan tokoh-tokoh yang keluar dari bingkai gambar dan pencahayaan serong dramatik dan kontras terang-gelap.[30]Gaya menyebar dengan cepat dari Rom ke wilayah lain di Itali: Muncul di Venice di gereja Salute Santa Maria della (1631–1687) oleh Baldassare Longhena, bentuk segi delapan yang sangat asli yang dimahkotai dengan kubah yang sangat besar. Itu juga muncul di Turin, terutama di Kapel Kafan Suci (1668–1694) oleh Guarino Guarini. Gaya juga mula digunakan di istana; Guarini merancang Palazzo Carignano di Turin, sementara Longhena merancang Ca 'Rezzonico pada Terusan Besar, (1657), selesai oleh Giorgio Massari dengan dihiasi dengan lukisan oleh Giovanni Battista Tiepolo.[31] Satu siri gempa bumi besar di Sisilia memerlukan pembinaan semula sebahagian besar dari mereka dan beberapa dibina dalam gaya Baroque atau Rococo lewat yang menggembirakan.

Barok Sepanyol

Menara Katedral Santiago de Compostela oleh Fernando de Casas Novoa (1680 (menara tengah) dan 1738–1750)

Gereja Katolik di Sepanyol, dan terutama orang Yesuit, menjadi pendorong seni bina Barok Sepanyol. Karya utama pertama dalam gaya ini adalah San Isidro Chapel di Madrid, bermula pada tahun 1643 oleh Pedro de la Torre. Ini membezakan kekayaan hiasan yang luar biasa di bahagian luar dengan kesederhanaan di bahagian dalam, dibahagikan kepada beberapa ruang dan menggunakan kesan cahaya untuk mewujudkan rasa misteri.[32] Katedral di Santiago de Compostela dimodenkan dengan serangkaian penambahan Baroque yang bermula pada akhir abad ke-17, bermula dengan menara loceng yang sangat hiasan (1680), kemudian diapit oleh dua menara yang lebih tinggi dan lebih hiasan, yang disebut Obradorio, ditambah antara 1738 dan 1750 menjelang Fernando de Casas Novoa. Landmark lain dari Baroque Sepanyol adalah menara kapel di Istana San Telmo dalam Seville oleh Leonardo de Figueroa.[33]

The Istana San Telmo dari Seville (1682)

Granada baru sahaja dibebaskan dari orang Moor pada abad ke-15, dan mempunyai pelbagai jenis Baroque yang tersendiri. Pelukis, pengukir dan arkitek Alonso Cano merancang bahagian dalaman Baroque di Katedral Granada antara tahun 1652 dan kematiannya pada tahun 1657. Ia menampilkan perbezaan dramatik dari tiang putih besar dan hiasan emas.

Senibina Baroque Sepanyol yang paling hiasan dan dihiasi mewah disebut Churrigueresque gaya, dinamakan sempena saudara-saudara Churriguera, yang bekerja terutamanya di Salamanca dan Madrid. Hasil kerja mereka merangkumi bangunan di dataran utama kota, the Datuk Bandar Plaza Salamanca (1729).[33] Gaya Barok yang sangat hiasan ini sangat berpengaruh di banyak gereja dan katedral yang dibina oleh orang Sepanyol di Amerika.

Arkitek baroque Sepanyol terkenal Baroque yang lain termasuk Pedro de Ribera, seorang murid Churriguera, yang merancang Rumah Sakit Diraja San Fernando di Madrid, dan Narciso Tomé, yang merancang yang diraikan El Transparente altarpiece di Katedral Toledo (1729–32) yang memberikan ilusi, dalam cahaya tertentu, mengambang ke atas.[33]

Arkitek Barok Sepanyol mempunyai kesan yang jauh di luar Sepanyol; pekerjaan mereka sangat berpengaruh di gereja-gereja yang dibina di jajahan Sepanyol di Amerika Latin dan Filipina. Gereja yang dibina oleh Jesuit untuk sebuah kolej di Tepotzotlán, dengan fasad dan menara Baroque yang indah, adalah contoh yang baik.[34]

Eropah Tengah dan Rococo (1740 -1770-an)

Quadratura; kubah dicat oleh Andrea Pozzo untuk Gereja Jesuit, Vienna, memberikan ilusi melihat ke atas tokoh-tokoh surgawi di sekitar kubah yang tidak ada (1703)

Dari 1680 hingga 1750, banyak katedral, biara, dan gereja ziarah yang sangat indah dibina di Eropah Tengah, di Bavaria, Austria, Bohemia dan barat daya Poland. Ada yang masuk Rococo gaya, gaya yang berbeza, lebih flamboyan dan asimetri yang muncul dari Barok, kemudian menggantikannya di Eropah Tengah pada separuh pertama abad ke-18, sehingga digantikan oleh klasik.[35]

Para putera dari banyak negeri di wilayah itu juga memilih Baroque atau Rococo untuk istana dan kediaman mereka, dan sering menggunakan arkitek terlatih Itali untuk membangunnya.[36] Arkitek terkenal termasuk Johann Fischer von Erlach, Lukas von Hildebrandt dan Dominikus Zimmermann di Bavaria, Balthasar Neumann dalam Bruhl, dan Matthäus Daniel Pöppelmann di Dresden. Di Prusia, Frederic II dari Prusia diilhamkan Grand Trianon daripada Istana Versailles, dan menggunakannya sebagai model untuk kediaman musim panasnya, Sanssouci, dalam Potsdam, direka untuknya oleh Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff (1745–1747). Satu lagi karya seni bina istana Baroque adalah Zwinger dalam Dresden, bekas orangerie istana Dukes of Saxony pada abad ke-18.

Salah satu contoh terbaik gereja rococo adalah Basilika Vierzehnheiligen, atau Basilika Empat Belas Pembantu Suci, sebuah gereja ziarah yang terletak berhampiran bandar Staffelstein Buruk berhampiran Bamberg, di Bavaria, Jerman selatan. Basilica dirancang oleh Balthasar Neumann dan dibangun antara tahun 1743 dan 1772, rencananya adalah rangkaian lingkaran yang saling berkaitan di sekitar bujur tengah dengan mezbah yang ditempatkan di pusat gereja yang tepat. Bahagian dalam gereja ini menggambarkan puncak hiasan Rococo.[37]Contoh gaya lain yang terkenal ialah Pilgrimage Church of Wies (Bahasa Jerman: Wieskirche). Ia dirancang oleh saudara-saudara J. B. dan Dominikus Zimmermann. Ia terletak di kaki bukit Alps, di kawasan perbandaran Steingaden di dalam Weilheim-Schongau daerah, Bavaria, Jerman. Pembinaan berlaku antara tahun 1745 dan 1754, dan bahagian dalamannya dihiasi dengan lukisan dinding dan stuko dalam tradisi Sekolah Wessobrunner. Ia kini menjadi Tapak Warisan Dunia UNESCO.

Contoh lain yang terkenal ialah Gereja St. Nicholas (Malá Strana) di Prague (1704–55), dibina oleh Christoph Dientzenhofer dan anaknya Kilian Ignaz Dientzenhofer. Hiasan merangkumi semua dinding dalaman gereja. Altar diletakkan di bahagian bawah kubah pusat, dan dikelilingi oleh kapel, Cahaya turun dari kubah di atas dan dari kapel di sekitarnya. Altar dikelilingi sepenuhnya oleh lengkungan, tiang, langsir melengkung dan tiang batu berwarna, yang dihiasi dengan kaya dengan patung, mewujudkan kekeliruan antara seni bina dan hiasan yang sebenarnya. Seni bina diubah menjadi teater cahaya, warna dan pergerakan.[25]

Di Poland, yang diilhamkan oleh Itali Barok Poland berlangsung dari awal 17 hingga pertengahan abad ke-18 dan menekankan kekayaan perincian dan warna. Bangunan Baroque pertama di Poland masa kini dan mungkin salah satu yang paling dikenali adalah Gereja St Peter dan Paul dalam Kraków, direka oleh Giovanni Battista Trevano. Lajur Sigismund dalam Warsaw, didirikan pada tahun 1644, adalah monumen Baroque sekular pertama di dunia yang dibina dalam bentuk tiang.[38] Gaya kediaman istana dicontohkan oleh Istana Wilanów, dibina antara 1677 dan 1696.[39] Arkitek Barok terkenal yang aktif di Poland adalah Orang Belanda Tylman van Gameren dan karya-karyanya yang terkenal termasuk karya Warsaw Gereja St. Kazimierz dan Istana Krasiński, St. Anne di Kraków dan Istana Branicki dalam Bialystok.[40] Walau bagaimanapun, karya Baroque Poland yang paling terkenal adalah Gereja Fara dalam Poznań, dengan perincian oleh Pompeo Ferrari.

Barok Perancis atau Klasikisme

Bahagian hadapan Palais Rohan dari Strasbourg (Perancis) yang menghadap ke sungai

Perancis sebahagian besarnya menentang gaya Barok yang indah di Itali, Sepanyol, Vienna dan seluruh Eropah. Gaya Barok Perancis (sering disebut Klasikisme Besar atau secara sederhana Klasikisme di Perancis) berkait rapat dengan karya yang dibina untuk Louis XIV dan Louis XV; ia mempunyai susunan dan ukuran geometri lebih banyak daripada Baroque, dan hiasan yang kurang rumit di bahagian depan dan bahagian dalam. Louis XIV mengundang tuan Baroque, Bernini, untuk menyerahkan reka bentuk untuk sayap baru Louvre, tetapi menolaknya untuk memilih reka bentuk yang lebih klasik oleh Claude Perrault dan Louis Le Vau.[41]

Istana Versailles (dimulakan oleh Louis Le Vau pada tahun 1661)

Arkitek utama gaya termasuk François Mansart (Chateau de Balleroy, 1626–1636), Pierre Le Muet (Gereja Val-de-Grace, 1645–1665), Louis Le Vau (Vaux-le-Vicomte, 1657–1661) dan terutamanya Jules Hardouin Mansart dan Robert de Cotte, yang karyanya termasuk Galerie des Glaces dan juga Grand Trianon di Versailles (1687–1688). Mansart juga bertanggungjawab untuk klasik klasik Baroque Letakkan Vendôme (1686–1699).[42]

Projek kerajaan utama pada masa itu adalah pengembangan Istana Versailles, dimulakan pada tahun 1661 oleh Le Vau dengan hiasan oleh pelukis Charles Le Brun. Taman-taman itu dirancang oleh André Le Nôtre khusus untuk melengkapkan dan memperkukuhkan seni bina. Galerie des Glaces (Hall of Mirrors), bahagian tengah château, dengan lukisan oleh Le Brun, dibina antara 1678 dan 1686. Mansart menyelesaikan Grand Trianon pada tahun 1687. Kapel, yang dirancang oleh de Cotte, selesai pada tahun 1710. Selepas kematian Louis XIV, Louis XV menambah yang lebih intim Petit Trianon dan teater yang sangat hiasan. Air pancut di kebun dirancang untuk dilihat dari pedalaman, dan menambah kesan dramatik. Istana ini dikagumi dan disalin oleh raja-raja Eropah yang lain, terutamanya Peter yang Hebat dari Rusia, yang mengunjungi Versailles pada awal pemerintahan Louis XV, dan membina versi sendiri di Istana Peterhof berhampiran Saint Petersburg, antara tahun 1705 dan 1725.[43]

Barok Portugis

Kemuliaan Neptunus, Istana Queluz, 1747

Seni bina Barok di Portugal berlangsung sekitar dua abad (akhir abad ketujuh belas dan abad kelapan belas). Pemerintahan dari John V dan Joseph I telah meningkatkan import emas dan berlian, dalam periode yang disebut Royal Absolutism, yang memungkinkan Portugis Barok berkembang.

Seni bina barok di Portugal menikmati situasi istimewa dan garis masa yang berbeza dari seluruh Eropah.

Ini dikondisikan oleh beberapa faktor politik, seni dan ekonomi, yang berasal dari beberapa fasa, dan pelbagai jenis pengaruh luar, menghasilkan perpaduan yang unik,[44] sering disalahpahami oleh mereka yang mencari seni Itali, sebaliknya mencari bentuk dan watak tertentu yang memberikannya varieti Portugis yang unik. Faktor utama lain ialah kewujudan seni bina Jesuit, yang juga disebut "gaya biasa" (Estilo Chão atau Estilo Plano)[45] yang seperti namanya muncul, lebih jelas dan nampak agak keras.

Bangunannya adalah basil satu bilik, kapel utama dalam, kapel lateral (dengan pintu kecil untuk komunikasi), tanpa hiasan dalaman dan luaran, portal dan tingkap yang sangat sederhana. Ini adalah bangunan yang sangat praktikal, yang membolehkannya dibina di seluruh empayar dengan sedikit penyesuaian, dan siap untuk dihiasi kemudian atau ketika sumber ekonomi tersedia.

Sebenarnya, Baroque Portugis pertama tidak kekurangan bangunan kerana "gaya biasa" mudah diubah, dengan cara hiasan (lukisan, jubin, dan lain-lain), menjadikan kawasan kosong menjadi senario barok yang sombong dan rumit. Perkara yang sama dapat digunakan pada bahagian luar. Selepas itu, mudah untuk menyesuaikan bangunan dengan citarasa masa dan tempat dan menambah ciri dan perincian baru. Praktikal dan ekonomi.

Dengan lebih banyak penduduk dan sumber ekonomi yang lebih baik, utara, terutamanya kawasan Porto dan Braga,[46][47][48] menyaksikan pembaharuan seni bina, yang dapat dilihat dalam senarai besar gereja, biara dan istana yang dibina oleh golongan bangsawan.

Porto adalah bandar Baroque di Portugal. Pusat bersejarahnya adalah sebahagian daripada UNESCO Senarai Warisan Dunia.[49]

Banyak karya Baroque di kawasan bersejarah bandar dan sekitarnya, adalah milik Nicolau Nasoni seorang arkitek Itali yang tinggal di Portugal, melukis bangunan asli dengan penempatan pemandangan seperti gereja dan menara Clérigos,[50] logia dari Katedral Porto, gereja Misericórdia, yang Istana São João Novo,[51] yang Istana Freixo,[52] yang Istana Episkopal (Portugis: Paço Episcopal do Porto)[53] bersama dengan yang lain.

Barok Rusia

Bahagian depan barat Istana Catherine (1752–1756) oleh Bartolomeo Rastrelli

Debut Baroque Rusia, atau Petrine Baroque, diikuti lawatan panjang ke Peter yang Hebat ke Eropah barat pada tahun 1697–98, di mana dia mengunjungi Chateaux of Fontainebleu dan Versailles serta monumen seni bina yang lain. Dia memutuskan, sekembalinya ke Rusia, untuk membina monumen serupa di St Petersburg, yang menjadi ibu kota baru Rusia pada tahun 1712. Monumen-monumen utama awal di Petrine Baroque merangkumi Katedral Peter dan Paul dan Istana Menshikov.

Semasa pemerintahan Permaisuri Anna dan Elizaveta Petrovna, Seni bina Rusia dikuasai oleh gaya Baroque berketurunan Itali yang mewah Bartolomeo Rastrelli, yang berkembang menjadi Elizabethan Baroque. Bangunan khas Rastrelli merangkumi Istana Musim Sejuk, Istana Catherine dan juga Katedral Smolny. Monumen khas lain dari Elizabeth Baroque adalah menara loceng Troitse-Sergiyeva Lavra dan juga Pintu Merah.[54]

Dalam Moscow, Naryshkin Baroque menjadi meluas, terutamanya dalam seni bina Ortodoks Timur gereja pada akhir abad ke-17. Itu adalah gabungan Baroque Eropah Barat dengan tradisional Orang Rusia gaya rakyat.

Barok di Amerika Kolonial Sepanyol dan Portugis

Bahagian hadapan Gereja Jesuit dari Arequipa (Peru), 1698–1699. Ketinggian fasad diawasi oleh arkitek Sepanyol Diego de Adrián tetapi, seperti hampir semua monumen Andean Hybrid Baroque, hiasan itu diukir oleh pemahat dan tukang batu Amerika Asli yang beroperasi dengan kebebasan yang mengejutkan dalam pilihan citra mereka[55]

Oleh kerana penjajahan Amerika oleh negara-negara Eropah, Baroque secara semula jadi berpindah ke Dunia baru, mencari jalan yang sangat menguntungkan di wilayah-wilayah yang dikuasai oleh Sepanyol dan Portugal, kedua-dua negara itu menjadi pusat pemerintahan Katolik yang berpusat dan tidak dapat direduksi, dengan tambahan tunduk kepada Rom dan penganut Barok Pembaharu-reformis paling tipikal. Artis Eropah berhijrah ke Amerika dan membuat sekolah, dan seiring dengan penembusan yang meluas di Mubaligh Katolik, ramai di antaranya adalah seniman yang mahir, mencipta Baroque seragam yang sering dipengaruhi oleh rasa popular. The Criollo dan Tidak tentu arah pengrajin banyak memberikan ciri unik Baroque ini. Pusat-pusat utama penanaman Barok Amerika, yang masih berdiri, adalah (mengikut urutan ini) Mexico, Brazil, Peru, Ecuador, Cuba, Colombia, Bolivia, Guatemala dan Puerto Rico.

Yang perlu diperhatikan adalah apa yang disebut "Missionary Baroque", yang dikembangkan dalam rangka pengurangan bahasa Sepanyol di kawasan yang meluas dari Mexico dan bahagian barat daya Amerika Syarikat sekarang hingga ke selatan seperti Argentina dan Chile, penempatan orang asli yang dianjurkan oleh Katolik Sepanyol mubaligh untuk mengubah mereka menjadi kepercayaan Kristian dan mengakulturasi mereka dalam kehidupan Barat, membentuk barok hibrid yang dipengaruhi oleh budaya Orang Asli, di mana berkembang Criollos dan banyak pengrajin dan pemuzik India, walaupun celik, beberapa kemampuan dan bakat mereka sendiri. Catatan pendakwah sering mengulangi bahawa seni Barat, terutama muzik, mempunyai kesan hipnotis pada para pejuang hutan, dan gambar orang suci dipandang memiliki kekuatan besar. Banyak orang India bertobat, dan bentuk pengabdian baru diciptakan, dengan keghairahan penuh semangat, sarat dengan mistisisme, takhayul, dan teater, yang menggembirakan massa perayaan, konsert suci, dan misteri.[56][57]

Seni bina Kolonial Barok di Amerika Sepanyol dicirikan oleh hiasan yang berlimpah (portal Gereja La Profesa, Bandar Mexico; fasad ditutup dengan Gaya puebla azulejos, seperti dalam Gereja San Francisco Acatepec dalam San Andrés Cholula dan Gereja Convent San Francisco daripada Puebla), yang akan diperburuk dalam apa yang disebut Gaya Churrigueresque (Fasad Kemah Suci Katedral Mexico City, oleh Lorenzo Rodríguez; Gereja San Francisco Javier, Tepotzotlán; Gereja Santa Prisca daripada Taxco). Dalam Peru, pembinaannya banyak dibangunkan di bandar-bandar di Lima, Cusco, Arequipa dan Trujillo sejak 1650 menunjukkan ciri-ciri asli yang maju bahkan ke Eropah Baroque, seperti dalam penggunaan dinding berlindung dan lajur solomonik (Gereja la Compañía de Jesús, Cusco; Basilika dan Biara San Francisco, Lima).[58] Negara-negara lain termasuk: Katedral Metropolitan Sucre dalam Bolivia; Basilika Katedral Esquipulas dalam Guatemala; Katedral Tegucigalpa dalam Honduras; Katedral León dalam Nicaragua; yang Gereja la Compañía de Jesús dalam Quito, Ecuador; yang Gereja San Ignacio dalam Bogotá, Colombia; yang Katedral Caracas dalam Venezuela; yang Cabildo dari Buenos Aires dalam Argentina; yang Gereja Santo Domingo dalam Santiago, Cili; dan Katedral Havana dalam Cuba. Perlu juga diingat kualiti gereja-gereja di Misi Jesuit Sepanyol di Bolivia, Misi Jesuit Sepanyol di Paraguay, Misi Sepanyol di Mexico dan juga Misi Franciscan Sepanyol di California.[59]

Dalam Brazil, seperti di metropolis, Portugal, seni bina mempunyai tertentu Pengaruh Itali, biasanya dari a Borrominesque taip, seperti yang dapat dilihat di Katedral Bersama Recife (1784) dan Gereja Nossa Senhora da Glória do Outeiro dalam Rio de Janeiro (1739). Di wilayah Minas Gerais, mengetengahkan karya Aleijadinho, pengarang sekumpulan gereja yang menonjol dengan planimetri melengkungnya, fasad dengan kesan dinamik cekung-cembung dan perlakuan plastik semua elemen seni bina (Gereja São Francisco de Assis dalam Ouro Preto, 1765–1788).

Barok di Asia Kolonial Sepanyol dan Portugis

Di tanah jajahan Portugis di India (Goa, Daman dan Diu) gaya seni bina bentuk Barok bercampur dengan unsur-unsur Hindu berkembang, seperti Katedral Goa dan juga Basilika Bom Jesus dari Goa, yang menempatkan makam St. Francis Xavier. Kumpulan gereja dan biara Goa diisytiharkan a Tapak warisan dunia pada tahun 1986.

Di dalam Filipina, yang merupakan sebahagian dari Kerajaan Sepanyol untuk waktu yang lama, sebilangan besar pembinaan Barok dipelihara, termasuk Gereja Barok Filipina empat daripadanya, dan bandar Barok dan Neoklasik Vigan, kedua-duanya UNESCO Tapak warisan dunia. Ia juga sangat luar biasa Kota Manila yang berdinding (Intramuros). Bandar lain dengan Baroque era Sepanyol yang terkenal Tayabas.

Mengecat

Pengambilan Kristus; oleh Caravaggio; sekitar 1602-1604; minyak pada kanvas; 3 × 2 m; Pinacoteca Vaticana (Bandar Vatican)

Pelukis Barok bekerja dengan sengaja untuk memisahkan diri dari pelukis Zaman Renaissance dan Mannerism selepasnya. Di dalam palet mereka, mereka menggunakan warna yang kuat dan hangat, dan terutama menggunakan warna primer merah, biru dan kuning, sering meletakkan ketiga-tiganya berdekatan.[66] Mereka menghindari pencahayaan lukisan Renaissance yang merata dan menggunakan kontras cahaya dan kegelapan yang kuat pada bahagian-bahagian tertentu gambar untuk mengarahkan perhatian pada tindakan atau gambar pusat. Dalam komposisi mereka, mereka menghindari pemandangan yang tenang dari lukisan Renaissance, dan memilih saat-saat pergerakan dan drama terhebat. Tidak seperti wajah-wajah lukisan Renaissance yang tenang, wajah-wajah dalam lukisan Baroque jelas meluahkan emosi mereka. Mereka sering menggunakan asimetri, dengan tindakan yang terjadi jauh dari tengah gambar, dan membuat sumbu yang tidak menegak atau mendatar, tetapi condong ke kiri atau kanan, memberikan rasa ketidakstabilan dan pergerakan. Mereka meningkatkan kesan pergerakan ini dengan mengenakan kostum orang-orang yang ditiup angin, atau digerakkan oleh gerakan mereka sendiri. Kesan keseluruhan adalah pergerakan, emosi dan drama.[67] Elemen penting lain dari lukisan barok adalah kiasan; setiap lukisan menceritakan sebuah kisah dan mempunyai mesej, sering dienkripsi dengan simbol dan watak kiasan, yang diharapkan dapat diketahui dan dibaca oleh penonton yang berpendidikan.[68]

Las Meninas; oleh Diego Velázquez; 1656–1657; minyak pada kanvas; 318 cm × 276 cm; Museo del Prado (Madrid, Sepanyol)

Bukti awal idea Barok Itali dalam lukisan berlaku di Bologna, di mana Annibale Carracci, Agostino Carracci dan Ludovico Carracci berusaha mengembalikan seni visual ke Classicism of the Renaissance yang teratur. Walau bagaimanapun, seni mereka juga menggabungkan idea-idea yang menjadi pusat Reformasi Counter; ini termasuk emosi dan citra keagamaan yang lebih menarik bagi hati daripada akal.[69]

Pelukis lain yang berpengaruh pada zaman Baroque adalah Michelangelo Merisi da Caravaggio. Pendekatannya yang realistik terhadap sosok manusia, dilukis secara langsung dari kehidupan dan secara terang-terangan menyoroti latar belakang gelap, mengejutkan sezamannya dan membuka bab baru dalam sejarah lukisan. Pelukis utama lain yang berkait rapat dengan gaya Barok termasuk Artemisia Gentileschi, Guido Reni, Domenichino, Andrea Pozzo, dan Paolo de Matteis di Itali; Francisco de Zurbarán dan Diego Velázquez di Sepanyol; Adam Elsheimer di German; dan Nicolas Poussin dan Pelancongan Georges de La di Perancis (walaupun Poussin menghabiskan sebahagian besar masa kerjanya di Itali). Poussin dan La Tour mengadopsi gaya Barok "klasik" dengan kurang fokus pada emosi dan perhatian yang lebih besar pada garis tokoh dalam lukisan daripada warna.

Tandas Venus; oleh François Boucher; 1751; minyak pada kanvas; 108 × 85 cm; Muzium Seni Metropolitan (Bandar New York)

Peter Paul Rubens adalah pelukis terpenting dari Flemish Baroque gaya. Komposisi Rubens yang sangat bermutu merujuk kepada aspek sejarah klasik dan Kristian. Gaya Baroquenya yang unik dan sangat terkenal menekankan pergerakan, warna, dan sensual, yang mengikuti gaya seni segera yang dramatik yang dipromosikan di Pembalikan Reformasi. Rubens khusus dalam pembuatan altarpieces, potret, landskap, dan lukisan sejarah subjek mitologi dan kiasan.

Salah satu domain penting lukisan Baroque adalah Quadratura, atau lukisan di trompe-l'oeil, yang secara harfiah "memperbodohkan mata". Ini biasanya dilukis pada plesteran langit-langit atau dinding atas dan langkan, dan memberi kesan kepada mereka yang berada di atas tanah melihat ke atas bahawa mereka melihat langit dipenuhi dengan kerumunan malaikat, orang suci dan tokoh-tokoh surgawi lainnya, yang bertentangan dengan langit yang dicat dan seni bina khayalan.[35]

Di Itali, seniman sering bekerjasama dengan arkitek pada hiasan dalaman; Pietro da Cortona adalah salah seorang pelukis abad ke-17 yang menggunakan cara melukis ilusi ini. Antara komisen terpentingnya adalah lukisan dinding yang dilukisnya untuk Istana keluarga Barberini (1633–39), untuk memuliakan pemerintahan Paus Bandar VIII. Komposisi Pietro da Cortona adalah lukisan dinding hiasan terbesar yang dilaksanakan di Rom sejak karya Michelangelo di Kapel Sistine.[70]

François Boucher adalah tokoh penting dalam gaya Rococo Perancis yang lebih halus, yang muncul pada zaman akhir Baroque. Dia merancang permadani, permaidani dan hiasan teater serta lukisan. Karya beliau sangat digemari ramai Puan Pompadour, Puan Raja Louis XV. Lukisannya menampilkan tema romantik mitos, dan erotik.[71]

Amerika Sepanyol

Contoh lukisan Bolivia (dari Sekolah Cusco): sebuah Malaikat Arquebusier; oleh Sarjana Calamarca; kurun ke 17

Di Amerika Sepanyol, pengaruh pertama adalah dari Sevillan Tenebrisme, terutamanya dari Zurbarán - ada yang karya-karyanya masih disimpan Mexico dan Peru- seperti yang dapat dilihat dalam karya orang Mexico José Juárez dan Sebastián López de Arteaga, dan orang Bolivia Melchor Pérez de Holguín. The Sekolah lukisan Cusco timbul setelah kedatangan pelukis Itali Bernardo Bitti pada tahun 1583, yang memperkenalkan Mannerisme di Amerika. Ia mengetengahkan karya Luis de Riaño, murid dari Itali Angelino Medoro, pengarang mural dari Gereja San Pedro daripada Andahuaylillas. Ia juga menyoroti orang India (Quechua) pelukis Diego Quispe Tito dan Basilio Santa Cruz Pumacallao, begitu juga Marcos Zapata, pengarang lima puluh kanvas besar yang menutupi lengkungan tinggi Katedral Cusco. Dalam Ecuador, Sekolah Quito dibentuk, terutama diwakili oleh mestizo Miguel de Santiago dan juga criollo Nicolás Javier de Goríbar.

Pada abad ke-18 altarpieces arca mula diganti dengan lukisan, mengembangkan terutamanya lukisan Baroque di Amerika. Begitu juga, permintaan untuk pekerjaan awam, terutama potret kelas bangsawan dan hierarki gerejawi, meningkat. Pengaruh utama adalah Murillesque, dan dalam beberapa kes - seperti dalam criollo Cristóbal de Villalpando - itu dari Valdés Leal. Lukisan era ini mempunyai nada yang lebih sentimental, dengan bentuk yang manis dan lebih lembut. Ia menyerlahkan Gregorio Vásquez de Arce dalam Colombia, dan Juan Rodríguez Juárez dan Miguel Cabrera dalam Mexico.

Arca

The Payudara Louis XIV; oleh Gian Lorenzo Bernini; 1665; guli; 105 × 99 × 46 cm; Istana Versailles

Tokoh yang dominan dalam arca barok adalah Gian Lorenzo Bernini. Di bawah naungan Paus Bandar VIII, dia membuat rangkaian patung monumental yang luar biasa dari para kudus dan tokoh-tokoh yang wajah dan gerak tubuh mereka dengan jelas menyatakan emosi mereka, serta patung-patung dari realisme yang luar biasa, dan karya-karya yang sangat hiasan untuk Vatikan, termasuk yang mengagumkan Pengerusi St Peter di bawah kubah di Basilika St. Petrus. Di samping itu, ia merancang air pancut dengan kumpulan patung monumental untuk menghiasi dataran utama Rom.[74]

Arca Baroque diilhamkan oleh patung Rom kuno, terutama oleh patung terkenal dari Laocoön dari abad pertama Masihi, yang dipamerkan di galeri Vatikan. Ketika dia mengunjungi Paris pada tahun 1665, Bernini mengarahkan para pelajar di Akademi lukisan dan patung. Dia menasihati para pelajar untuk bekerja dari model klasik, bukan dari alam semula jadi. Dia memberitahu para pelajar, "Ketika saya menghadapi masalah dengan patung pertama saya, saya berjumpa dengan Antinous seperti oracle. "[75]

Pengukir barok Perancis yang terkenal juga termasuk Étienne Maurice Falconet dan Jean Baptiste Pigalle. Pigalle ditugaskan oleh Frederick the Great untuk membuat patung untuk versi Versailles Frederick sendiri di Sanssouci dalam Potsdam, Jerman. Falconet juga menerima komisen asing yang penting, mencipta patung terkenal Peter yang Hebat dengan menunggang kuda yang terdapat di St Petersburg.

Di Sepanyol, pengukir Francisco Salzillo bekerja secara eksklusif pada tema keagamaan, menggunakan kayu polychromed. Sebilangan seni pertukangan barok terbaik dijumpai di altar stuko gereja dari jajahan Sepanyol di Dunia Baru, yang dibuat oleh tukang tempatan; contohnya merangkumi Kapel Rosary Gereja Santo Domingo di Oaxaca (Mexico), 1724–1731.

Perabot

Meja Baroque berlapis emas yang indah, dengan bahagian atas batu (kemungkinan besar marmar), dari Muzium Cinquantenaire (Bruxelles, Belgium)

Motif utama yang digunakan adalah: tanduk banyak, hari raya, malaikat bayi, kepala singa memegang cincin logam di mulut mereka, betina muka dikelilingi oleh kalungan, bujur kartun, daun acanthus, klasik lajur, karyatid, pedimen dan unsur-unsur lain dari Senibina klasik terpahat pada beberapa bahagian perabot,[76] bakul dengan buah atau bunga, cengkerang, baju besi dan trofi, kepala Apollo atau Bacchus, dan berbentuk C voltan.[77]

Selama periode pertama pemerintahan Louis XIV, perabot mengikuti gaya Louis XIII sebelumnya, dan dihiasi dengan besar, dan dihiasi dengan ukiran dan ukiran. Selepas tahun 1680, terima kasih sebahagian besarnya kepada pereka perabot André Charles Boulle, gaya yang lebih asli dan halus muncul, kadang-kadang dikenali sebagai Kerja Boulle. Ia didasarkan pada penggunaan kayu hitam dan kayu langka lain, teknik yang pertama kali digunakan di Florence pada abad ke-15, yang diperhalusi dan dikembangkan oleh Boulle dan yang lain bekerja untuk Louis XIV. Perabot dilapisi dengan plak kayu hitam, tembaga, dan eksotik dengan pelbagai warna.[78]

Jenis perabot baru dan kerap bertahan muncul; yang komoditi, dengan dua hingga empat laci, diganti yang lama kopre, atau dada. The kanape, atau sofa, muncul, dalam bentuk gabungan dua atau tiga kerusi berlengan. Kerusi berlengan baru muncul, termasuk fauteuil en confessionale atau "Kerusi pengakuan", yang mempunyai ion bantal empuk di kedua sisi belakang kerusi. Meja konsol juga membuat penampilan pertama; ia dirancang untuk diletakkan di dinding. Jenis perabot baru yang lain ialah meja à gibier, meja bertingkat marmar untuk memegang pinggan. Jenis awal meja muncul; yang Meja Mazarin mempunyai bahagian tengah yang dipasang kembali, diletakkan di antara dua lajur laci, dengan empat kaki di setiap lajur.[79]

Muzik dan balet

Antonio Vivaldi, (1678–1741)

Istilah Barok juga digunakan untuk menentukan gaya muzik yang disusun dalam jangka masa yang bertindih dengan seni Baroque. Penggunaan pertama istilah 'baroque' untuk muzik adalah kritikan. Dalam tinjauan tanpa nama, satira mengenai tayangan perdana pada Oktober 1733 Rameau Hippolyte et Aricie, dicetak di Mercure de France pada bulan Mei 1734, pengkritik menyiratkan bahawa kebaruan opera ini adalah "du barocque," yang mengeluh bahawa muziknya tidak mempunyai melodi yang koheren, dipenuhi dengan ketidakselesaan yang tidak henti-hentinya, terus berubah kunci dan meter, dan dengan pantas melintasi setiap alat komposisi.[82] Jean-Jacques Rousseau, yang merupakan pemuzik dan komposer terkenal serta ahli falsafah, membuat pemerhatian yang sangat serupa pada tahun 1768 di terkenal Ensiklopedia daripada Denis Diderot: "Muzik Baroque adalah muzik di mana harmoni keliru, dan sarat dengan modulasi dan ketidakcocokan.Nyanyiannya keras dan tidak wajar, intonasinya sukar, dan pergerakannya terhad. Nampaknya istilah itu berasal dari perkataan 'baroco' yang digunakan oleh ahli logik. "[15]

Penggunaan istilah umum untuk muzik pada zaman itu bermula hanya pada tahun 1919, oleh Curt Sachs,[83] dan baru pada tahun 1940 ia pertama kali digunakan dalam bahasa Inggeris dalam artikel yang diterbitkan oleh Manfred Bukofzer.[82]

Louis XIV dalam kostum sebagai Apollo untuk Ballet Royal de la Nuit (1653)

Barok itu adalah zaman eksperimen dan inovasi muzik. Bentuk baru diciptakan, termasuk konsert dan sinfonia. Opera dilahirkan di Itali pada akhir abad ke-16 (dengan Jacopo Perikebanyakannya hilang Dafne, dihasilkan di Florence pada tahun 1598) dan tidak lama kemudian tersebar ke seluruh Eropah: Louis XIV mencipta Royal Academy of Music yang pertama, pada tahun 1669, penyair Pierre Perrin membuka sebuah akademi opera di Paris, teater opera pertama di Perancis yang dibuka untuk umum, dan tayangan perdana Pomone, opera besar pertama dalam bahasa Perancis, dengan muzik oleh Robert Cambert, dengan lima aksi, mesin pentas yang rumit, dan balet.[84] Heinrich Schütz di German, Jean-Baptiste Lully di Perancis, dan Henry Purcell di England semua membantu memantapkan tradisi kebangsaan mereka pada abad ke-17.

Balet klasik juga berasal dari era Baroque. Gaya tarian gelanggang dibawa ke Perancis oleh Marie de Medici, dan pada awalnya anggota gelanggang itu sendiri adalah para penari. Louis XIV dia membuat persembahan di khalayak ramai dalam beberapa balet. Pada bulan Mac 1662, Académie Royale de Danse, diasaskan oleh Raja. Ini adalah sekolah dan syarikat tarian profesional pertama, dan menetapkan standard dan perbendaharaan kata untuk balet di seluruh Eropah dalam tempoh tersebut.[84]

Beberapa instrumen baru, termasuk piano, diperkenalkan dalam tempoh ini. Penemuan piano dikreditkan kepada Bartolomeo Cristofori (1655-1731) dari Padua, Itali, yang diambil bekerja oleh Ferdinando de 'Medici, Putera Besar Tuscany, sebagai Penyimpan Instrumen.[85][86] Cristofori menamakan alat tersebut un cimbalo di cipresso di piano e forte ("papan kekunci dari cemara dengan lembut dan keras "), disingkat dari masa ke masa sebagai pianoforte, fortepiano, dan kemudian, hanya, piano.[87]

Penyusun dan contoh

Teater

Set reka bentuk untuk Andromedé oleh Pierre Corneille, (1650)
Reka bentuk untuk set teater yang dibuat oleh Giacomo Torelli untuk balet Les Noces de Thétis, dari Décorations et mesin aprestées aux nopces de Tétis, Ballet Royal

Zaman Baroque adalah zaman keemasan untuk teater di Perancis dan Sepanyol; sandiwara termasuk Corneille, Racine dan Moliere di Perancis; dan Lope de Vega dan Pedro Calderón de la Barca Sepanyol.

Semasa zaman Baroque, seni dan gaya teater berkembang pesat, seiring dengan perkembangan opera dan balet. Reka bentuk teater yang lebih baru dan lebih besar, penemuan penggunaan mesin yang lebih terperinci, penggunaan yang lebih luas lengkungan proscenium, yang membingkai panggung dan menyembunyikan mesin dari penonton, mendorong lebih banyak kesan pemandangan dan pemandangan.[88]

Orang Barok mempunyai watak Katolik dan konservatif di Sepanyol, mengikuti model sastera Itali semasa Zaman Renaissance.[89] Teater Barpanque Hispanik bertujuan untuk kandungan umum dengan realiti ideal yang memperlihatkan tiga sentimen asas: agama Katolik, kebanggaan dan kehormatan monarkis dan kebangsaan yang berasal dari dunia chivalric, knightly.[90]

Dua tempoh dikenali di teater Sepanyol Baroque, dengan pembahagiannya berlaku pada tahun 1630. Tempoh pertama diwakili oleh Lope de Vega, tetapi juga oleh Tirso de Molina, Gaspar Aguilar, Guillén de Castro, Antonio Mira de Amescua, Luis Vélez de Guevara, Juan Ruiz de Alarcón, Diego Jiménez de Enciso, Luis Belmonte Bermúdez, Felipe Godínez, Luis Quiñones de Benavente atau Juan Pérez de Montalbán. Tempoh kedua diwakili oleh Pedro Calderón de la Barca dan rakan dramatis Antonio Hurtado de Mendoza, Álvaro Cubillo de Aragón, Jerónimo de Cáncer, Francisco de Rojas Zorrilla, Juan de Matos Fragoso, Antonio Coello y Ochoa, Agustín Moreto, dan Francisco Bances Candamo.[91] Klasifikasi ini longgar kerana setiap pengarang mempunyai cara tersendiri dan kadang-kadang dapat mematuhi formula yang telah dibuat oleh Lope. Bahkan mungkin "cara" Lope lebih liberal dan tersusun daripada cara Calderon.[92]

Lope de Vega diperkenalkan melalui bukunya Arte nuevo de hacer comedias en este tiempo (1609) yang komedi baru. Dia menetapkan formula dramatik baru yang memecah ketiganya Aristotle kesatuan sekolah puisi Itali (aksi, masa dan tempat) dan kesatuan keempat Aristoteles yang berkaitan dengan gaya, pencampuran unsur-unsur tragis dan komik yang menunjukkan pelbagai jenis ayat dan bait mengenai apa yang dilambangkan.[93] Walaupun Lope mempunyai pengetahuan yang besar tentang seni plastik, dia tidak menggunakannya selama bahagian utama kariernya atau di teater atau pemandangan. Komedi Lope memberikan peranan kedua kepada aspek visual perwakilan teater.[94]

Tirso de Molina, Lope de Vega, dan Calderón adalah penulis drama terpenting di Golden Era Spain. Karya-karya mereka, yang terkenal dengan kecerdasan halus dan pemahaman mendalam tentang kemanusiaan seseorang, dapat dianggap sebagai jambatan antara komedi primitif Lope dan komedi Calderon yang lebih rumit. Tirso de Molina terkenal dengan dua karya, Kecurigaan yang Disabitkan dan The Trickster of Seville, salah satu versi pertama dari Don Juan mitos.[95]

Setibanya di Madrid, Cosimo Lotti dibawa ke mahkamah Sepanyol teknik teater paling maju di Eropah. Teknik dan pengetahuan mekaniknya diterapkan dalam pameran istana yang disebut "Fiestas" dan dalam pameran sungai atau air pancut buatan yang disebut "Naumaquias". Dia bertugas menggayakan Gardens of Buen Retiro, daripada Zarzuela dan daripada Aranjuez dan pembinaan bangunan teater Coliseo del Buen Retiro.[96] Rumusan Lope dimulai dengan ayat yang tidak sesuai dengan landasan teater istana dan kelahiran konsep baru yang memulakan karier beberapa penulis drama seperti Calderón de la Barca. Menandakan inovasi utama Komedi Lopes Baru, gaya Calderón menandakan banyak perbezaan, dengan banyak perhatian dan perhatian konstruktif terhadap struktur dalamannya. Karya Calderón adalah dalam kesempurnaan formal dan bahasa yang sangat lirik dan simbolik. Kebebasan, daya hidup dan keterbukaan Lope memberi langkah kepada refleksi intelektual dan ketepatan formal Calderon. Dalam komedi itu mencerminkan maksud ideologi dan doktrinnya di atas semangat dan aksi, karya Autosramentales mencapai pangkat tinggi.[97] Genre Comedia adalah politik, multi-artistik dan dari segi hibrid. Teks puitis bersatu dengan Medias dan sumber-sumber yang berasal dari seni bina, muzik dan lukisan yang membebaskan penipuan yang terdapat dalam komedi Lopes terdiri dari kurangnya pemandangan dan melibatkan dialog aksi.[98]

Penulis drama Jerman yang paling terkenal adalah Andreas Gryphius, yang menggunakan Jesuit model dari Belanda Joost van den Vondel dan Pierre Corneille. Terdapat juga Johannes Velten yang menggabungkan tradisi pelawak Inggeris dan commedia dell'arte dengan teater klasik Corneille dan Molière. Syarikat pelancongannya mungkin yang paling penting dan penting pada abad ke-17.

Amerika penjajah Sepanyol

Mengikuti evolusi yang ditandai dari Sepanyol, pada akhir abad ke-16, syarikat pelawak, yang pada dasarnya transhumant, mulai profesional. Dengan profesionalisasi muncul peraturan dan penapisan: seperti di Eropah, teater bergegas antara toleransi dan bahkan perlindungan dan penolakan pemerintah (dengan pengecualian) atau penganiayaan oleh Gereja. Teater ini berguna bagi pihak berwajib sebagai alat untuk menyebarkan tingkah laku dan model yang diinginkan, menghormati tatanan sosial dan monarki, sekolah dogma agama.[99]

The corrales ditadbir untuk kepentingan hospital yang berkongsi manfaat perwakilan. Syarikat perjalanan (atau "dari liga"), yang membawa teater di panggung terbuka yang diimprovisasi oleh wilayah yang tidak memiliki penduduk tetap, memerlukan lesen viceregal untuk bekerja, yang harganya atau pinción ditakdirkan untuk sedekah dan bekerja saleh.[99] Bagi syarikat yang bekerja dengan stabil di ibu kota dan bandar utama, salah satu sumber pendapatan utama mereka adalah penyertaan di perayaan Corpus Christi, yang memberi mereka bukan hanya keuntungan ekonomi, tetapi juga pengiktirafan dan prestij sosial. Perwakilan di istana viceregal dan rumah-rumah bangsawan, di mana mereka mewakili kedua-dua komedi repertoar mereka dan produksi khas dengan kesan pencahayaan, pemandangan dan pentas yang hebat, juga merupakan sumber penting bagi pekerjaan yang bergaji tinggi dan berprestij.[99]

Dilahirkan dalam Kesetiaan dari Sepanyol Baru[100] tetapi kemudian menetap di Sepanyol, Juan Ruiz de Alarcón adalah tokoh paling terkenal dalam teater Baroque di New Spain. Walaupun tempat tinggalnya untuk Lope de VegaKomedi baru, "sekularisme yang ditandai", kebijaksanaan dan kekangannya, dan keupayaan yang kuat untuk "penembusan psikologi" sebagai ciri khas Alarcón terhadap orang-orang sezamannya dari Sepanyol telah diperhatikan. Perlu diberi perhatian di antara karya-karyanya La verdad sospechosa, komedi watak yang mencerminkan tujuan moralnya yang berterusan.[99] Pengeluaran dramatik Sor Juana Inés de la Cruz meletakkannya sebagai tokoh kedua teater Baroque Sepanyol-Amerika. Perlu disebut antara karya-karyanya sakramen automatik El divino Narciso dan komedi Los empeños de una casa.

Taman

Parterre of the Orangerie dari Istana Versailles (1684)

The Taman barok, juga dikenali sebagai jardin à la française atau Taman rasmi Perancis, pertama kali muncul di Rom pada abad ke-16, dan kemudian paling terkenal di Perancis pada abad ke-17 di taman-taman di Vaux le Vicomte dan juga Istana Versailles. Taman barok dibina oleh Raja dan pangeran di Jerman, Belanda, Austria, Sepanyol, Poland, Itali dan Rusia hingga pertengahan abad ke-18, ketika mereka mulai dibuat semula oleh yang lebih semula jadi Taman lanskap Inggeris.

Tujuan taman barok adalah untuk menggambarkan kekuatan manusia terhadap alam semula jadi, dan kemuliaan pembangunnya, kebun Barok dibentangkan dalam corak geometri, seperti ruangan sebuah rumah. Mereka biasanya dilihat dari luar dan melihat ke bawah, baik dari istana atau teres. Unsur-unsur taman barok termasuk parterres tempat tidur bunga atau pagar rendah dipangkas menjadi reka bentuk Barok yang berhias, dan lorong lorong dan lorong kerikil yang membelah dan melintasi kebun. Teres, tanjakan, tangga dan lata diletakkan di mana terdapat perbezaan ketinggian, dan menyediakan tempat melihat. Kolam bulat atau persegi panjang atau cekungan air adalah tempat untuk air mancur dan patung. Baju raya atau rerumputan yang dipangkas dengan teliti atau barisan pohon yang serupa, memberikan rupa dinding kehijauan dan menjadi latar belakang patung. Di tepinya, kebun biasanya memiliki paviliun, jeruk dan struktur lain di mana pengunjung dapat berlindung dari sinar matahari atau hujan.[101]

Kebun barok memerlukan banyak tukang kebun, pemangkasan berterusan, dan air yang banyak. Pada akhir zaman Baroque, unsur-unsur formal mulai diganti dengan ciri-ciri semula jadi, termasuk jalan berliku, kebun-kebun dari pohon-pohon bervariasi yang tersisa untuk tumbuh tanpa dipotong; seni bina desa dan struktur yang indah, seperti kuil Rom atau pagoda Cina, serta "taman rahsia" di pinggir taman utama, dipenuhi dengan kehijauan, di mana pengunjung boleh membaca atau berbual dengan tenang. Menjelang pertengahan abad ke-18 kebanyakan kebun Baroque sebahagian atau keseluruhannya berubah menjadi variasi Taman lanskap Inggeris.[101]

Selain Versailles dan Vaux-le-Vicomte, taman-taman barok terkenal masih mengekalkan penampilan asalnya termasuk Istana Diraja Caserta berhampiran Naples; Istana Nymphenburg dan Istana Augustusburg dan Falkenlust, Brühl di German; Istana Het Loo di Belanda; yang Istana Belvedere dalam Vienna; yang Istana Diraja La Granja de San Ildefonso di Sepanyol; dan Istana Peterhof di St. Petersburg, Rusia.[101]

Perbezaan antara Rococo dan Baroque

Berikut adalah ciri-ciri yang tidak dimiliki Rococo dan Baroque:[penjelasan diperlukan]

  • Pengabaian sebahagian dari simetri, semuanya terdiri daripada garis dan lengkung yang anggun, serupa dengan Art Nouveau yang
  • Sebilangan besar lengkung tidak simetri dan berbentuk C voltan
  • Penggunaan bunga yang sangat luas dalam hiasan, contohnya hari raya diperbuat daripada bunga
  • Motif Cina dan Jepun
  • Warna pastel yang hangat[102] (keputihan-kuning, berwarna krim, kelabu mutiara, biru terang)[103]

Akhir gaya, kecaman dan penemuan semula akademik

Madame de Pompadour, perempuan simpanan Louis XV, menyumbang kepada penurunan gaya barok dan rococo. Pada tahun 1750 dia menghantar anak saudaranya, Abel-François Poisson de Vandières, dalam misi dua tahun untuk mengkaji perkembangan artistik dan arkeologi di Itali. Dia ditemani oleh beberapa artis, termasuk pengukir Nicolas Cochin dan arkitek Soufflot. Mereka kembali ke Paris dengan minat untuk seni klasik. Vandiéres menjadi Marquis of Marigny, dan dinobatkan sebagai Pengarah Diraja bangunan pada tahun 1754. Dia mengubah seni bina Perancis rasmi menjadi neoklasik. Cochin menjadi pengkritik seni yang penting; dia mengecam gaya kecil Boucher, dan menyerukan gaya agung dengan penekanan baru pada zaman kuno dan bangsawan di akademi lukisan seni bina.[104]

Ahli sejarah dan arkeologi seni pelopor Jerman Johann Joachim Winckelmann juga mengutuk gaya barok, dan memuji nilai seni dan seni bina klasik yang unggul. Menjelang abad ke-19, Baroque menjadi sasaran ejekan dan kritikan. Pengkritik neoklasik Francesco Milizia menulis: "Borrominini dalam seni bina, Bernini dalam arca, Pietro da Cortona dalam lukisan ... adalah wabak selera, yang menjangkiti sebilangan besar seniman."[105] Pada abad ke-19, kritikan semakin jauh; pengkritik Inggeris John Ruskin menyatakan bahawa arca barok bukan sahaja buruk, tetapi juga merosakkan moral.[105]

Ahli sejarah seni kelahiran Switzerland, Heinrich Wölfflin (1864-1945) memulakan pemulihan perkataan Baroque dalam bukunya Renaissance und Barock (1888); Wölfflin mengenal pasti orang Baroque sebagai "pergerakan yang diimport ke massa", sebuah seni yang bertentangan dengan seni Renaissance. Dia tidak membuat perbezaan antara Mannerism dan Baroque yang dilakukan oleh penulis moden, dan dia mengabaikan fasa kemudian, Baroque akademik yang berlangsung hingga abad ke-18. Seni dan seni bina Barok menjadi bergaya antara dua Perang Dunia, dan sebahagian besarnya tetap disukai. Istilah "Baroque" masih boleh digunakan, biasanya secara pejoratif, menggambarkan karya seni, kerajinan, atau reka bentuk yang dianggap memiliki hiasan atau kerumitan garis yang berlebihan.

Seni Kebangkitan Barok

Contoh perincian Baroque Revival yang sangat indah dari rumah-rumah bandar dari Bucharest (Romania), dari kiri ke kanan dan dari atas ke bawah: tingkap dengan wanita mascaron antara dua hari raya; a rawan di atas tingkap; kartouche-window dengan maskara lelaki; balkoni; stuko di dalam rumah; tetingkap dengan kartouche di bahagian atasnya dengan monogram di dalamnya

Akhir abad ke-19 adalah zaman keemasan untuk kebangkitan semula gaya, termasuk Baroque Revival atau Neo-Baroque.

Selain fungsi praktikal (pelindung), wajah juga mempunyai tujuan estetika dan seni bina. Ini mencerminkan gaya dominan dari era tertentu. Hiasan adalah "hiasan" bangunan yang paling biasa.[106] Hiasan yang digunakan dalam seni bina abad ke-17 dan 18 digunakan semula di bangunan Baroque Revival, termasuk: tanduk banyak, hari raya, malaikat bayi, perempuan atau lelaki tukang batu, bujur kartun, daun acanthus, klasik lajur, karyatid, pedimen dan unsur-unsur lain dari Seni bina Yunani-Rom. Sebilangan besar bangunan kebangkitan Barok mempunyai bumbung mansard, biasanya berwarna biru atau kadang-kadang hitam, dengan bujur atau dormer tingkap. Sebilangan rumahnya gaya ini berbentuk kartouche oculus tingkap, biasanya dengan mascaron di bahagian atas atau bawahnya. Di Perancis dan Romania, banyak pintu masuk mempunyai awning (Bahasa Perancis: Marquise; Bahasa Romania: marchiză), terbuat dari kaca dan logam, biasanya di kerang laut-bentuk. Di kedua daerah ini, terutama di Romania, Neo-Baroque kadang-kadang digabungkan dengan Art Nouveau. Seni Beaux bangunan dari akhir tahun 1890-an dan awal tahun 1900-an adalah contoh seni bina Baroque Revival yang sangat baik. Bangunan Neo-Baroque yang paling terkenal di Paris adalah: the Pavillon de Flore (sebahagian Palais du Louvre), Palais Garnier, Petit Palais, dan juga Palais Besar. Arkitek penting gaya ini termasuk Charles Garnier (1825–1898), Ferdinand Fellner (1847–1917), Helmann Helmer (1849-1919), dan Ion D. Berindey (1871–1928).

Dalam seni hiasan, Baroque Revival biasanya dikenali sebagai Gaya Napoleon III atau gaya Empayar Kedua. Objek dalam gaya ini sangat dihargai pada akhir tahun 1890-an dan awal tahun 1900-an Romania, kebanyakannya dibawa dari Perancis atau Austria. Salah satu pengaruh utama adalah Gaya Louis XVI, atau Neoklasikisme Perancis, yang disukai oleh Permaisuri Eugénie. Bilik-biliknya di Istana Tuileries dan Tempat-tempat lain dihiasi dengan gaya ini. Pengaruh lain termasuk Renaissance Perancis dan Gaya Henry II, yang merupakan pengaruh popular pada peti dan kabinet, bufet dan kepercayaan, yang besar dan dibina seperti katedral kecil, dihiasi dengan tiang, pedimen, kartun, tukang batu, dan malaikat dan chimera yang terukir. Mereka biasanya terbuat dari walnut atau oak, atau kadang-kadang poirier bernoda menyerupai kayu hitam.[107]

Lihat juga

Catatan

  1. ^ a b Heal, Bridget (1 Disember 2011). "'Papist yang lebih baik daripada Calvinist ': Seni dan Identiti di Lutheran Jerman Kemudian ". Sejarah Jerman. Persatuan Sejarah Jerman. 29 (4): 584–609. doi:10.1093 / gerhis / ghr066.
  2. ^ Graur, Neaga (1970). Stiluri dan arta decorativă (dalam bahasa Romania). Majlis. hlm. 153, 154 & 156.
  3. ^ "Origem da palavra BARROCO - Etimologia". Dicionário Etimológico.
  4. ^ "BAROQUE: Etymologie de BAROQUE". www.cnrtl.fr. empr. pelabuhan au. baroko «Rocher granitique» et «perle irégulière», attesté dep. le xiiie s. sous la forme barroca (Pertanyaan, hlm. 99, Portugaliae Monumenta Historica, 1856 meter persegi. dans Mach.), d'orig. tidak jelas, prob. préromane en raison du suff. -ǒccu très répandu sur le territoire ibérique
  5. ^ "Barok". Encyclopædia Britannica. 3 (Edisi ke-11.) 1911.
  6. ^ Wiktionary. "Barok - Etimologi". Diperoleh 17 Jun 2019.
  7. ^ a b Robert Hudson Vincent, "Baroco: Logik Puisi Baroque Inggeris". Suku Bahasa Moden, Jilid 80, Edisi 3 (September 2019)
  8. ^ a b "BAROQUE: Etymologie de BAROQUE". www.cnrtl.fr. Diperoleh 4 Januari 2019.
  9. ^ Michael Meere, Drama Renaissance dan Baroque Perancis: Teks, Persembahan, Teori, Rowman & Littlefield, 2015, ISBN 1611495490
  10. ^ "se dit seulement des perles qui sont d'une rondeur benteng imparfaite". Le Dictionnaire de l'Académie Française (1694)
  11. ^ Bluteau, Raphael (1728). Vocabulario Portuguez & Latino. 2. hlm. 58.
  12. ^ "Barok". Kamus Etimologi Dalam Talian. Diperoleh 31 Disember 2018.: "Tetapi Klein menyarankan namanya berasal dari pelukis Itali, Federico Barocci (1528-1612), yang karyanya mempengaruhi gaya."
  13. ^ Claude V. Palisca, "Baroque". Kamus Muzik dan Pemuzik New Grove, edisi kedua, disunting oleh Stanley Sadie dan John Tyrrell (London: Macmillan Publishers, 2001).
  14. ^ "se dit aussi au figuré, tuangkan tidak pelik, pelik, aneh." Le Dictionnaire de l'Académie Française (1762)
  15. ^ a b Encyclopedie; Lettre sur la Musique Française di bawah arahan Denis Diderot
  16. ^ Quatremère de Quincy, Encyclopédie Méthodique, Senibina, jilid 1, dipetik oleh B. Migliorini, Manierismo, baròcco, rococò, Rome, 1962, hlm. 46
  17. ^ "koleksi akses awam dictionnaires d'autrefois". artflsrv03.uchicago.edu. Diperoleh 2 Januari 2019.
  18. ^ Burckhardt, Jacob (1855). Der Cicerone: eine Anleitung zum Genuss der Kunstwerke Italiens. Schweighauser. hlm.356. OCLC 315796790.
  19. ^ Hopkins, Owen, Les Styles dan Senibina (2014), hlm. 70.
  20. ^ Denizeau, Gérard (2018). Zapping Prin Istoria Artelor (dalam bahasa Romania). rao. hlm. 117. ISBN 978-606-006-149-6.
  21. ^ Hughes, J. Quentin (1953). Pengaruh Mannerisme Itali Terhadap Seni Bina Malta Diarkibkan 14 Mac 2017 di Mesin Wayback. Melitensiawath. Diakses pada 8 Julai 2016. hlm. 104–110.
  22. ^ Helen Gardner, Fred S. Kleiner, dan Christin J. Mamiya, Seni Gardner Sepanjang Zaman (Belmont, CA: Thomson / Wadsworth, 2005), hlm. 516.
  23. ^ Heal, Bridget (20 Februari 2018). "Reformasi dan Barok Lutheran". Akhbar Universiti Oxford. Diperoleh 1 Mei 2018. Walau bagaimanapun, tulisan para teolog hanya dapat menjelaskan evolusi kesedaran pengakuan dan pembentukan identiti agama. Keterikatan Lutheran terhadap citra keagamaan bukan hanya disebabkan oleh penggunaan Luther yang berhati-hati terhadap penggunaannya, tetapi juga dari konteks keagamaan dan politik tertentu di mana Reformasinya berkembang. Setelah kematian reformis pada tahun 1546, persoalan imej itu dipertandingkan sekali lagi. Tetapi ketika Calvinisme, dengan kecenderungan ikonoklastiknya, menyebar, orang-orang Lutheran Jerman bertindak balas dengan menegaskan kembali komitmen mereka terhadap penggunaan gambar agama yang tepat. Pada tahun 1615, warga Lutheran Berlin bahkan melakukan kerusuhan ketika penguasa Calvinis mereka mengeluarkan gambar dari Katedral kota.
  24. ^ Ducher, hlm. 102
  25. ^ a b Ducher (1988) hlm. 106-107
  26. ^ Ducher (1988), hlm. 102
  27. ^ Cabanne (1988) halaman 12
  28. ^ Ducher (1988)
  29. ^ a b Ducher (1988) hlm. 104.
  30. ^ Cabanne (1988) halaman 15
  31. ^ Cabanne (1988), halaman 18-19.
  32. ^ Cabanne (1988) halaman 48-49
  33. ^ a b c Cabanne (1988) ms. 48–51
  34. ^ Cabanne (1988) ms. 63
  35. ^ a b Ducher (2014), hlm. 92.
  36. ^ Cabanne (1988), hlm. 89–94.
  37. ^ Ducher (1988) hlm. 104–105.
  38. ^ "Kolumna Zygmunta III Wazy w Warszawie". Budaya.pl. Diperoleh 24 Jun 2019.
  39. ^ "WILANÓW PALACE". www.anothertravelguide.com. Diperoleh 24 Jun 2019.
  40. ^ "Tylman z Gameren - arsitek Warszawy: Polak z wyboru, Holender z pochodzenia -". CODART. Diperoleh 24 Jun 2019.
  41. ^ Cabanne (1988) halaman 25–32.
  42. ^ Cabanne (1988), hlm. 25–28.
  43. ^ Cabanne (1988), hlm. 28–33.
  44. ^ "Zaman Baroque di Portugal". www.nga.gov.
  45. ^ http://www.resumos.net/files/caracterizacaodaarquiteturacha.doc
  46. ^ Bury, J. B. (1956). "Barok Akhir dan Rococo di Portugal Utara". Jurnal Persatuan Ahli Sejarah Senibina. 15 (3): 7–15. doi:10.2307/987760. JSTOR 987760.
  47. ^ "Um Roteiro pelo Barroco bracarense". Rasa Braga. 30 Ogos 2017.
  48. ^ "Notícias - Direção Regional de Cultura do Norte". culturanorte.gov.pt.
  49. ^ Pusat, Warisan Dunia UNESCO. "Pusat Bersejarah Oporto, Jambatan Luiz I dan Biara Serra do Pilar". Pusat Warisan Dunia UNESCO.
  50. ^ "Senibina dan Barok". www.torredosclerigos.pt.
  51. ^ "Gereja S. João Novo". www.upt.pt.
  52. ^ "DGPC | Pesquisa Geral". www.patrimoniocultural.gov.pt.
  53. ^ "DGPC | Pesquisa Geral". www.patrimoniocultural.gov.pt.
  54. ^ William Craft Brumfield (1993). "Bab Kelapan: Asas Barok di Saint Petersburg". Sejarah Senibina Rusia. Cambridge: Cambridge University Press. ISBN 978-0-521-40333-7.
  55. ^ Bailey, Gauvin Alexander (2012). Barok & Rococo. Phaidon. hlm. 366 & 367. ISBN 978-0-7148-5742-8.
  56. ^ Thomas da Costa Kaufmann (1999). "12 / Timur dan Barat: Seni dan Seniman Jesuit di Eropah Tengah, dan Seni Eropah Tengah di Amerika". Di John W. O'Malley; Gauvin Alexander Bailey; Steven J. Harris; T. Frank Kennedy (ed.). The Jesuits: Budaya, Sains, dan Seni, 1540–1773, Jilid 1. University of Toronto Press. hlm.274–304. ISBN 9780802042873.
  57. ^ Gauvin Alexander Bailey (1999). Art on the Jesuit Missions di Asia dan Amerika Latin, 1542–1773. University of Toronto Press. hlm.4–10. ISBN 9780802085078.
  58. ^ José Maria Azcarate Ristori; Alfonso Emilio Perez Sanchez; Juan Antonio Ramirez Dominguez (1983). "Historia Del Arte".
  59. ^ Larousse (1990). DICCIONARIO ENCICLOPEDICO LAROUSSE. 12 TOMOS. Barcelona: Planeta Editorial.
  60. ^ "KATEDRAL, TESTIGO DE LA HISTORIA. LA CONSTRUCCIÓN DE LA NUEVA PARROQUIA, KEDAI HOY". catedraldechihuahua.blogspot.com.
  61. ^ "Historia y arquitectura". lahabana.com.
  62. ^ Cláudia Damasceno Fonseca. "Igreja de Nossa Senhora do Rosário dos Pretos". Património de influência portuguesa. Yayasan Calouste Gulbenkian.
  63. ^ Jorge Salvador Lara (2009). Historia de Quito, Luz de América. Bicentenario del 10 de agosto de 1809. Quito: Fonsal. ms 124, 125. ISBN 9789978366189.
  64. ^ Asociación de Funcionarios del Servicio Diplomático del Perú. "TAGLE UNA VISITA AL PALACIO DE TORRE, CASA DE LA DIPLOMACIA PERUANA" (dalam bahasa Sepanyol).
  65. ^ "Iglesia de Santo Domingo". Laman web Kementerian Pelancongan Chile (dalam bahasa Sepanyol).
  66. ^ Prater dan Bauer, La Peinture du baroque (1997), hlm. 11
  67. ^ Prater dan Bauer, La Peinture du baroque (1997), hlm. 3–15
  68. ^ Prater dan Bauer, La Peinture du baroque (1997), hlm. 12
  69. ^ "Elemen Gaya Barok." Dalam Kesenian dan Kemanusiaan Melalui Zaman, disunting oleh Edward I. Bleiberg, James Allan Evans, Kristen Mossler Figg, Philip M. Soergel, dan John Block Friedman, 466–470. Jilid 5, Zaman Barok dan Pencerahan 1600-1800. Detroit, MI: Gale, 2005.
  70. ^ Ducher (1988) halaman 108–109
  71. ^ Cabanne (1988) hlm.102-104
  72. ^ Fortenberry, Diane (2017). MUSIM SENI. Phaidon. hlm. 246. ISBN 978-0-7148-7502-6.
  73. ^ Fortenberry, Diane (2017). MUSIM SENI. Phaidon. hlm. 259. ISBN 978-0-7148-7502-6.
  74. ^ Boucher (1998), hlm. 146.
  75. ^ Boucher (1998), hlm. 16.
  76. ^ Graur, Neaga (1970). Stiluri dan arta decorativă (dalam bahasa Romania). Majlis. hlm. 168.
  77. ^ Graur, Neaga (1970). Stiluri dan arta decorativă (dalam bahasa Romania). Majlis. hlm. 176 & 177.
  78. ^ Renault dan Lazé, Les Styles de l'architecture et du mobilier (2006), hlm. 59
  79. ^ Renault dan Lazé, Les Styles de l'architecture et du mobilier (2006), hlm. 59
  80. ^ "Meja Dermaga". Institut Seni Chicago.
  81. ^ "Meja Depan Bersandar". Institut Seni Chicago.
  82. ^ a b Palisca 2001.
  83. ^ Sachs, Curt (1919). Barockmusik [Muzik Baroque]. Jahrbuch der Musikbibliothek Peters (dalam bahasa Jerman). 26. Leipzig: Edisi Peters. hlm.7–15.
  84. ^ a b Bély (2005), hlm.152–54.
  85. ^ Erlich, Cyril (1990). Piano: Sejarah. Akhbar Universiti Oxford, USA; Edisi yang disemak semula. ISBN 0-19-816171-9.
  86. ^ Powers, Wendy (Oktober 2003). "The Piano: The Pianofortes of Bartolomeo Cristofori (1655-1731)". Garis Masa Sejarah Seni Heilbrunn. New York: Muzium Seni Metropolitan. Diperoleh 27 Januari 2014.
  87. ^ Isacoff (2012), hlm. 23.
  88. ^ "Panggung dan panggung barok". Encyclopædia Britannica. Diperoleh 14 November 2019.
  89. ^ González Mas (1980), hlm 1-2.
  90. ^ González Mas (1980), hlm. 8.
  91. ^ González Mas (1980), hlm. 13.
  92. ^ González Mas (1980), hlm. 91.
  93. ^ Lope de Vega, 2010, Komedi: El Remedio en la Desdicha. El Mejor Alcalde El Rey, hlm. 446–447
  94. ^ Amadei-Pulice (1990), hlm. 6.
  95. ^ Wilson, Edward M .; Moir, Duncan (1992). Historia de la literatura española: Siglo De Oro: Teatro (1492–1700). Editorial Ariel, hlm. 155–158
  96. ^ Amadei-Pulice (1990), hlm.26–27.
  97. ^ Molina Jiménez, María Belén (2008). Musikal El teatro de Calderón de la Barca: Análisis tekstual. EDITUM, hlm. 56
  98. ^ Amadei-Pulice (1990), hlm.6–9.
  99. ^ a b c d Maya Ramos Smith; Concepción Reverte Bernal; Mercedes de los Reyes Peña (1996). América y el teatro español del Siglo de Oro. II Congreso Iberoamericano del Teatro - Tercera ponencia: Actores y compañías de América durante la época virreinal. Cádiz: Perkhidmatan Penerbitan Universiti Cádiz. hlm 79–80, 85–86, 133–134, 141. ISBN 84-7786-536-1.
  100. ^ Menurut kenyataan penulis drama itu sendiri, dia dilahirkan di Mexico City pada tahun 1580 atau 1581. Walau bagaimanapun, sijil pembaptisan bertarikh 30 Disember 1572 telah dijumpai di Taxco, milik anak lelaki bernama Juan, anak Pedro Ruiz de Alarcón dan Leonor de Mendoza, ibu bapa penyair. Walaupun terdapat kenyataan Alarcón, kebanyakan pengkritik menganggap Taxco sebagai tempat kelahirannya. Lihat Lola Josa, Juan Ruiz de Alarcón y su nuevo arte de entender la comedia, Madrid, Persatuan Antarabangsa Hispanis, 2008, hlm. 7–14.
  101. ^ a b c Kluckert, Ehrenfried (2015). "Les Jardins Baroques". L'Art Baroque - Senibina- Arca- Peinture. Cologne: H.F Ulmann. hlm.152-160. ISBN 978-3-8480-0856-8. (Terjemahan Perancis dari Jerman)
  102. ^ Graur, Neaga (1970). Stiluri dan arta decorativă (dalam bahasa Romania). Bucharest: Cerces. hlm. 160 & 163.
  103. ^ Graur, Neaga (1970). Stiluri dan arta decorativă (dalam bahasa Romania). Bucharest: Cerces. hlm. 192.
  104. ^ Cabanne (1988), hlm. 106.
  105. ^ a b Boucher (1998), hlm. 9.
  106. ^ Popescu, Alexandru (2018). Casele Pali Palatele Bucureștilor (dalam bahasa Romania). Penerbit Cetatea de Scaun. hlm. 250. ISBN 978-606-537-382-2.
  107. ^ Ducher 1988, hlm 194–195.
  108. ^ Popescu, Alexandru (2018). Casele Pali Palatele Bucureștilor (dalam bahasa Romania). Penerbit Cetatea de Scaun. hlm. 113. ISBN 978-606-537-382-2.

Sumber

  • Amadei-Pulice, María Alicia (1990). Calderón y el barroco: exaltación y engaño de los sentidos. Monograf Universiti Purdue dalam bahasa Romantik (dalam bahasa Itali). 31. Amsterdam; Philadelphia: Syarikat Penerbitan John Benjamins. ISBN 978-9-02-721747-9.CS1 maint: ref = harv (pautan)
  • Bély, Lucien (2005). Louis XIV - Le Plus Grand Roi du Monde (dalam bahasa Perancis). Edisi Jean-Paul Gisserot. ISBN 978-2-87-747772-7.CS1 maint: ref = harv (pautan)
  • Boucher, Bruce (1998). Arca Barok Itali. Dunia Seni. Thames & Hudson. ISBN 0-50-020307-5.CS1 maint: ref = harv (pautan)
  • Cabanne, Pierre (1988). L'Art Classique et le Baroque (dalam bahasa Perancis). Paris: Larousse. ISBN 978-2-03-583324-2.CS1 maint: ref = harv (pautan)
  • Causa, Raffaello, L'Art au XVIII siècle du rococo à Goya (1963), (dalam bahasa Perancis) Hachcette, Paris ISBN 2-86535-036-3
  • Ducher, Robert (1988). Caractéristique des Styles. Paris: Flammarion. ISBN 2-08-011539-1.CS1 maint: ref = harv (pautan)
  • Ducher, Robert (2014). La Caractéristique des Styles.CS1 maint: ref = harv (pautan)
  • Gardner, Helen, Fred S. Kleiner, dan Christin J. Mamiya. 2005. Seni Gardner Sepanjang Zaman, Edisi ke-12. Belmont, CA: Thomson / Wadsworth. ISBN 978-0-15-505090-7 (kulit keras)
  • González Mas, Ezequiel (1980). Historia de la literatura española: (Siglo XVII). Barroco, Volumen 3. La Editorial, UPR.CS1 maint: ref = harv (pautan)
  • Isacoff, Stuart (2012). Sejarah Piano Asli: Instrumen, Muzik, Pemuzik - Dari Mozart hingga Jazz Moden dan Segalanya. Penerbitan Knopf Doubleday.CS1 maint: ref = harv (pautan)
  • Prater, Andreas, dan Bauer, Hermann, La Peinture du baroque (1997), (dalam bahasa Perancis), Taschen, Paris ISBN 3-8228-8365-4
  • Tazartes, Maurizia, Fontaines de Rome, (2004), (dalam bahasa Perancis) Citadelles, Paris ISBN 2-85088-200-3

Bacaan lanjut

  • Andersen, Liselotte. 1969. Seni Barok dan Rococo, New York: H. N. Abrams. ISBN 978-0-8109-8027-3
  • Bailey, Gauvin Alexander. 2012. Barok & Rococo, London: Phaidon Press. ISBN 978-0-7148-5742-8
  • Bazin, Germain, 1964. Barok dan Rococo. Praeger World of Art Series. New York: Praeger. (Asalnya diterbitkan dalam bahasa Perancis, sebagai Classique, baroque et rococo. Paris: Larousse. Edisi Bahasa Inggeris dicetak semula sebagai Seni Barok dan Rococo, New York: Praeger, 1974)
  • Buci-Glucksmann, Christine. 1994. Sebab Baroque: Estetika Kemodenan. Sage.
  • Downes, Kerry, "Barok"[pautan mati kekal], Grove Art Dalam Talian, Oxford Art Online, Oxford University Press, Web. 23 Okt 2017.[diperlukan pengesahan] (langganan diperlukan)
  • Hills, Helen (ed.). 2011. Memikirkan semula Baroque. Farnham, Surrey; Burlington, VT: Ashgate. ISBN 978-0-7546-6685-1.
  • Hortolà, Policarp, 2013, Estetika Haemotaphonomy: Persamaan Gaya antara Sains dan Sastera dan Seni Visual. Sant Vicent del Raspeig: ECU. ISBN 978-84-9948-991-9.
  • Kitson, Michael. 1966. Zaman Baroque. Landmark Seni Dunia. London: Hamlyn; New York: McGraw-Hill.
  • Lambert, Gregg, 2004. Kembalinya Barok dalam Budaya Moden. Kesinambungan. ISBN 978-0-8264-6648-8.
  • Martin, John Rupert. 1977. Barok. Edisi Ikon. New York: Harper dan Rowe. ISBN 0-06-435332-X (kain); ISBN 0-06-430077-3 (pbk.)
  • Palisca, Claude V. (1991) [1961]. Muzik Baroque. Prentice Hall Sejarah Muzik (edisi ke-3). Englewood Cliffs, N.J .: Prentice Hall. ISBN 0-13-058496-7. OCLC 318382784.
  • Riegl, Alois (2010). Hopkins, Andrew (ed.). Asal-usul Seni Barok di Rom (Teks dan Dokumen). Institut Penyelidikan Getty. ISBN 978-1-6060-6041-4.
  • Wölfflin, Heinrich (1964) [Asalnya diterbitkan dalam bahasa Jerman, 1888]. Renaissance dan Baroque. Diterjemahkan oleh Simon, Kathrin. ISBN 0-0021-7349-2.
  • Vuillemin, Jean-Claude, 2013. Baroque episteme: le mot et la memilih. Hermann. ISBN 978-2-7056-8448-8.
  • Wakefield, Steve. 2004. Fiksyen Baroque Carpentier: Mengembalikan Pandangan Medusa. Colección Támesis. Serie A, Monografías 208. Rochester, NY: Tamesis. ISBN 1-85566-107-1.
  • Massimo Colella, Il Barocco sabaudo tra mecenatismo e retorica. Maria Giovanna Battista di Savoia Nemours e l'Accademia Reale Letteraria di Torino, Fondazione 1563 per l'Arte e la Cultura della Compagnia di San Paolo, Torino ("Alti Studi sull'Età e la Cultura del Barocco", IV-1), 2019, hlm.180.
  • Massimo Colella, Separatezza e Conversazione. Sondaggi intertestuali attorno a Ciro di Pers, di «Xenia. Trimestrale di Letteratura e Cultura »(Genova), IV, 1, 2019, hlm. 11–37.

Pautan luaran

Pin
Send
Share
Send